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Liberia, Wayétu Moore y otros escritores

7ª Edición del Curso Introducción a las expresiones artísticas y culturales del África al sur del Sahara

 

Por Daniel Villanueva

La joven escritora Wayétu Moore (Monrovia, 1985), de origen liberiano, afincada hoy en Estados Unidos huyó de su país por la guerra a la edad de 5 años, junto con su familia. Desde entonces ha vivido y estudiado en universidades estadounidenses. Su primera novela “She Would Be King” ha atraído la atención de la crítica internacional. Por tanto, Moore se acerca al selecto grupo de autoras de origen africano aplaudidas por la industria editorial global como Chimamanda Adichie o Taiye Selasi, que además de ser mujeres, tienen éxito y escriben desde la diáspora.

La escritora de origen liberiano, Wayéto Moore. Autor: Yoni Levy en Wikimedia

Otro de los rasgos de estas autoras de éxito es su visibilidad en el entorno digital y en esa misma línea, Wayétu Moore también hace uso extensivo de redes sociales, a modo de ejemplo tiene más de 12,500 seguidores en Instagram. Precisamente, las últimas semanas Moore está de gira en su país natal, Liberia, así como en Ghana y Nigeria, para promocionar sus novelas y promover su iniciativa editorial .

Las descripciones promocionales de “She Would Be King” insisten en inscribirla en el controvertido estilo del “realismo mágico africano”. Lanza una mirada sobre la historia de la formación de Liberia, mezclando el envío a la madre “África” de esclavos americanos, con su encuentro con la población autóctona y la fundación del país. En diferentes círculos se ha anunciado la publicación de una segunda novela en 2019 llamada “Dragons, Giant, Women” sobre las experiencias respecto a la guerra de Liberia durante su infancia. La propia autora ha explicado en una entrevista a Naïra que se trata de un volumen de memorias; que los dragones del título responden a una experiencia concreta: “Durante la guerra, mi padre y mi abuela crearon esta realidad alternativa para nosotros. Nos decían que estábamos huyendo de los dragones, los dragones venían”. Precisamente el gigante es su padre, al que considera un “hombre extraordinario”. “Que hizo tanto para protegernos y que hubo tantos momentos durante la guerra y durante la vida en los que pudo haberse rendido y no lo hizo”, alaba Moore. Por último, la mujer del título es la madre de la escritora “decidió que iba a sacar a su familia de la guerra y lo hizo, en realidad, con la ayuda de una mujer soldado”.

En 2011 Moore estableció la editorial “One Moore” para fomentar la publicación de libros infantiles, escritos desde una perspectiva africana. Esta valiente iniciativa está haciéndose eco en varios países como Ghana y Nigeria, donde también editan y publican libros infantiles que se pueden adquirir a través de Internet . A su vez, Wayétu Moore ha abierto y sufragado una modesta librería en Monrovia, con el mismo objetivo de fomentar la lectura. Esta iniciativa de Wayetu Moore es una muestra de resistencia, ya que no es fácil encontrar librerías en la mayor parte de las capitales de África Occidental y su funcionamiento, a menudo, es incierto.

Aún así, gracias al eco positivo de la galaxia internet y las redes sociales permite acceder a muchos otros autores, que hace 20 años hubiese sido casi imposible conocer. Por ejemplo, en la misma cuenta de Instagram de Wayétu, aparece, en su modesta librería de Monrovia, charlando con un joven escritor liberiano: Saah Millimono. En este caso, Saah es residente en Monrovia, y no forma parte de la diáspora. Su primera y única novela,Boy, Interrupted fue galardonada en 2013 con el segundo premio de la editorial keniana KWANI, en su Manuscript Project. La novela es una historia de amor que relata como un niño sufre en las duras condiciones de la vida, pero encuentra apoyo en la familia de una amiga del colegio. Sin embargo, con la irrupción de la guerra civil sus vidas cambiarán enormemente separándose y reuniéndose nuevamente superando los horrores de la guerra.

Saah Millimono, ha trabajado como escritor de historias de ficción en el periódico local Daily Observer y también ha realizado trabajos en US AID. Según un artículo en el propio Daily Observer está terminando de cursar sus estudios y trabajando en su segunda novela “Agosto 1990” (también sobre la guerra de Liberia, de la que escapó milagrosamente junto con su hermana).

