‘África, Africans’: el Museo Afro Brasileño se acerca al continente

Yinka Shonibare

El Museo Afro Brasileño, es uno de los edificios más emblemáticos del Parque Ibirapuera en Sao Paulo. Proyectado por el arquitecto Oscar Niemeyer ,  y por el paisajista Burle-Marx ( en 1954, el parque alberga, entre otros, el edificio del Museo de Arte Moderna de Sao Paulo (MAM) y el edificio de la Bienal de Sao Paulo. Es por tanto un lugar lleno de historia y arte y donde los paulistas vienen a pasear, hacer deporte, escuchar conciertos y visitar exposiciones.

Yinka Shonibare MBE, The British Library

Yinka Shonibare MBE, The British Library

El Museo Afro-Brasileño se creó en 2004 por su actual director, el también artista y gestor Emanoel Araujo, una de las principales personalidades de la cultura brasileña. El propio museo, que pasa por ciertas dificultades financieras, tiene un importante acervo de arte africano así como de artistas brasileños descendientes de africanos. Es el mayor ejemplo de mestizaje de culturas y proporciona una lectura clara de la historia brasileña. Su complicado espacio arquitectónico es un desafío para todo comisario, debido sobre a la falta de luz natural y a los espacios pequeños que imposibilitan una visibilidad en conjunto del espacio.

Fue el mismo Emanoel Araujo quien seleccionó y organizó una de las más completas y complejas muestras de arte contemporáneo africano en Brasil. La exposición se inauguró con motivo del Día Internacional de África, el 25 de mayo y comprende una selección de más de 20 artistas africanos y de la diáspora. La exposición, títulada “Africa, Africans finalizó el pasado domingo 30 de agosto tras lanzarse el catálogo.

La exposición tiene como gran novedad la presentación de diferentes secciones dedicadas a diferentes géneros artísticos y está compuesta de 22 artistas heterogéneos, con diferentes lenguajes, técnicas, pero con la idea común de romper clichés y estereotipos acerca de la estética africana. Llama la atención en primer lugar esa mezcla de estilos, especialmente los artistas de origen africano que residen fuera del continente, como es el caso del artista Yinka Shonibare MBE, uno de los más reconocidos internacionalmente. Su obra The British Library muestra a través de 6225 libros una crítica transcendental del fenómeno de hibridación cultural y étnica en Inglaterra. Usando como novedad los tejidos africanos, el artista alega al colonialismo y al pos-colonialismo como ejemplo de esa diversidad del inmigrante africano, tal y como fueron sus orígenes. Para Yinka lo importante de la obra es mostrar el arte como ejemplo de contribución de los africanos al Imperio Británico.

Otro de los grandes artistas de la muestra, es El Anatsui, con una singular obra. De origen ghanés y residente en Nigeria, es sin duda el artista africano contemporáneo más reconocido en la actualidad. El curador Emmanoel Araujo seleccionó de él una obra realizada con materiales reutilizados, una escultura, Skylines, que destaca por su exuberancia y aparente lujo. Sus tradicionales esculturas metálicas son muestra de lo ambiguo del arte africano.

El Anatsui, Skylines, y de Kifouli Dossou, totens y máscaras

El Anatsui, Skylines, y de Kifouli Dossou, totems y máscaras

Al lado de la obra de El Anatsui, y dialogando con él, nos encontramos otras obras de gran calidad. Una de ellas es la gigante instalación del artista beninés Aston. Utilizando también materiales de desecho, el artista presenta en Stupides et inútiles, un mapa gigante simbolizando a África como ente global y plural. Por último, destacar en la misma sala la impactante y polémica obra del artista Gérard Quenum (Benin), que muestra en Los veteranos una de las obras más importantes de la colección del propio museo Afro-Brasileño. Su sentido político, social y cultural forman una telaraña de sensaciones donde se presenta la relación del horror de la guerra y los niños.

Bruce Clarke, Dissenting voices, y de Kifouli Dossou, totens y máscaras

Bruce Clarke, Dissenting voices, y de Kifouli Dossou, totens y máscaras

La exposición se cierra con artistas de diferentes disciplinas artísticas como las obras del caricaturista Hector Sonon (Benin)  y las obras en tela de malgache Joël Andrianomarisoa  y de Nenna Okore, nacida en Australia pero residente en Nigeria. Algunos de ellos son casi desconocidos para el público brasileño, como es el caso del gran Bruce Clarke (Sudáfrica/Inglaterra).

Como complemento al mundo contemporáneo africano, destaca en mitad de la exposición la pequeña muestra de cinco diseñadores de moda, que presentaron en un desfile sus colecciones aprovechando el evento de la Sao Paulo Fashion Week: Palesa Mokubung (Sudáfrica); Amaka “Maki” Osakwe (Nigeria); Jamil Walji’ (Kenia); Xuly Bët (Mali) e Imane Ayissi (Camerún) . Todo ello, junto con el ciclo de encuentros con artistas, trajo al público paulista la paradoja de qué es África, en un país como Brasil, donde lo afro-brasileño es todavía un tabú.

 

Bibliografía:

VVAA, Catálogo de la exposición Africa, Africans. Comisario Emanoel Araujo. Museu Afro Brasileiro. São Paulo, Agosto 2015.

De paseo por Chale Wote a través de 5 artistas

James Town, Accra. 22-23 de agosto. Las calles de la ciudad se engalanan. Tejidos, moda, afros, performances, grafitis, wax, sombreros, boxeo, instalaciones, fotografía, patinaje urbano, body paint. James Town suena a música dejándose invadir por el arte y por un gran público con los cinco sentidos puestos en todo lo que ocurre a su alrededor. Es la celebración de uno de los mayores encuentros de arte urbano de África Occidental, el Chale Wote.

Chale Wote saca de las galerías a la calle la música, el arte, la danza y la performance, entre otras disciplinas. Esta edición ha puesto el foco en la África más electrónica que el arte puede mostrar, bajo el lema “African Electronics”. Este festival, celebrado desde 2011, nació a raíz de una serie de discusiones en el marco de The Talk Party Series, unos encuentros organizados por el colectivo ACCRA [dot] ALT fundado por la directora de cine Mantse Aryeequaye y el investigador y escritor Sionne Neely. Las discusiones giraban en torno la necesidad de la creación de proyectos comunitarios dentro de la filosofía autogestiva “hazlo tú mismo” (DIY- Do it yourself, en inglés). Así, su objetivo según el propio colectivo es “romper las barreras creativas y usar el arte como una forma viable de rejuvenecer el espacio público”, siendo una forma de conexión entre las comunidades y los artistas.

Durante la edición del 2014 acudieron más de 10.000 personas, así que hemos aprovechado para hacer un recorrido por lo más destacado de este 2015 a través de cinco artistas seleccionados.

#ChaleWote2015 a través de 5 artistas

Realidad virtual a través de Pandora

Dos jóvenes estudiantes de la escuela Asheshi, Jonathan Dotse y Kabiru Seidu, llevaron al Chale Wote un proyecto de realidad virtual que permite al espectador viajar por varias calles de Accra. Con este proyecto, que lleva al llamado “Afro Ciberpunk” al Festival, han abierto —literalmente— la caja de PANDORA al demostrar la capacidad de la tecnología de realidad virtual actual y las implicaciones que esto tiene en las sociedades africanas. El nombre del proyecto, alude a la caja de Pandora, ya que su apertura “transforma irrevocablemente nuestras vidas, a mejor o peor, de la misma manera que lo han hecho ordenadores y móviles que nos han traído olas de cambio social no anticipadas”, como afirman sus creadores.

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“The Living History Hub”, museo efímero en James Town

Close-up2-Nana-Fosua-Mantse-Aryeequaye-2013-julyNana Oforiatta Ayim es una historiadora cultural, directora audiovisual, escritora y etnógrafa. Considerada por The Africa Report una de las “50 pioneras de África”, ha exhibido en varios museos alrededor del mundo siempre con la motivación de comisariar y escribir sobre el continente historias escritas por los propios africanos. En Chale Wole, en colaboración con el arquitecto D.K. Osseo-Asare, decidió revolucionar la idea de lo que un museo es y puede ser, a través de la creación de una estructura con forma de kiosko que lo simulaba. Esta estructura está presente en muchas calles de Ghana. En este museo efímero se exhibieron objetos, fotografías, documentos de los habitantes y audios. También fue un espacio de talleres y actividades.
Zohra from Nana Oforiatta-Ayim on Vimeo.

 
La desnudez bajo un manto de combustible

CrazinisT es un artista de performance que trabaja la deshumanización y la objetivación del cuerpo como mercadería socio-política. Este artista, que repite en el Chale Wote, logró impactar a través de su performance, que consistió en un cuerpo desnudo embadurnado de combustible e inmovilizado por una mujer blanca europea semidesnuda sentada sobre él. Seis horas duró la performance, en la que los artistas no comieron ni bebieron provocando que “ambos cuerpos drenasen su energía”, según el artista.

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“Konko Cars”: Latas de leche como reflejo de la rutina ghanesa

El trabajo de Kwame Asante indaga sobre el concepto de “repetición” y de “series”, lo que él considera como arte y parte esencial de la vida. Su instalación a base de latas de leche hace referencia a las revoluciones tanto en la producción industrial como artística. Como el Asante afirma: “la instalación está planeada a través de modelos de simulación digital. Mi proceso es abordado a través de estrategias de ingeniería mecánica. Me apropio de la idea de cortinas de bambú que se puede encontrar en los bares locales de todo el país y la idea de los coches de hojalata que evocan los juguetes de los niños , muy populares en Ghana. He trabajado con latas de leche, porque la leche forma parte del ritual del desayuno diario, un proceso repetitivo y en serie en nuestra sociedad”.

 

 

Fashion DJ: Música electrónica “909S + 808S LAB” a cargo de Steloo

tumblr_nu1t53NSzG1tk0se8o2_1280No nos vamos del Chale Wote sin escuchar música. House ghanés. Beats que marcan tendencia. Con este set “909S + 808S LAB” lleno de mezclas y puesta en escena, Steloo muestra como “el house de Accra marca la evolución de su cultura y como se ha acelarado especialmente a través de las nuevas tecnologías y la moda”. Y de moda, el propio artista sabe mucho.

 

 

 

¡No te vayas sin visitar nuestra selección de lo mejor del Chale Wote 2015 en nuestro Pinterest!


‘Staying Power’ : Autorepresentación de la comunidad Afrobritánica.

El Victoria & Albert Museum en colaboración  con Black Cultural Archives en Londres  presentan en este momento la exposición  ‘Staying Power. Photographs of Black British Experience 1950-1990’. Fotografías de la diáspora africana en el Reino Unido desde 1950 hasta 1990 tomadas por fotógrafos de la misma comunidad afrobritánica y comisariada por Kimberly F.Keith. La muestra trata temas que van desde la  estética africana personal hasta la decoración de casas afrobritánicas, de la migración tras la segunda guerra mundial a la moda hip-hop del sudeste de Londres. Las técnicas fotográficas presentadas también son variadas: desde el autorretrato al reportaje explorando temas como identidad, representación, comunidad y estilo. La selección de fotografías se llevó a cabo por un equipo formado con personal de ambas instituciones y con la colaboración de periodistas, historiadores de arte y sociólogos.

Norman 'Normski' Anderson fué parte de la escena musical hip hop de 1980. Fotografió la cultura juvenil británica para revistas como I-D o Vogue. EL Hip-Hop era visto como una expresión moderna de conciencia negra. Combinaba elementos deportivos con  detalles que representaban la herencia africana como las telas del oeste africano o el kente.

Norman ‘Normski’ Anderson fué parte de la escena musical hip hop de 1980. Fotografió la cultura juvenil británica para revistas como I-D o Vogue. EL Hip-Hop era visto como una expresión moderna de conciencia negra. Combinaba elementos deportivos con detalles que representaban la herencia africana como las telas del oeste africano o el kente.

El proyecto fundado en 2008 por ambas instituciones con el apoyo de Heritage Lottery Fund, ambiciona incrementar la posesión de obras de fotógrafos afrobritánicos en el museo, la representación de la comunidad afrobritánica y el legado de esta en el Reino Unido. El título está inspirado en el libro del escritor marxista Peter FryerStaying Power: The History of Black People in Britain‘, 1984. Testimonios orales de los fotógrafos presentando sus trabajos están también a la disposición de los visitantes gracias a Black Cultural Archives.

Aunque el proyecto no puede ni pretende retratar la magnitud de un tema como este, si que presenta ejemplos de temas sociales, culturales y políticos que trataron fotógrafos afrobritánicos para retratar a su comunidad en este periodo de tiempo. Educación, activismo, y campañas como ‘From protest to progress’ – de la protesta al progreso- son trabajos que en la muestra nos ayudan a comprender mejor algunas de las experiencias que conforman el viaje que bajo ese lema aún continua. Experiencias contemporáneas de la segunda mitad del siglo XX en una cuestionable sociedad post-racial.

tumblr_lhfu7ondf21qcnjfeo1_500Se puede visitar en el museo Victoria & Albert  hasta el 24 de mayo, y en Black Cultural  Archives hasta el 30 de junio. Mientras que  Victoria & Albert Museum es un museo de arte  y diseño y la muestra está más enfocada  a  temas de estilo, diseño y moda, en Black Cultural  Archives, se encuentra la parte más socio-política en tanto que institución enfocada a temas  sociales , culturales y políticos. Recursos clave  incluyen documentos como el que marcan el desarrollo de la Organización de mujeres de descendencia asiática y africana de 1970 (OWAAD).

Otro de los temas clave que aborda la exposición es la música. Parte importante de la vida de las personas de cualquier contexto sociocultural.

El soundsystem que es un grupo de disk jockeys (Djs), técnicos de sonido y masters de ceremonia (MCs) que cargaban con un camión/remolque de grandes altavoces, tocadiscos, generador y colección de vinilos (inicialmente R&B americano y más tarde reggae, rocksteady, ska y música local) se desarrolló en Jamaica en 1950 y se exportó a Inglaterra en 1960 con la  llamada generación Windrush , migración post segunda guerra mundial de jamaicanos que llegaron en la embarcación Empire Windrush tras un llamado en prensa en la isla solicitando personas que ayudaran a reconstruir el Reino Unido en 1948.

Charlie Phillips - Pareja en Notting Hill, Londres, 1967.

Charlie Phillips – Pareja en Notting Hill, Londres, 1967.

Soundsystems empezaron a aparecer en fiestas privadas y eventualmente en clubs y eventos públicos como el Carnaval de Notting Hill fundado por la activista, comunista y feminista trinadiense Claudia Jones en 1966 en respuesta a la discriminación. Uno de los estilos musicales que sonaban en los soundsystems era el ska, originado a finales de 1950 en Jamaica como una mezcla de mento caribeño, jazz, R&B y calypso, que revivió en Reino Unido en 1970 como mezcla del ska jamaicano y el punk rock. 2-tone records fue uno de los mayores exponentes de este revival con The Specials, banda cuya popularidad ayudó a crear un movimiento que fusionaba aspectos del baile y la moda retro británica y caribeña con una agenda política que promovía la igualdad social.