Está claro que el perfil de Saah Millimono es diferente al de Wayétu Moore y otras escritoras de éxito de la diáspora que hemos mencionado. No obstante, como hemos indicando, Moore utiliza su cuenta de Instagram para evidenciar su apoyo a Saah Millimono. La escritora no duda en manifestar lo orgullosa que está de tener escritores en Liberia pese a que no hayan sido reconocidos a nivel internacional, lo que dificulta el acceso a sus libros.

La librería One Moore Bookstore, en Monrovia. Fuente: Facebook de la librería

El caso de Wayétu Moore pone de manifiesto la importancia de la “literatura de la distancia”, que agrupa a una buena parte de una actual generación de escritores (afortunadamente, con mucha presencia de mujeres, con algunos elementos comunes en su perfil). Esta literaturaira sistemáticamente a su alrededor y se fija en las comunidades de las diásporas africanas. Sólo viendo los perfiles de Instagram de estas escritoras exitosas se entiende bien este fenómeno y su descripción.

A menudo, la actividad de estas escritoras aparece junto al uso del concepto de “afropolitismo”. El ejemplo más claro es el de la ghanesa Taiye Selasi. Además, Selasi explica en una de sus exposiciones que ella se ve a sí misma más allá, en un concepto un poco diferente “multi-localismo”, pues se siente parte de la ciudad en la está en cada época de su vida que le ha marcado. También es cierto que el “afropolitismo”, como temática literaria, abre a los escritores ventas tanto en mercados “occidentales”, como en el propio continente. Desde el punto de vista del marketing, es una estrategia irreprochable. Otro debate sería el de la “autenticidad” del recurso literario a la diáspora y al afropolitismo.

 

Los sonidos de Cabo Verde: entre tradición y modernidad

7ª Edición del Curso Introducción a las expresiones artísticas y culturales del África al sur del Sahara

 

Por Juan Antonio Jiménez Sanabria

 

A modo de introducción

Generalmente, cuando hablamos de tradición y modernidad en las músicas africanas nos referimos, por una parte, a las músicas precoloniales y por otra, a las nuevas formas evolucionadas de estas durante la colonización (época consideraba por los historiadores como la edad moderna africana), y poscolonización.

Ferrán Iniesta (1998), considera que la modernidad se produjo de forma traumática debido a la desestabilización de los sistemas políticos, sociales y culturales ya existentes, en favor de unos ideales occidentales (pp. 24-27).

En África hubo una mezcla constante, en todos los ámbitos de la cultura, entre lo tradicional y lo moderno. El historiador Eric García Moral (2017), habla de modernidad en África como la conjunción de los absolutismos europeos y las tradiciones africanas.

El uso de esta terminología (tradición-modernidad), nos remite a dos contextos históricos distintos y opuestos a la vez. A causa de ello, en el plano musical surgieron dos tendencias diferenciadas y al mismo tiempo genuinas, que marcaron el curso de las músicas africanas.

Akin Euba (1973), nos dice que la mayoría de las sociedades africanas que mantienen sus tradiciones culturales conservan también su tradición musical, mientras que las sociedades que han tenido un contacto más frecuente con Occidente han incorporado elementos de esas culturas a las suyas propias. Según el autor, esto indicaría que mientras los países en los que la colonización no fue tan intensa las tradiciones musicales permanecieron intactas, los países de colonización, aunque en algunos aspectos mantuvieron cierta identidad, adoptaron muchas nuevas formas de la cultura occidental por influencia directa.

En la misma línea, el historiador ghanés Adu Boahen (1984) afirma que: “durante el periodo colonial el arte, la música, la danza y hasta la historia de África fueron no solo ignorados sino simplemente negados” (p. 37).

En esta línea de pensamiento es común el debate sobre la autenticidad entre música tradicional y música moderna, pero como veremos, la autenticidad no se debe exclusivamente al hecho musical en sí, es más bien producto de una época histórica concreta y la influencia cultural en la que unos individuos u otros han sido educados, causando un proceso de aculturación independiente de los intereses propios.

Bana (Adriano Gonçalves), cantante y baladista caboverdiano, intérprete de morna. Fuente: nosgenti-com.

La realidad de Cabo Verde

La tradición y modernidad en Cabo Verde merece una atención especial. Según García Moral (2017), los primeros portugueses llegaron a las playas de lo que se conoció como Senegambia[1] entre 1444 y 1446, pero los contactos con las culturas africanas resultaron hostiles debido a las ocupaciones armadas lusas con el fin de capturar personas. La resistencia de los nativos africanos doblegó a los portugueses que cesaron en los intentos y se instalaron en el archipiélago a la espera de acometer nuevas incursiones. A causa de las continuas derrotas lusas, el rey portugués prohibió cualquier ataque armado y ordenó promover acuerdos pacíficos con jefes locales, lo que a la postre facilitó el comienzo de la trata de esclavos.

La colonización de Cabo Verde entorno a 1462, entonces deshabitada, les sirvió no solo como punto estratégico para establecer la ruta del comercio de esclavos entre África, América y Europa en 1517, sino también para lanzar repetidas expediciones en el interior de África y reclutar esclavos para explotar las tierras del archipiélago.

La población nativa caboverdiana se formaba así por los descendientes de esclavos llegados de otras colonias (Senegal, Gambia y Guinea Bissau) y los colonos portugueses, dando origen al crioulo y conservando una hibridación lingüística conocida como kriolu.

Si tenemos en cuenta esto, en Cabo Verde no existió una fase “precolonial”, por lo que sus músicas emergieron en pleno colonialismo y como hemos señalado anteriormente, época periodizada como el inicio de la modernidad africana. Podemos señalar entonces, que la música tradicional caboverdiana surgió en una época histórica que no se corresponde con la realidad del resto del continente, de manera que ambas músicas, tradicional y moderna, coincidiendo en un corto espacio de tiempo, están más unidas si cabe y por lo tanto es menos oportuno discutir sobre la mayor autenticidad de una u otra.

La música caboverdiana: autenticidad e influencias

La creatividad en las músicas caboverdianas no deja de ser producto de una fusión de culturas moldeadas a través de la diversidad de esclavos que nutrían el archipiélago para la trata y la de los emigrados procedentes de Europa y América una vez abolida la esclavitud en 1876 y la posterior independencia en 1975. A ellas se les debe sumar también la diáspora caboverdiana actual. La música caboverdiana presenta influencias y transformaciones constantes debido a su propia historia.

Las músicas de tradición oral en Cabo Verde tienen especial relevancia ya que fueron el inicio de los posteriores géneros. Dependiendo de la isla y de los recursos que servía a los colonos, las músicas varían en estilo y temática: desde las canciones de trabajo, Cantigas de Trabalho[2], o Cantigas de Monda, dedicadas a la siembra y típicas en las islas agrícolas (St. Antão, S. Nicolau. S. Tiago, Fogo y Brava); las Cantigas Marítimas, dedicadas al mar; las Cantigas de Ninar, (canciones de cuna), o las canciones infantiles como las Cantigas de Roda y las Lenga-Lengas (Brito, 1998).

Las canciones religiosas también tuvieron su protagonismo en las islas, una música de carácter popular, a cappella, que se cantaba fuera de las iglesias y en determinadas festividades. M. Brito (1998) nos habla de las ladaínhas (Santo Antão), las rezas (Santiago), así como las divinas (cantadas en estilo polifónico en S. Nicolau). Su estilo podía variar desde las tres voces, hasta el unísono y a solo, en forma responsorial.

Las primeras músicas autóctonas que confluyeron en Cabo Verde procedían de los esclavos que llegaban desde otras colonias portuguesas. Es el caso de Angola, donde los angoleños trasladaron al archipiélago una forma similar al lundu, el batuque, en la isla de Santiago. Una música percusiva tocada por mujeres con acompañamiento vocal, considerado hoy en día como el más tradicional de los géneros musicales de Cabo Verde (Sieber, 2005).

Otros géneros como el funaná, la coladeira y la morna, han sufrido transformaciones y reinterpretaciones a lo largo de la época poscolonial, sobre todo a través de la diáspora, incorporando nuevos instrumentos, algunos electrónicos y elaborando arreglos más complejos. Según Brito (1998), el funaná siempre estuvo ligado a la danza (prohibida por los colonos portugueses por el carácter sensual de sus bailes). Originalmente tenía un ritmo más lento y se tocaba con la gaita de mon (acordeón diatónico), aunque después de la independencia se reinventó aumentando su velocidad y virtuosismo e incorporando instrumentos eléctricos.