Este proyecto ha incrementado notablemente el número de fotógrafos afrobritánicos en el Victoria & Albert Museum, lo que es significativo porque es sumamente importante en la cuestión de ‘quién’ representa al representado. La comunidad afrobritánica ha sido numerosamente representada como objeto de estudio pero raramente como sujeto de prácticas de representación para narrar sus propias historias. Esta vez lo han hecho en el museo de diseño más significativo del mundo y en el primer centro inglés de herencia negra nacional.

 

Una vez más, el arte se pone al servicio de la sociedad para mirar hacia nuestra propia experiencia humana. Con propuestas como la de Staying power invocamos sentimientos de comunidad, exploramos retos sociales contemporáneos y aspiramos a crear un espacio habitable más equilibrado libre de prejuicios.

 

 

Feria de Arte de Kenia, lanzadera para el talento nacional

Bicicleta a partir de materiales reciclados, de Cyrus Kabiru. Foto cedida por la Kenia Art Fair.

Bicicleta a partir de materiales reciclados, de Cyrus Kabiru. Foto cedida por la Kenia Art Fair.

Artistas como Michael Soi o Cyrus Kabiru han puesto el nombre de Kenia en el panorama mundial de las artes visuales. Sin embargo, el país está experimentando un deslumbrante auge de la creatividad junto a los esfuerzos de múltiples emprendedores locales. La primera Feria de Arte de Kenia es una prueba de que esta nación del África del Este tiene que estar en el ojo de mira de cualquier amante del arte africano.

Mientras que el rico y variado paisaje del arte africano goza de eventos gloriosos dentro del continente como el Dak’art en África Occidental o la Feria de Arte de Johannesburgo en el África austral, el Este de África emerge dentro de la escena continental como un  gigante artístico en sí mismo. Después del nacimiento de la Bienal de Arte de Kampala, en Uganda, y la segunda y exitosa Subasta de arte del Círculo de Arte de Nairobi, 2014 podía haber cerrado la agenda artística casi convencido de que había logrado un enorme éxito impulsando las artes visuales de la región. Sin embargo, 2014 todavía tenía una traca final guardada para los amantes de las artes visuales de África.

Durante cuatro días, la Sala de Exposiciones del Centro Sarit, en el barrio nairobense de Westlands, ha sido el epicentro de la primera y vibrante Feria de Arte de Kenia. Apodada, Kenia Art Fair, el emocionante encuentro se celebró del 6 al 9 de noviembre reuniendo artistas, galeristas, coleccionistas, amantes del arte y curiosos, que han plantado las semillas para promover el arte made in Kenia.

Organizado por Kuona Trust y patrocinado por el centro Go Down Arts, Pawa 254 o el conglomerado de medios kenianos Nation Media Group, la primera Feria de Arte de Kenia ha reunido personalidades de gran relevancia en la escena artística nacional para debatir sobre el estado de las artes en el país y construir mayor cohesión entre las distintas iniciativas y propuestas a través de diferentes charlas de gran interés para el panorama de las artes visuales locales.

Algunos de los participantes fueron: Abdi Rashid Jibril de Arterial Network, Danda Jaroljmek de la Agencia Circle Art, Elisabeth Nasubo del Ministerio de Cultura keniano, creadores como la artista y diva de la performance Ato Malinda o el dibujante y caricaturista Gado, quienes pusieron la carne en el asador en diferentes paneles de gran actualidad, como “el arte digital”, “el papel del gobierno de Kenia en el apoyo al sector de las artes visuales contemporáneas”, “dibujos animados y cómic”, “arte y emprendeduría” o “los retos de los artistas visuales”.

Kenya Art Fair / Sebastián Ruiz - Wiriko.

Kenya Art Fair / Sebastián Ruiz – Wiriko.

Con entrada libre y gratuita para todo el mundo, los organizadores estiman que más de 5.000 personas pasaron por la Feria durante los cuatro días en los que se celebró. Según lo expresado por la directora de Kuona Trust, Sylvia Gichia, incluso la Primera Dama keniana Margaret Kenyatta estuvo caminando por la feria de arte, cosa que muestra su apoyo a los creadores y a las iniciativas empresariales entorno al mundo del arte nacional.

Kenya Art Fair / Sebastián Ruiz - Wiriko.

Kenya Art Fair / Sebastián Ruiz – Wiriko.

Más allá de las salas de exposiciones, las conversaciones y debates han sido un espacio de intercambio y retroalimentación dialéctica gracias a la amplia participación de una audiencia muy interesada en el tema. A pocos momentos para el cierre, la “necesidad de unidad” como conclusión se solidificó como ideal colectivo. Pero los retos del sector siguen sin resolverse a pesar de la intensidad de los debates celebrados durante la Feria.

¿Cómo transferir el interés por el arte fuera del elitismo? ¿Qué nuevos modelos de distribución pueden beneficiar a aquellos artistas que no están representados en las agencias o galerías? Cómo utilizar las plataformas digitales para promover y vender arte a un precio justo para los artistas? ¿Están las iniciativas de arte kenianas suficientemente cohesionadas? Si se consigue crear una feria anual, ¿se deberían fomentar reuniones periódicas que permitiesen un más amplio desarrollo de la escena artística de Kenia?

Y a pesar de que las preguntas resten en el aire, las semillas para hacer crecer el universo de las artes visuales de Kenia están ya plantadas, y hasta el momento, el logro es que se han logrado situar en el mapa mundial del arte con mucho vigor.

‘LagosPhoto Festival 2014’, nuestra selección

logo-invertNos encontramos ya en el ecuador del que es ya uno de los festivales de fotografía más importantes del continente, el LagosPhoto Festival celebrado en Lagos (Nigeria) del 25 de octubre al 26 de noviembre. Por quinto año consecutivo una amplia selección de fotógrafos, tanto africanos como de otros continentes, llenan de historias este encuentro a través de sus obras. Nombres como Ade Adeloka, Kudzanai Chiurai, Cristina de Middle, Hassan Hajjaj, Namsa Leuba o Edson Chagas, suenan en el Festival, abierta a todo el mundo y con muchas actividades dentro de su programación como charlas, talleres, pases de documental, etc.

Antes de hacer un repaso por nuestra pequeña selección de artistas, mencionamos algunas iniciativas que nos parecen interesantes en el marco del Festival. La primera es el LagosPhoto Summer School, una escuela de fotografía donde jóvenes aficionados e interesados se pueden formar y profesionalizar en el ámbito de la fotografía. En segundo lugar, el Capacity Development Integration (CDI) que, ante la falta de oportunidades profesionales para los jóvenes, pone en marcha un proyecto que une cultura y educación. En este programa en el que creativos y estudiantes han partido del slogan “Arte reclamando el espacio público” , los alumnos han podido diseñar los espacios interiores y exteriores para esta edición del Festival.

¿Qué destacamos de esta edición? A continuación mencionamos algunas exposiciones y artistas interesantes:

Archive of Modern Conflict (Project)

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Esta editorial independiente de Reino Unido, presenta en colaboración con LagosPhoto Festival una parte de la historia de la fotografía de Camerún en los años setenta y ochenta, centrándose en el Éstudio Jeunesse de Camerún a través de una instalación y del pase del documental sobre el estudio.