Por su parte, la coladeira es de carácter más moderno. Brito-Semedo (2015) se refiere a la coladeira como una evolución de la morna. Su origen está en la isla de S. Vicente en torno a los años treinta. Música bailable de ritmo más vivo y temática satírica, se hizo muy popular en las islas a mediados de los años cincuenta. Según él, la primera coladeira podría haber sido “Abyssinia”, del autor Antonio Silva Ramos. Posteriormente sufrió influencias latino-americanas y de las Antillas francesas, modernizándose en lo que se denominó el zouk, muy popular entre los jóvenes (Brito, 1998).

La morna es el género por excelencia en Cabo Verde. Comúnmente se la relaciona con el fado portugués por su carácter triste y melancólico, heredado del blues y de las works songs de los esclavos en las américas. Aunque ambos estilos representan diferencias: el fado se suele cantar a solo acompañado por la guitarra portuguesa o cavaquinho (que posteriormente incorporó la morna) y posee una rítmica en tiempo binario. Según el poeta Eugenio Tavares (1867-1930), la primera morna conocida es “Brada Maria”, originaria de Boa Vista (Caniato, 2005) y data de finales del siglo XIX, entre 1870-1900 (Grecco, 2013, p. 11).

La morna ha sufrido transformaciones constantes a lo largo de su historia debido a la universalidad del estilo y a la heterogeneidad cultural caboverdiana. Sieber (2005) y Brito (1998) recalcan que en su evolución también ha contribuido el añadido de nuevos instrumentos occidentales a los tradicionales africanos y armonías más complejas con variaciones tonales. Además, las estructuras melódico-rítmicas igualmente se vuelven más sincopadas. Aunque actualmente existen partituras escritas de la morna y en ellas las melodías parecen lineales, la difusión de la misma suele ser por tradición oral, dejando la línea melódica a la creatividad del ejecutante (Tuler, Cuerda, & Maffia, 2001).

Como hemos visto brevemente, la dicotomía entre tradición y modernidad y la autenticidad de las culturas musicales, está separada por una delgada línea. Hay que tener presente que los procesos histórico-musicales no pueden separarse de la realidad cultural y aunque nos hemos dejado muchos géneros y estilos por comentar, la imparcialidad nos puede llevar al equívoco de considerar auténtico, tradicional o moderno, acontecimientos musicales sucedieron en un mismo contexto, que surgieron y evolucionaron a la par y que requerirían de un análisis en mayor profundidad.

Bibliografía

Adu Boahen, A. (1984). El legado del colonialismo. África en su historia. El Correo de la UNESCO. Mayo, pp. 32-38.

Brito, M. (1998). Breves Apontamentos sobre as Formas Musicais existentes em Cabo Verde. Obtenido de http://www.attambur.com/Recolhas/PDF/FormasMusicaisCaboVerde.pdf

Brito-Semedo, M. (2015). Gastronomy, music and dance in the Cape Verdean life cycle. En E. Murray, A Symphony of Flavors: Food and Music in Concert (pp. 123-124). Newcastle: Cambridge Scholars Publishing.

Caniato, B. J. (2005). Morna – Expressão do Lirismo Cabo-Verdiano. En Percursos pela África e por Macau (p. 74). Brasil: Ateliê.

Euba, A. (1973). África: Entre el tambor y el tocadiscos. La vitalitad de la tradición africana frente a los embates de la música occidental. Música de siglos. El Correo de la UNESCO. Junio, pp. 24-27.

Grecco, F. M. (2013). Viola Crioula: Modinhas, lundus e mornas: um conceito de amor na literatura colonial brasileira e cabo-verdiana. São Paulo: UNESP.

Iniesta, F. (1998). Historia del África negra. Barcelona: Bellatera.

Moral, E. G. (2017). Breve historia del África subsahariana. España: Nowtilus.

Sieber, T. (2005). Popular music and cultural identity in the cape verdean post-colonial diaspora. Obtenido de http://citeseerx.ist.psu.edu/viewdoc/download?doi=10.1.1.497.4790&rep=rep1&type=pdf

Tuler, S., Cuerda, C., & Maffia, M. (2001). Expresiones musicales de la cultura caboverdeana. Una aproximación al conocimiento de la especie musical morna. Obtenido de bibliotecavirtual.clacso.org.ar/ar/libros/aladaa/tuler.rtf

 

 

 

[1] Confederación formada por Senegal y Gambia, existente desde 1982 y disuelta en 1989.