I am Walé Respect Me, 2013 de Patrick Willocq

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Es esta serie el fotógrafo refleja la historia de iniciación de los pigmeos Ekonda en RDC. Para los Ekondas el momento más importante en la vida de una mujer, es el nacimiento de su primer hijo. Esta serie es pues un reflejo de las mujeres en general y de los Walé en particular.

Turn it up! De Jide Odukoya

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Este artista pretende mover el foco de pobreza que reflejan los medios sobre África hacia las escenas más lujosas que se dan en diversos contextos. Así, consigue entrar en los eventos de las élites de Nigeria, como bodas, cumpleaños, celebraciones, etc. mostrando otra África diferentes a la que estamos acostumbrados. ¿Es un reflejo más positivo de las sociedades africanas? No nos lo parece, aunque sí la intención del fotógrafo de romper los esquemas de Occidente.

The Masked Woman, de Jenevieve Aken

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Esta serie de auto-retratos explora la representación del género en la sociedad nigeriana. Las imágenes reflejan la vida solitaria de la “súper mujer fatal” que elige conseguir el placer y la alegría fuera de su rol como ama de casa o dependiente del afecto masculino. Pero la máscara a la vez habla del aislamiento de una mujer que no responde al rol socialmente aceptado para ella y el resto de las mujeres, representando la realidad de un cada vez mayor número de mujeres nigerianas.

 

Cocktail, de Namsa Leuba

 

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La fotógrafa utiliza la moda para reflejar la representación del cuerpo de la mujer en África hoy en día. Con colores electrizantes y leopardos de porcelana, las fotografías también cuestionan el imaginario cultural de África.

Por último os recomendamos uno de los pases de documental y exposición del Festival. En “I am 14” la artista parisina Bénédicte Vanderreydt refleja la vida de tres adolescentes: Valentina que vive en Bruselas, Ru’a que vive en el campo de refugiados palestinos Dheisheh y Loraine que vive en Lubumbashi, Katanga (RDC). A la artista le llamó la atención el aumento de exposición pública de los adolescentes en general en Facebook y en concreto de adolescentes que se toman fotos de ellas mismas mostrando sus esperanzas e inquietudes en la red. Es interesante observar la vida de las tres en contextos tan diferentes. Os dejamos el vídeo:

Nos os perdáis nuestro Pinterest del Lagosphoto Festival:
Sigue el tablero LAGOSPHOTO FESTIVAL 2014 de Wiriko en Pinterest.

Más allá de las máscaras: Londres celebra la segunda edición de 1:54

AmadouCamaraGueye

Mask -Romuald Hazoumè - October Gallery

Mask -Romuald Hazoumè – October Gallery

Más de 100 artistas, 27 galerías y un fórum dedicado a charlas con artistas y proyecciones de cortometrajes, constituyendo una “plataforma dinámica y flexible para el futuro” de las artes en África, según la senegalesa Koyo Kouoh, programadora del Forum educativo de 1:54, la feria de arte contemporáneo celebrada entre el 16 y el 19 de octubre en Somerset House, Londres.

Desde las icónicas fotografías de la serie ‘Hairsyles’ en blanco y negro de peinados de mujeres africanas, de la nigeriana J.D. ‘Okhai Ojeikere, las coloridas imágenes de la mujer de medias fucsia y tronco de globos multicolores sobre una zebra, del sudafricano Athi-Patra Ruga, las poéticas pinturas sobre lienzo del senegalés Soly Cissé, hasta las esculturas geométricas de madera del marfileño Jems Robert Koko Bi; 1:54 consigue hacer justicia a la gran diversidad artística contemporánea de los distintos países africanos.

Harto conocidas son las máscaras africanas, en las que tanto se inspiró Picasso y las cuales han sido asociadas a rituales que, por no ser compartidos formalmente, también han sido calificados como primitivos. Pero ¿son estas máscaras realmente representativas de la escena cultural que se cuece en el continente? 1:54 va más allá de esas máscaras, para desmitificarlas y mostrar trabajos de lo más variopintos. Si de establecer denominadores comunes se trata, 1:54 exhibió trabajos muy comprometidos con las distintas realidades de los diferentes países, como las dos paredes con siluetas de distintas trenzas de colores de niñas, de la artista nigeriana Peju Alatise, en su campaña por las niñas secuestradas “Niñas, no novias”. También destacó el arte sostenible, con esculturas de materiales reutilizados, como el “vagabundo hambrieto” del nigeriano-americano Adejoke Tugbiyele, o las máscara hechas con bidones y cepillos, del beninés Romual Hazoumé. Aunque tal vez la más espectacular fuera la sencilla composición del “refugiado mapamundi” del Zimbabwense Dan Halter, hecho a base de las típicas bolsas de almacenamiento y transporte. Gran protagonismo tuvieron también las imágenes de estudio que reflexionaban sobre el lugar del cuerpo en los distintos espacios, entre los cuales no pudieron faltar las imágenes del fotógrafo senegalés Omar Victor Diop o el burkinabé Hamidou Maiga.

La feria era en realidad un conjunto de galerías agrupadas en las alas este y oeste de Somerset House, como Cécile Fakhoury, en la cual destacó el trabajo del reputado Vincent Michéa, o M.I.A Galeery, Carpe Diem, Magnin-A, entre otras. Si bien estas ya constituían una muestra representativa de las artes en África, tal como decía la artista keniana Miriam Syowia Kyambi, durante su intervención en el fórum, “lo más interesante era precisamente ese fórum, donde los artistas tienen la oportunidad de hablar de su trabajo e intercambiar”.

Miriam Syowia Kyambi nació en 1979 en Nairobi (Kenia) y es una artista multimedia que integra tanto a la audiencia, como a sí misma, en tanto que artista, en una obra artística en la que hay mucho lugar para la improvisación. Como partícipe de la esfera cultural keniana, la artista conoció a James Muriuki en una galería con el que acabaría haciendo un trabajo en conjunto. “Empezamos hablando de qué significaba para nosotros el ser artista y acabamos decidiendo hacer algo juntos, aunque nuestras visiones eran muy distintas”. El trabajo del keniano James Muriuki (1977) es más documental sobre el proceso de intento de urbanización que está habiendo en Kenia. “Cuando se habla de desarrollo, – se pregunta James- ¿a qué nos referimos? No puede ser que el desarrollo no sea inclusivo, y eso es lo que pasa con la estética “mal”, de centro comercial, que se está intentando implementar en las tierras alejadas de la capital, por eso yo me centro en el tema de la tierra, y así en la reclamación del arte, como modo de riqueza”. Ambos han unido sus inquietudes para hacer instalaciones en las que los actores tienen que tratar de encontrarse en espacios desconocidos.

Tanto Miriam como James tenían muy claro que hay que intentar mostrar que existen modos de trabajo diferentes en los que es el espacio y la gente son los que marcan la dirección del trabajo artístico. “Los programadores de exposiciones suelen tener una programación muy comercial, por eso también hemos empezado a intentar organizar exposiciones un poco más centradas en el contenido”, contaba Miriam. James denunciaba la falta de consciencia de la creatividad que la gente tiene: “Una vez me enfadó muchísimo cuando fui a un sitio remoto a grabar, a hacer fotos, porque estaban haciendo un arte extraordinaria. Y de repente, me dijeron, ‘ah, está muy bien que vengas a grabar. Así la gente podrá venir y ayudarnos, porque somos pobres’. Y, ¡no! Eso no es así. La gente muchas veces no se da cuenta de su capacidad artísitica, porque los modos del supuesto conocimiento son escritos y eso no cuadra con muchos modos de vida de distintas regiones en Kenia, por ejemplo”. Según James, el reto está en hacer una biblioteca audiovisual basada en imágenes, porque es así como percibimos el mundo.

Tal vez espacios como 1:54 sean el comienzo de estas bibliotecas visuales. Imágenes que dan lugar a diálogos donde los que dialogan no son sólo los que hace cincuenta años decidieron el modo de mirar y leer eso que hoy se conoce como África.

 

* Fotos de Estrella Sendra (2014)

KLA ART 014 – Festival de Arte Contemporáneo de Kampala

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La capital ugandesa no para. Después de la recién celebrada Bienal de Kampala el pasado agosto, el arte vuelve a inundar las calles de Kampala durante un mes. Esta vez lo hará, desde el 4 hasta el 31 de octubre, con el encuentro bianual Kla Art 014 (Festival de Arte Contemporáneo de Kampala), dirigido por Rocca Gutteridge y comisariado por: Gabi Ncobo, Violet Nantume, Philip Balimunsi, Robinah Nansubuga, Moses Serubiri, Hasyfa Mukyala. En esta edición el motivo será el concepto de “Unmapped”, bajo la idea de que los protagonistas sean las voces que habitualmente no se oyen en la ciudad:

Unmapped explora los escenarios sociales de Kampala, Addis Abeba, Dar es Salaam, Kigali, Kinshasa y Nairobi, y cómo los cambios en la política económica y la influencia del paisaje, inspiran la creatividad en la supervivencia en los habitantes de las zonas urbanas no planeadas de estas ciudades. La creatividad de la supervivencia se ve, por ejemplo, en las bicicletas de los afiladores de cuchillos; en los diseñadores de moda express; en los salones de uñas móviles que utilizan un taburete portátil y se ponen en cualquier lugar de la ciudad, y en la creación de ciudades más pequeñas y de mercados alternativos fuera de la capital.”

¿Qué podremos ver durante el Festival de Arte Contemporáneo de Kampala?

Exposición:

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Un escenario muy apropiado para una edición que tiene la ciudad y sus habitantes como personajes principales, la estación de tren, que acogerá el trabajo de diez artistas de las diferentes ciudades de África del Este. A través de sus creaciones expresarán el concepto de “Unmapped” de sus propias ciudades. Los artistas que participan en la muestra son: Paul Bukenya Katamiira(UG), Francis X. Nnaggenda (UG), Helen Nabukenya (UG), Vithois Mwilambwe (DRC), Tony Cyizanye (RW), Dennis Muraguri (KE), Paul Ndunguru (TZ), Mulugeta Gebrekidan (ETH), Vivian Mugume (UG), Helen Zeru (ETH).

 

El proyecto Boda Boda:

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Este proyecto móvil, tiene a los taxis de Kampala como protagonistas. Estas populares motocicletas serán transformadas en obras de arte, siguendo el concepto asignado en esta edición “Unmapped”. Los veinte artistas ugandeses que participarán son: Anest Gabriel Shaloom (UG), Babirye Leilah (UG), DAPU (UG), Derrick Komakech (UG), Kino Musoke (UG), Grace Sarah (UG), Joshua Godwin Kagimu (UG), Reagan Kandole (UG), Simon Katumba (UG), Kizito Mbuga (UG), Immy Mali and Ian Mwesiga (UG), Sandra Suubi Nakitto and Enock Kagga Kalule (UG), Adonias Ocom Ekuwe (UG), Ogwang Jimmy John (UG), Papa Shabani (UG), Petro (UG), Richard Wasike (UG), Ronex Ahimbisibwe (UG), Stacey GillianAbe (UG), Xenson (UG).

Aparte de estas exposiciones, el Festival cuenta con encuentros con artistas donde éstos podrán explicar al público su técnica y su obra. Los workshops realizados por todo el país los pasados meses de abril y julio han dado como resultado la capacitación de jóvenes artistas y la creación de proyectos “mini Boda Boda” que también serán expuestos en la Galería Nommo durante este mes.

Sin duda Kampala se mueve y este mes estaremos con los ojos bien abiertos a todo lo que pase allá. No dejéis de seguir nuestras redes sociales y las del KLA ART 014 para estar al día de lo que ocurre.

 

Boris Nzebo explora la cultura urbana a través de los peinados

 

Habitats à loyer modérés 2013

Habitats à loyer modérés 2013

En Wiriko ya hemos hablado de la importancia del cabello y peinados en las sociedades africanas y diaspóricas —y no sólo en éstas—, así como de sus complementos o lugares de culto al cabello. Boris Nzebo nos vuelve a mostrar a través de su obra la importancia que tiene el peinado en la definición de la identidad e incluso del estatus social, dependiendo del peinado, de sus cuidados, de sus cambios, etc.

¿Cuidamos más nuestro cabello o nuestro alrededor? Boris Nzebo se cuestiona constantemente esto en su obra:

Mi objetivo es reproducir mi cuestionamiento frente una sociedad en búsqueda de referencias. Suscito preguntas. Como ¿por qué nuestro alrededor no está tan bien conservado como nuestras cabezas? Cuando nuestro cabello está mal, lo cuidamos, pero no hacemos nada para combatir la corrupción, la malversación de fondos públicos, etc.

Sin título (2013)Las mujeres y su cabello, mostradas siempre en primer plano, son las claras protagonistas de una obra que llama la atención por unos trazos limpios, que evocan al grafitti y a las vallas publicitarias que podemos encontrar en los barrios de la Douala que le acoge. En segundo plano nos muestra escenas de la vida cotidiana de la ciudad, a través de unas líneas firmes que trazan edificios, marcos, ventanas y líneas arquitectónicas. Colores vibrantes y contrastados que dan como resultado un característico arte “Neo Pop” —tal y como el propio artista lo define— y que logra que su obra sea reconocible a primera vista. Como él mismo afirma, su obra explora el peinado en el espacio urbano: “Los peinados se convierten en objetos de reflexión, portadores de la cultura urbana.”

Nacido en Port-Gentil (Gabón) pero basado en Duala (Camerún), Nzebo sabe trasmitir su experiencia como ilustrador de carteles de comercios y peluquerías, tan habituales en todo el continente y con la que arrancó su carrera como artista. Esta trayectoria se palpa en su obra impecablemente continuada, con unos trazos que nos evocan esos carteles que vemos continuamente cuando damos un paseo por algunas ciudades africanas.

A lo largo de su carrera artística, Nziebo ha trabajado en lugares como Rio de Janeiro o Puerto Príncipe y ha realizado varias exposiciones tanto en Camerún como en algunas ciudades europeas:

Exposiciones:

2013
Painting the Hot Town, Jack Bell Gallery, London
Etat des Lieux, l’Espace Doual’art, Douala, Cameroon

2011
Vil-Visages, l’Institut Français, Yaoundé, Cameroon

2010
In & Out of my head, SUD2010, Douala, Cameroon

Exposiciones colectivas:

2012
30 ET PRESQUE-SONGES, l’Espace Doual’art, Douala, Cameroon
City Songs – ebbs and flows of the urban imaginary, Ifa-Galerie, Berlin, Germany

2011
La Cabine d’Esthétique, Fondation Blachere, Apt, France

2010
Come Back Haiti, Maison Revue Noire, Paris, France
Group show, Savvy Contemporary, Berlin, Germany

2009
Jeunes regards urbains, l’Espace Doual’art, Douala, Cameroon

2008
Lady, She go say I be Lady, Carré des artistes, Douala, Cameroon

La Bienal de Kampala: una nueva cita artística para una nueva África

10401406_261061180769008_1225074019494192066_nLa región del África del Este, igual como sucede con otras regiones africanas, está experimentando en los últimos años un crecimiento exponencial de sus iniciativas culturales y su mercado de ocio. Festivales de música, semanas de la moda, inauguraciones de salas y museos que exponen regularmente, encuentros literarios, subastas de arte o producciones y muestras de cine, se suceden de forma intermitente en diferentes países. Ciudades como Nairobi, Kigali, Dar Es Salaam o Kampala muestran una efervescente escena cultural y un público local cada vez más exigente que se convierte en la audiencia preferida de inversores y promotores.