[2] Owaldo, O.: Cantigas de Trabalho. Tradições orais de Cabo Verde. Ed. Comissão Nacional para as Comemorações do 5º Aniversário da Independência de Cabo Verde. Cabo Verde, 1980.

Afropolitanismo: La pieza que no encaja

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4ª Edición del Curso Introducción a las expresiones artísticas y culturales del África al sur del Sahara

Por Javier Martin Oliva

Uno de los laberintos vitales que ha atravesado el ser humano a lo largo de la historia, y que aún sigue sin finalizar, es el de la búsqueda de la identidad. ¿Quién soy?, es una pregunta que siempre ha sido difícil responder y que, muy probablemente, nunca llegue a encontrar una respuesta unitaria y definitiva. Las identidades se construyen sobre muchísimos aspectos de nuestra vida. Existen identidades nacionales, étnicas, religiosas, musicales, sexuales, políticas, deportivas… En un mundo que ha sufrido infinidad de procesos históricos como el colonialismo, las migraciones o la globalización, cuesta cada vez más definirse a uno mismo. Este fenómeno ha sido reflexionado muy profundamente en los estudios postcoloniales (Brah, 2011), más concretamente, en lo relativo a la diáspora. La diáspora ha creado unas identidades que parecen no ser “ni de aquí ni de allá”, algo sobre lo que muchísimos pensadores y escritores, también en África,  han dejado constancia.

Taiye Selasi, durante su presencia en Barcelona. Foto: Carlos Bajo

Ha pasado ya más de una década desde la publicación del artículo Bye-Bye Babar de la escritora Taiye Selasie, donde se popularizó el concepto de “afropolitanismo”. Si alguien refleja ese sentimiento de no sentirse claramente de ningún lado es esta autora. Nacida en Londres pero criada en Boston por una madre nigeriana y un padre ghanés, Selasie ha vivido entre Nueva York, Delhi o Roma.  El afropolitanismo surge en ella como una idea que responde a su frustración por no ser suficientemente de ninguna parte. Ni británica en Londres, ni estadounidense en Boston, pero tampoco suficientemente ghanesa o nigeriana para los demás. En su texto caracterizó a los afropolitanos como “la nueva generación de emigrantes africanos que mezcla la moda londinense, con la jerga neoyorquina, la ética de África y los éxitos académicos”. Junto a Selasie, podríamos enmarcar también en esta etiqueta a otros escritores de renombre como Teju Cole o Chika Unigwe. Sin embargo, desde su aparición, el “afropolitanismo” no ha dejado de despertar críticas e interpretaciones diferentes sobre su verdadero contenido.

Algunas de las voces críticas con el término, argumentan que se vende el “afropolitanismo” como una nueva historia única donde el progreso de África se basa en la reproducción de formas de vida occidentales. De hecho, los artistas africanos mejor acogidos en el mercado internacional son aquellos que han reflejado en sus obras un estilo más homogéneo y occidentalizado, acomodando su africanidad en el ideario global de progreso. Está reflexión es defendida por figuras como Okwnodu Ogbechi, Marta Tveit, o más directamente Binyavanga Wainaina. El escritor keniano se define a sí mismo como “panafricanista, no afropolitano” y vive el fenómeno como una moda pasajera que sirve “para hacer ropa bonita” pero sin un compromiso sólido. También se discute enormemente esa noción de cosmopolitismo que sólo se da fuera de África. Aunque el bagaje cultural que te da conocer diversos rincones del planeta es impagable, lo cierto es que ser africano es inseparable de ser cosmopolita. África está formada por países que presentan multitud de lenguas y dialectos, grupos étnicos y religiones diversas. Nacer en cualquier país del continente es crecer ya en la diversidad, pero el afropolitanismo parece no hacer énfasis en  esa variedad y sí en la que ofrece Occidente.