El próximo guiño a los amantes del arte africano va a ser la primera edición de la Bienal de Arte de Kampala, que se celebrará durante todo el mes de agosto. Si bien Kampala ya nos había sorprendido anteriormente por ser la capital del cine made in Uganda o Ugawood o con iniciativas como la de los Garbage Collectors, la Bienal de Kampala se presenta como un proyecto innovador con la intención de mostrar obras contemporáneas de todo el continente y crear debate sobre su actual valor. Según los organizadores, se trata de dar visibilidad al arte de la periferia del mainstream informativo.

Daudi Karungi, director artístico de la primera Kampala Arts Biennale. Fuente: Growth East Africa.

Daudi Karungi, director artístico de la primera Kampala Arts Biennale. Fuente: Growth East Africa.

“La Bienal de Kampala es un proyecto del Kampala Arts Trust, un colectivo de artistas visuales y del mundo del espectáculo que vivimos y trabajamos en espacios tanto públicos como privados de la ciudad de Kampala”, nos cuenta Daudi Karungi, su director artístico, quien lleva más de quince años regentando la Africart Gallery de la capital ugandesa. “El Kampala Arts Trust está en la vanguardia del desarrollo de la industria artística en Uganda” afirma orgulloso del equipo que capitanea.

Para esta primera edición de la Bienal el emblema es Progressive Africa, que se podría traducir como ‘África gradual’. Un tema que según los organizadores, pone en jaque las dos narrativas predominantes actuales sobre África: África es ahora, que se ha convertido en uno de los lemas de la última conferencia anual Design Indaba de Ciudad del Cabo; y la tan aclamada intervención artística de África es el futuro, todo un distintivo promocional para el continente.

“El tema del África Progresiva se tiene que entender en relación a este par discursivo (ahora o mañana) del Panafricanismo actual. Kampala, como todas las demás ciudades africanas, está intentando encontrar su lugar en la nueva África. Por eso precisamente hemos querido iniciar esta nueva cita artística”, afirma Karungi a pocas semanas de estrenar la primera edición de esta bienal que se dará a pies del lago Victoria.

“45 pintores, fotógrafos e ilustradores de 13 países africanos van a presentar su percepción del estado actual de África a través de las artes visuales. Los países representados son: Uganda, Kenya, Sudáfrica, Etiopía, Angola, Ghana, Nigeria, Togo, Costa de Marfil, Zimbabwe, R.D. Congo, Mali y Tanzania”, dice Karungi, quien representa a una generación de artistas empeñados en que el afrocentrismo halle su espacio en el mercado global.

Artistas como la ghanesa Florine Demosthene, el tanzano Georges Senga, el keniano Michael Soi o los etíopes Ezra Wube o Zerihun Seyoum, son algunos de los ejemplos de obras que se podrán ver expuestas en diferentes galerías, exhibiciones temporales en las calles de la ciudad, en paredes de diferentes edificios en los barrios menos favorecidos… durante la primera Bienal de Arte de Kampala.

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“También habrá espectáculos paralelos durante toda la Bienal. Cine, talleres, instalaciones de arte en las calles…”

Pero a su vez, tal y como pasa en otras bienales de arte, tanto los arquitectos del KAB como las autoridades locales saben que su labor va a generar impacto más allá de la industria cultural. Por ello, nos dice Karungi, “la relación con la ciudad de Kampala es de máximo interés. Tenemos el respaldo del Ayuntamiento de Kampala y del gobierno de Uganda. Nos hemos asociado con la Oficina de Turismo de Uganda y con el Ministerio de Turismo, para poder afianzar la continuidad de la bienal”, asegura su director.

Y es que no son pocas las experiencias que demuestran que una bienal puede posicionar una ciudad en la cabecera de las preferencias para el turismo. La de Venecia, en Italia, queda fuera de toda duda. Pero ejemplos africanos como el de la Bienal de Dakar, en Senegal, ya han demostrado a lo largo de décadas ser capaces de hacer mella en los procesos de desarrollo de la ciudad, y por extensión, del país.

10338742_262539963954463_5294400463612979775_n“Los miembros del equipo del KAB hemos estado en diferentes bienales, incluida la de Dakar, durante los últimos veinte años y durante todos estos años hemos ansiado organizar una en Kampala. En este tipo de eventos se hacen muchas amistades y contactos, y ahora que estamos a punto de encender la llama de la KAB, ahí estarán comisarios, críticos de arte, artistas y profesionales del sector artístico que hemos conocido en este círculo” remarca el galerista y artista ugandés.

Ante el previsible éxito de esta primera edición de 2014, acechan las dudas sobre las causas de no haber iniciado un evento como este con anterioridad, siendo Kampala una de las ciudades africanas que más rápidamente se están desarrollando y una de las más agradables para el turista. “Nunca tuvimos un evento como éste en Kampala porque mucha gente tenía miedo de probar y pánico de fracasar, así que se conformaron con pequeños eventos locales, mercados y exposiciones” opina Karungi. “Vamos a hacer la Bienal de Arte de Kampala para romper las barreras continentales y generar intercambios entre los artistas africanos y los diferentes profesionales del sector de las artes”.

‘Garbage Collectors’: arte, reciclaje y cambio social en Uganda

Johannesburgo. Foto: V.Anaya

Johannesburgo. Foto: V.Anaya

Un proyecto de conservación ambiental del joven colectivo artístico ugandés Afrika Arts Kollective muestra cómo el arte es un buen catalizador de los retos a superar en escenarios de desigualdad, siempre cambiantes y en crecimiento, como son las ciudades africanas.

El aumento de población urbana en África –UN-Habitat prevé que aumente del 40% actual a casi un 60% de la población en 2050– y la consecuente expansión de las ciudades africanas, hacen necesario un replanteamiento constante del modelo de ciudad y su gestión. Aunque el ratio anual de crecimiento urbano va disminuyendo paulatinamente según las previsiones de la ONU, lo cierto es que la población urbana va aumentando. El crecimiento en las tasas de natalidad, el descenso en las de mortalidad o el éxodo rural de una población que busca mejores oportunidades laborales en las urbes, son algunas de las causas de este crecimiento y convierten a Lagos (18,9 millones), El Cairo (14,7 millones) o Kishasa (14,5 millones) en megaciudades con altos puestos en el ranking mundial.

El acelerado crecimiento de las ciudades y la imposibilidad de estas de absorber la creciente población, fomenta el establecimiento de slums o asentamientos informales donde la población vive con unas pésimas condiciones de vida. Esto plantea nuevos retos para los gobiernos, como la gestión de residuos que se ha convertido en uno de los más acusados y en uno de los mayores obstáculos en las grandes urbes africanas.