En definitiva, en el fondo de la mayor parte de críticas está el temor de una narración de África que se lleve a cabo sobre el reflejo de una minoría privilegiada que relata vidas diferentes a la mayoría del continente. La imagen del continente que se exporta es casi siempre dual. Por un lado, la clásica imagen de un continente a la deriva, en constante conflicto y con problemáticas profundas. Una imagen que se baña de un discurso condescendiente y exótico. Por otro lado, una idea de África vinculada al crecimiento económico, las oportunidades de inversión, la occidentalización de sus costumbres y tradiciones, su juventud emprendedora; es decir, la narrativa del “Africa Rising”. Desgraciadamente, estas dos versiones tan diferentes de la realidad dan lugar a una pérdida de matices y reflexiones acerca del continente que nos impiden conocer la realidad en su complejidad. África es un lugar indefinible, como así es también el ser y el sentir africano. Mientras tanto, los escritores, artistas e intelectuales seguirán buscando palabras, adjetivos y etiquetas a la pregunta ¿Quién soy?, que se hacen también los africanos dentro y fuera del continente.

Fuentes:

BRAH, Avtar. 2011. Cartografías de la diáspora. Identidades en cuestión. Madrid: Traficantes de Sueños.

http://thelip.robertsharp.co.uk/?p=76

https://literafrica.wordpress.com/2014/02/07/afropolitanismo-el-riesgo-de-caer-en-la-historia-unica/

http://elpais.com/elpais/2013/06/12/africa_no_es_un_pais/1371016920_137101.html

https://www.wiriko.org/letras-africanas/taiye-selasi-el-canto-de-la-diversidad/

https://www.wiriko.org/letras-africanas/entrevista-binyavanga-wainaina/

http://aachronym.blogspot.com.es/2008/04/afropolitanism-more-africa-without.html

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Aula Wiriko

¿Sabes cuáles son las tendencias musicales en África? ¿Los estilos más bailados en las salas de baile? ¿Cuántos premios Nobel de literatura han obtenido africanos? ¿Cuáles son las dinámicas que está provocando el cine digital en países como Nigeria, Costa de Marfil, Uganda o Kenia? ¿Los fotógrafos del continente que cuestionan las convencionalidades y protestan con su cámara? Si quieres las respuestas a todas estas preguntas no te puedes perder el Aula Virtual Wiriko de Artes y Culturas Africanas, una iniciativa pionera en España.


 

Aula Wiriko

La actividad africanista en España está dividida más o menos en tres grandes ámbitos disciplinares como son las relaciones internacionales y la economía, la historia y la antropología, y lenguas y literaturas. En estos tres casos hay una voluntad de profundizar y describir las especificidades de África al sur del Sahara pero sin duda, el componente artístico y cultural como eje transversal en el que se pueden observar los cambios de las sociedades a lo largo
 de la historia ha quedado relegado a meros ejemplos para reforzar la teoría o simplemente como un recurso extra.

De esta forma, y como herramienta colaborativa para la interconexión y la cooperación cultural, impulsamos a través del Aula Virtual Wiriko, el África de la creatividad, la emprendeduría artística y las iniciativas de las pujantes industrias culturales del continente.

Curso de Introducción a las artes y culturas africanas

El curso de “Introducción a las expresiones artísticas y culturales del África al sur del Sahara” realizará una aproximación a la realidad artística y cultural del continente a través de cuatro secciones principales: música y artes escénicas, artes visuales, cine y audiovisual y letras africanas. A partir de estas disciplinas, conoceremos las manifestaciones culturales y las corrientes artísticas contemporáneas lo que nos permitirá conocer algunos de los procesos 
y transformaciones sociales del continente desde una perspectiva innovadora.

Al completar los cuatro bloques temáticos los alumnos podrán:

– Manejar diferentes instrumentos analíticos y conceptuales que permitan tener visiones alternativas sobre la historia y la realidad artística y cultural africana a las que muchas veces imperan.
– Conocer algunos elementos y procesos de la inserción de las diferentes manifestaciones artísticas y culturales en los diferentes contextos nacionales, regionales o internacionales, así como identificarlos en diferentes periodos históricos a la hora de visionar, observar, escuchar, leer y comprender una obra.
– Analizar y reflexionar sobre las dinámicas de largo y corto recorrido que imperan en África al sur del Sahara así como las nuevas tendencias en la Música y artes escénicas, Artes visuales, Cine y audiovisuales, y Literatura.

El curso cuenta con la colaboración del Centre d’Estudis Africans i Interculturals (CEA) de Barcelona y del Grupo de Estudios Africanos (GEA) de la Universidad Autónoma de Madrid.

Metodología

El Aula Virtual está dirigido a todas aquellas personas que quieren profundizar en el conocimiento de la realidad artística y cultural del continente desde una perspectiva académica.