Gugulethu (Cape Town). Foto: V.Anaya

Gugulethu (Cape Town). Foto: V.Anaya

Gisa Brian, director creativo de Afrika Arts Collective, nos cuenta que Kampala (Uganda) está experimentando un intenso crecimiento demográfico y que genera hoy en día aproximadamente 30.000 toneladas de residuos al mes. Siendo consciente de los riesgos que conlleva esto para la población y de la necesidad de velar por el país como importante destino turístico, el Ayuntamiento de Kampala lleva varios años trabajando en la optimización de la gestión de residuos en la ciudad. Las estrictas normas de recogida y separación de la basura han ido fomentando una conciencia social en torno a esta cuestión.

La filosofía del proyecto de conservación ambiental Garbage Collectors(Recolectores de Basura) es que “la basura es arte” y como tal “la basura nos muestra qué es valioso y qué no, utilizable o inútil”. A partir de aquí, los cinco artistas participantes Ronex, Nabukenya Hellen, Xenson, Sandra Suubi y Ruganzu Bruno, junto con estudiantes y voluntarios del proyecto y bajo el lema Don’t Trash it! Art It! Function it!, han trabajado estos meses en la recogida de residuos en diferentes puntos de la ciudad para crear con ellos una obra de arte (dentro de las áreas de escultura, fotografía, instalación, moda y vídeo). Esas obras hoy forman parte de la exposición colectiva Garbage Collectors visitable en el Museo Nacional de Uganda hasta el 30 de abril.

 

Proyecto artístico de la comunidad Sandra Suubi

Proyecto artístico de la comunidad Sandra Suubi

La utilización de elementos reciclados para crear arte tiene una importante tradición en el continente. El profesor y crítico de arte Yacouba Konaté en A Companion To Modern African Arts nos presenta el movimiento Vohou-Vohou de Costa de Marfil, en el cual durante los años setenta, artistas formados en la Academia de Bellas Artes de Abidjan rechazaban su tradición académica occidentalizada mediante la utilización de materiales reciclados combinados con símbolos y tejidos propios del arte tradicional africano.

Actualmente el ghanés El Anatsui, uno de los escultores más prolíficos del continente desde que emergiera como artista también en la década de los setenta, es uno de los referentes en cuanto a la utilización de materiales reciclados para crear sus obras, esas grandiosas esculturas en forma de cortinas de metal y tejido Kente ghanés. A propósito de su obra Peak Project, creada con latas y alambre, el artista cuestiona la escasa tecnología del reciclaje en África Occidental:

 

ElAnatsui - PeakProject

ElAnatsui – PeakProject

“Un montón de cosas que se hacen en Europa y América, y que son enviadas aquí, llegan en determinados tipos de envases. Por ejemplo, la leche fresca viene en latas. También tenemos nuestra propia leche, por supuesto, pero además hay enormes importaciones de leche desde el exterior, a la que se accede en forma de latas”.

Otros muchos artistas trabajan en torno al “arte y reciclaje” como el congoleño Maurice Mbikayi,o el proyecto tanzano Wonder Workshop s, que trabajan con materiales reciclados para construir a través de ellos un discurso crítico y social, de gran importancia en la actualidad.

En esta misma línea, Garbage Collectors explora la conservación ambiental a la vez que genera propuestas creativas para cumplir con el objetivo con el que nacieron a finales del año pasado: El principal objetivo de la organización es facilitar el cambio social a través del arte y la cultura mediante el desarrollo de una red creativa y socialmente comprometida que fomente las creaciones artísticas a través de la experimentación, la co-creación, el aprendizaje y el desarrollo del conocimiento”.

La respuesta social ha sido muy positiva en su entorno, en parte porque la población ugandesa tiene una gran conciencia sobre el reciclaje. Ello ha facilitado la transmisión del discurso que hay detrás de las creaciones, que en palabras del propio colectivo es “contextualizar el interés contemporáneo en la basura dentro de un marco cultural, histórico y político, así como refinar el pensamiento crítico, el pensamiento creativo y una variedad de habilidades de investigación en torno al arte”.

El trabajo de estos artistas y colectivos y su presencia internacional es vital para aproximarnos desde una perspectiva artística y crítica a una de las más acusadas realidades del continente: la mala gestión de los residuos y la acumulación de basura que inunda las calles de muchas ciudades. Esta crítica, que debe ser planteada a nivel global, también cuestiona el consumismo de las sociedades contemporáneas o la obsolescencia programada de los bienes de consumo, que muchas veces van a parar a África.

A la vez es una lección sobre el importante papel que desempeñan las iniciativas sociales y ciudadanas y sobre la potencialidad que tiene el arte para sensibilizar en torno a cuestiones tan presentes en la agenda internacional como es la conservación del medio ambiente.

Artículo publicado originalmente en Planeta Futuro (El País) el 23 de abril de 2014

Dak´art 2014. Bienal de Arte Africano Contemporáneo de Dakar.

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Hoy, 9 de mayo, da comienzo la onceava edición de la Bienal de Arte Africano Contemporáneo de Dakar, Dak´art 2014.

Consagrada al arte contemporáneo desde 1992 (tras un preludio en 1990 en el que también tuvieron cabida las letras) y dedicada en exclusiva al arte contemporáneo africano y de la diáspora desde 1996, la Bienal de Arte Africano Contemporáneo de Dakar constituye una de las grandes citas internacionales más importantes para las artes visuales del continente.

Del 9 de mayo al 8 de junio, diferentes espacios públicos y privados de Dakar y de St. Louis , acogerán una extensa programación IN (sección oficial de la Bienal)  y OFF (programación paralela) en la que además de numerosas exposiciones y encuentros profesionales (que este año serán dedicados a “los oficios del arte”), tendrán lugar proyecciones de cine sobre arte contemporáneo, conciertos, happenings, performances, intervenciones urbanas, etc. formando parte de una apretada agenda de inauguraciones y actividades.

Con el doctor en estética  Babacar Mbaye Diop (Senegal) a la cabeza, como secretario general, y con Elise Atangana (Camerún/Francia), Abdelkader Damani (Argelia), Smooth Ugochukwu Nzewi (Nigeria) y Massamba Mbaye (Senegal) como comisarios, Dak´art 2014  regresa con fuerza, aires renovados y un deseo expreso de reflexionar y llamar la atención sobre el carácter estético, político y social del arte.

El IN de la Bienal

'Umasifanisane' de Makhubu Nomusa.  © Biennale d'Art Africain Contemporain de Dakar, Dak'Art

‘Umasifanisane’ de Makhubu Nomusa. Foto: © Biennale d’Art Africain Contemporain de Dakar, Dak’Art

Makhubu_Umasifanisane-II-Comparison-II_2013La Exposición Internacional (exposición principal a concurso), para la que los comisarios Ugochukwu Nzewi, Atanganga y Damani han seleccionado la obra de 62 artistas africanos y de la diáspora, entre más de 700 candidaturas presentadas (teniendo como premisa fundamental que nunca hubieran participado con anterioridad en la Bienal), se ha estructurado en torno al tema “Producir lo Común”. Plato fuerte de esta edición que entronca directamente con otra de las exposiciones presentes e integrantes de la programación oficial, la de los Artistas Invitados, dedicada a la “Diversidad Cultural”. Para ésta, el curador Mbaye ha seleccionado la obra de diferentes artistas provenientes de otros continentes y culturas, retornando en cierto modo a la edición inaugural de 1992 en la que también participaron artistas no africanos.

Tomando como punto de partida de reflexión el pensamiento de E. Glissant (el todo-mundo) y de L. S. Senghor (la civilización universal), los comisarios quieren invitar con su propuesta  a reflexionar sobre el contexto actual del mundo en que vivimos tendente a la mundialización, un mundo más interconectado que nunca, poblado por múltiples pueblos de culturas diversas que migran, intercambian, comparten e interactúan entre sí favoreciendo la constitución de identidades múltiples. Un mundo en constante transformación y cambio en el que frente a una globalización y a una homogeneidad pretendidamente impuesta en la que prima el individualismo propio de las sociedades capitalistas, los pueblos se revelan reaprendiendo a pensar y actuar en colectividad, compartiendo inquietudes, deseos y ganas de construir y de cambiar el mundo en que vivimos.

La programación IN se completa con las exposiciones homenaje a tres referentes de las artes plásticas senegalesas: Mbaye Diop, Mamadou Diakhité y Moustapha Dime; una exposición sobre escultura africana (como continuación al simposio dedicado al mismo tema que tuvo lugar en Dakar entre el 23 de octubre y el 6 de noviembre de 2013); y la gran novedad de esta edición: “Dakar en el campus: Exposición Arte Verde”.

Saliéndose de los circuitos de exhibición y públicos tradicionales de la Bienal y en consonancia con ese espíritu de arte con vocación pública, comprometido socialmente, la Bienal propone un proyecto cuyo objetivo principal es sensibilizar por la protección del medio ambiente. Los artistas invitados  crearán sus obras a partir de materiales de desecho y restos vegetales encontrados en el jardín botánico de la Universidad Cheikh Anta Diop de Dakar, ayudados por los propios estudiantes. Conciertos, desfiles de moda y otras acciones acompañarán esta propuesta verde.

 bandeau-dakart2014-hdEl OFF de la Bienal.

Parte integrante de Dak´Art desde 2002, iniciativa y coordinada desde sus orígenes por el artista ceramista italiano Mauro Petroni, la sección OFF constituye uno de los grandes atractivos de la Bienal. Nacida con el objetivo de dar una mayor vitalidad a la Bienal y de dinamizar e implicar a los artistas y espacios culturales dedicados al arte contemporáneo del país, la programación OFF complementa la programación oficial ofreciendo a todos aquellos artistas y espacios culturales que lo deseen, independientemente de su calidad artística, propuesta (siempre y cuando sea arte contemporáneo) o lugar de procedencia, la oportunidad de participar en esta gran cita internacional con absoluta libertad e independencia pero beneficiándose del “label” Bienal Dak´art. Aproximadamente 250 exposiciones y otras manifestaciones artísticas inundarán las calles y espacios culturales de Dakar y St. Louis durante estos días.

Una Bienal, vitrina internacional del mejor arte contemporáneo africano, que según palabras de los comisarios, se espera que constituya y ofrezca el lugar y el tiempo adecuados para reflexionar juntos sobre el arte, lo político y que permita afirmar que estar en común es el único horizonte para la humanidad.

pat.mixte sur tooile. 2013. 300cmX450cm (5000x3333)

Bakinardo Bocoum. © Biennale d’Art Africain Contemporain de Dakar, Dak’Art

Cuando el arte toma la ciudad: Infecting The City

infecting-the-city Pocos días para que el arte “infecte” una de las joyas naturales de Sudáfrica, Ciudad del Cabo. El Festival Infecting The City organizado por Africa Centre y comisariado por Jay Pather, arranca este lunes 10 de marzo y convertirá un año más a la Mother City en un gran escenario donde, durante cinco días, el arte saldrá de los museos, galerías, teatros y salas de conciertos para instalarse en la calle y convertirse en “arte público”. Arte “creado y ejecutado con la intención específica de ser ubicado y escenificado en un lugar de dominio público, normalmente fuera y accesible para todo el mundo”. Este 2014 Ciudad del Cabo es además la capital mundial del diseño y el país celebra sus veinte años de democracia. Dos motivos por los que Sudáfrica está en el punto de mira a nivel internacional.

Rotting Treasures

Rotting Treasures

Que tanto los artistas como el público tomen espacios habitualmente olvidados, de paso o cooptados por los coches, es el objetivo primordial de este Festival que apuesta por un modelo de ciudad en el que la gente utilice el espacio público como lo que debería ser, público. Esta apuesta supone una clara crítica al control social, a la normativización y regulación del espacio público, a la desigualdad que existe en Ciudad del Cabo y a la gentrificación que conlleva el desarrollo capitalista de las ciudades. De ahí, que pasear por los rincones más olvidados de Ciudad del Cabo durante estos días, pueda acabar siendo toda una experiencia para ciudadanos, amantes del arte y para aquellos que creen y que luchan para que las calles retomen el sentido inicial: que sean de sus habitantes y que sean un lugar común de convivencia.

Partiendo de la premisa de que necesitamos permiso de alguien para hacer oír nuestra voz o para cantar, bailar, pintar o fotografiar, el festival Infecting The City agitará la idea y “el absurdo de que necesitamos permiso de alguien para mostrar nuestra humanidad”. Unos 300 artistas, muchos de ellos internacionales, serán los encargados de generar curiosidad, empatía, dolor, belleza y un espacio para cuestionar un nuevo modelo más dinámico de ciudad, así como una interlocución mayor entre artistas y espectadores, pasando a formar ambos partes de la escena. Todo ello se llevará cabo a través de programas que se organizan por rutas urbanas: A, B, C, D, E y F y que rellenan la nube de tags con algunos conceptos como teatro, poesía, danza, política, tradición-modernidad, sociedades contemporáneas, planificación urbana, acumulación primitiva, música experimental, escultura humana, fotografía, arquitectura, tecnología, redes sociales, instalación, vídeo-arte, etc.

 

Algunas de las propuestas de esta edición de Infecting The City

Dark Cell

Dark Cell

Dark Cell de Themba Mbuli escoge elementos sobre el imaginario acerca de los prisioneros de Robben Island —donde Mandela pasó 27 años preso— para cuestionar la propia mente como prisión, las restricciones auto-impuestas y donde se reflejan aspectos de la sociedad contemporánea. Por el camino nos podremos encontrar con los canadienses Glaciology que a través de interpretaciones, esculturas humanas y coreografías, representarán el movimiento de los glaciares en el paisaje, examinando nuestra relación con la naturaleza.

Tampoco puede faltar uno de los proyectos de Africa Centre, Talking Heads que bajo el lema “Piensa fuera de la caja”, invitará a los asistentes a debatir y pensar sobre varias ideas y conceptos, abriendo el diálogo y nuevos horizontes. O Badilisha Poetry X-Change, otros de los proyectos estrella de Africa Centre, que consiste en un archivo on line y un espectáculo en torno a la poesía, y que sale a la calle para mezclar interpretación y poesía.

Talking Heads

Talking Heads

Rotting Treasures es un “lamento visual” dedicado a las 44 personas que perdieron la vida en Marikana, en agosto de 2012. Lindokuhle Nkosi y Khanyisile Mbongwa usan vídeo, danza y música para hablar de esta tragedia.

Theatre4Change, creado por el artista y director Mandisi Shindo en 2010, es un teatro terapéutico situado en el township Khayelitsha, que trabaja a nivel comunitario creando una plataforma artística y educativa que ofrece oportunidades a los más jóvenes. Llega a Infecting The City con Pantsul’amagenge lo que indica que habrá hueco para ver un buen pantsula.

Estas son sólo algunas de las propuestas que nos ofrece el programa de Infecting The City. Merece la pena echar un vistazo al programa y empaparse (¡o infectarse!) de lleno en el arte, a través de una buena ruta por la ciudad.