Wiriko es un proyecto que se apoya en las herramientas de la web 2.0 por lo que la principal herramienta de trabajo será la plataforma e-learning diseñada especialmente para un aprendizaje dinámico y ameno. Mediante un usuario y contraseña individualizado los alumnos podrán acceder al contenido de las clases, material complementario de descarga y visionado, así como a las distintas aplicaciones que se pondrán a disposición; especialmente un foro donde se podrá interactuar con el resto del alumnado.

Para cada bloque habrá material escrito y audiovisual con la finalidad de dar soporte a las sesiones teóricas. Será accesible para el alumnado desde la plataforma virtual. Al finalizar cada sesión los alumnos realizarán un pequeño test de conocimiento y tras la asistencia a los cuatro bloques temáticos los alumnos deberán escribir un pequeño ensayo sobre una de las materias tratadas. Los ensayos serán publicados en el blog del Aula Wiriko, distribuido digitalmente.

Para obtener el certificado de realización del curso, será necesaria la realización y superación de al menos 6 de los 8 test de conocimiento, la participación en los foros y la realización del trabajo final. Es necesario poder leer textos en inglés y en francés

La certificación final del curso está avalada por el Grup d’Estudis de les Societats Africanes (GESA) de laUniversitat de Barcelona.

Fechas y organización del curso

La sexta edición comenzará el 1 de febrero de 2018 y tiene una duración de 48 horas organizadas de la siguiente manera:

– Duración aproximada: 2 meses
– Número de horas por unidad didáctica: 10
– Frecuencia: 2 sesiones semanales de 2,5 horas

Al ser un curso virtual, el alumnado podrá organizarse el tiempo según su disponiblilidad, teniendo en cuenta que para la obtención del certificado tendrán que aprobar los test, participar en el foro (al menos un 80% de las sesiones) y entregar el trabajo final.

Programa

Bloque 0: Introducción a las artes y culturas africanas


CineColor

Bloque 1: Cines africanos: de las independencias a la era digital (Coord. Sebastián Ruiz)

– Colonos y colonizados: 60 años de películas impostadas en el continente (1900-1960) hasta el nacimiento de los cines africanos.

– El realismo crítico (1970), la  vuelta a los orígenes (1980) y la desilusión (1990)

– La diáspora como construcción de una identidad en la gran pantalla (2000)

– La gran revolución de los cines en África: el digital


MusicaColor

Bloque 2: Los sonidos del África Moderna y Contemporánea Urbana y sus contextos (Cood. Gemma Solés i Coll)

– Introducción a los sonidos del África Moderna y Contemporánea Urbana

– África Lusófona; de las melodías cabo-verdianas al frenesí del Kuduro

– África Británica; de los pioneros del Afrobeat a las estrellas del AfroHouse

– África Francófona; de la música tradi-moderna al Hip Hop


LiteraturaColorBloque 3: Literaturas: entre la palabra y la letra impresa (Coord. Carlos Bajo Erro)

– Literaturas clásicas y en época colonial

– Literaturas postcoloniales – Las primeras literaturas de las independencias

– Las últimas dos décadas de las letras africanas

– Nuevos géneros emergentes


VisualesColorBloque 4: Imágenes y reflejos de las sociedades urbanas contemporáneas (Coord. Vanessa Anaya Villegas)

– Introducción a las artes visuales contemporáneas en África: reflexiones y debates actuales

– Colonialismo: Urbe y cultura popular

– Descolonización e independencias: Arte de resistencia y proyectos artísticos comunitarios

– Arte post-colonial y nuevas tendencias creativas: tecnologías y texturas para los sentidos

Precio e Inscripciones

Precio: 100€

Plazo de inscripciones y matrícula abierto

Plazas limitadas ¡No te quedes sin la tuya!

Blog Aula Wiriko

Trabajos realizados por el alumnado del Aula Wiriko

Apuntes sobre la fotografía como arma de resistencia en África

El término "fotografía de resistencia" se utilizó para hablar de la práctica fotográfica que supuso un desafío a las creencias, políticas o acciones del gobierno sudafricano durante el apartheid.
16/05/2019/por Wiriko

Liberia, Wayétu Moore y otros escritores

Wayétu Moore es una prometedora autora liberiana que además ha puesto su popularidad al servicio de la promoción de la lectura, con una editorial y una librería en Monrovia.
15/05/2019/por Wiriko

Los sonidos de Cabo Verde: entre tradición y modernidad

Un repaso por la historia de las músicas más internacionales del archipiélago
14/05/2019/por Wiriko

Ruanda y el genocidio de 1994 en dos actos

Un análisis comparativo para acercarnos al genocidio ruandés de 1994 a través de dos películas: Sometimes in April (2005), de Raoul Peck, y Hotel Ruanda (2004), de Terry George.
10/01/2019/por Wiriko

Inongo Vi-Makomé: “La oralidad no es sólo tradición, sino la cultura de un pueblo. Su conservación debe ser obligada”

Inongo Vi-Makomé es un escritor de origen camerunés que ha desarrollado toda su trayectoria profesional en España y que ha intentado proyectar la tradición oral en nuevas formas de narrar.
09/01/2019/por Wiriko

Bí môlê y los hermanos Zamora. Memoria de Annobón y crítica al poder

La historia de una banda de Guinea Ecuatorial que desafió a Macías en Guinea, a Jordi Pujol o a Pedro J. Ramírez en España, a través de la música.
04/01/2019/por Wiriko

Las divas del kuduro se abren paso en la batida

6ª Edición del Curso Introducción a las expresiones artísticas…
03/01/2019/por Wiriko

Batuque y batucadeiras: de Santiago a YouTube

6ª Edición del Curso Introducción a las expresiones artísticas…
02/01/2019/por Wiriko

Borom Sarret: realismo, descolonización de las mentes y poesía visual

5ª Edición del Curso Introducción a las expresiones artísticas…
29/12/2017/por Wiriko

Sokari Douglas Camp, artista de acero

La prestigiosa escultora Sokari Douglas Camp nació en 1958 en Buguma, localidad situada entre las bifurcaciones del río Níger antes de que sus aguas mueran en el océano.
28/12/2017/por Wiriko

El funaná, la música de los campesinos que se convirtió en el pop de Cabo Verde

Retrospectiva de uno de los estilos más bailables y pegadizos que salen de la Isla de Santiago, en Cabo Verde, en el siglo XX y perviven en el siglo XXI.
27/12/2017/por Wiriko

La bienalización del arte africano

¿Puede el auge del arte africano contemporáneo ser más fruto del desarrollo capitalista que de la emancipación simbólica del continente?
22/12/2016/por Wiriko

El canon y la colonización ideológica

Si la literatura colonial transmitió un discurso de superioridad y la escuela fomentaba la aculturación, algunos intelectuales han roto con esta narrativa
21/12/2016/por Wiriko

Letras africanas, libros españoles: aproximación al espacio lusófono

Hacemos un repaso a los autores más populares del antiguo espacio colonial lusófono y los libros de estos artistas publicados en lenguas del Estado español
21/12/2016/por Wiriko

Entrevista a Hlengiwe Vilakati, gerente de la galería sudafricana Jo Anke

Jo Anke es algo más que un espacio de exhibición. Es un negocio de servicio de arte completo, que se especializa en brindar representación y servicios a jóvenes artistas sudafricanos para ayudarles a desarrollar sus carreras.
19/12/2016/por Wiriko

Set/Setal: cuando el malestar construye

Set/Setal fue un movimiento social, especialmente de gente joven (jóvenes, desempleados, miembros de partidos políticos, políticos descontentos) que sacudió la escena política senegalesa en la década de los 80.
19/12/2016/por Wiriko

Madden: el pincel de la diáspora africana

Madden viaja a través del tiempo y espacio para hacer converger la herencia africana, en particular mujeres en sus pinturas.
19/12/2016/por Wiriko

Entrevista a Cristina Bayo: “Objeto etnográfico” – “Objeto de bazar”

Hablamos con Cristina Bayo conservadora del museo para hablar acerca de estas, el arte africano y su autenticidad y el coleccionismo español.
19/12/2016/por Wiriko

El hip hop sigue siendo un arma de transformación en Senegal

4ª Edición del Curso Introducción a las expresiones artísticas…
19/12/2016/por Wiriko

Yinka Shonibare MBE y la construcción social de la cultura a través del arte

Maniquís sin cabeza o con globos del mundo en su lugar, indumentaria de wax, equilibrios, exuberancia, lujuria, decadencia, ambigüedad… son las principales características de las producciones visuales de Yinka Shonibare.
15/12/2016/por Wiriko
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