‘Garbage Collectors’: arte, reciclaje y cambio social en Uganda

Johannesburgo. Foto: V.Anaya

Johannesburgo. Foto: V.Anaya

Un proyecto de conservación ambiental del joven colectivo artístico ugandés Afrika Arts Kollective muestra cómo el arte es un buen catalizador de los retos a superar en escenarios de desigualdad, siempre cambiantes y en crecimiento, como son las ciudades africanas.

El aumento de población urbana en África –UN-Habitat prevé que aumente del 40% actual a casi un 60% de la población en 2050– y la consecuente expansión de las ciudades africanas, hacen necesario un replanteamiento constante del modelo de ciudad y su gestión. Aunque el ratio anual de crecimiento urbano va disminuyendo paulatinamente según las previsiones de la ONU, lo cierto es que la población urbana va aumentando. El crecimiento en las tasas de natalidad, el descenso en las de mortalidad o el éxodo rural de una población que busca mejores oportunidades laborales en las urbes, son algunas de las causas de este crecimiento y convierten a Lagos (18,9 millones), El Cairo (14,7 millones) o Kishasa (14,5 millones) en megaciudades con altos puestos en el ranking mundial.

El acelerado crecimiento de las ciudades y la imposibilidad de estas de absorber la creciente población, fomenta el establecimiento de slums o asentamientos informales donde la población vive con unas pésimas condiciones de vida. Esto plantea nuevos retos para los gobiernos, como la gestión de residuos que se ha convertido en uno de los más acusados y en uno de los mayores obstáculos en las grandes urbes africanas.

Gugulethu (Cape Town). Foto: V.Anaya

Gugulethu (Cape Town). Foto: V.Anaya

Gisa Brian, director creativo de Afrika Arts Collective, nos cuenta que Kampala (Uganda) está experimentando un intenso crecimiento demográfico y que genera hoy en día aproximadamente 30.000 toneladas de residuos al mes. Siendo consciente de los riesgos que conlleva esto para la población y de la necesidad de velar por el país como importante destino turístico, el Ayuntamiento de Kampala lleva varios años trabajando en la optimización de la gestión de residuos en la ciudad. Las estrictas normas de recogida y separación de la basura han ido fomentando una conciencia social en torno a esta cuestión.

La filosofía del proyecto de conservación ambiental Garbage Collectors(Recolectores de Basura) es que “la basura es arte” y como tal “la basura nos muestra qué es valioso y qué no, utilizable o inútil”. A partir de aquí, los cinco artistas participantes Ronex, Nabukenya Hellen, Xenson, Sandra Suubi y Ruganzu Bruno, junto con estudiantes y voluntarios del proyecto y bajo el lema Don’t Trash it! Art It! Function it!, han trabajado estos meses en la recogida de residuos en diferentes puntos de la ciudad para crear con ellos una obra de arte (dentro de las áreas de escultura, fotografía, instalación, moda y vídeo). Esas obras hoy forman parte de la exposición colectiva Garbage Collectors visitable en el Museo Nacional de Uganda hasta el 30 de abril.

 

Proyecto artístico de la comunidad Sandra Suubi

Proyecto artístico de la comunidad Sandra Suubi

La utilización de elementos reciclados para crear arte tiene una importante tradición en el continente. El profesor y crítico de arte Yacouba Konaté en A Companion To Modern African Arts nos presenta el movimiento Vohou-Vohou de Costa de Marfil, en el cual durante los años setenta, artistas formados en la Academia de Bellas Artes de Abidjan rechazaban su tradición académica occidentalizada mediante la utilización de materiales reciclados combinados con símbolos y tejidos propios del arte tradicional africano.

Actualmente el ghanés El Anatsui, uno de los escultores más prolíficos del continente desde que emergiera como artista también en la década de los setenta, es uno de los referentes en cuanto a la utilización de materiales reciclados para crear sus obras, esas grandiosas esculturas en forma de cortinas de metal y tejido Kente ghanés. A propósito de su obra Peak Project, creada con latas y alambre, el artista cuestiona la escasa tecnología del reciclaje en África Occidental:

 

ElAnatsui - PeakProject

ElAnatsui – PeakProject

“Un montón de cosas que se hacen en Europa y América, y que son enviadas aquí, llegan en determinados tipos de envases. Por ejemplo, la leche fresca viene en latas. También tenemos nuestra propia leche, por supuesto, pero además hay enormes importaciones de leche desde el exterior, a la que se accede en forma de latas”.

Otros muchos artistas trabajan en torno al “arte y reciclaje” como el congoleño Maurice Mbikayi,o el proyecto tanzano Wonder Workshop s, que trabajan con materiales reciclados para construir a través de ellos un discurso crítico y social, de gran importancia en la actualidad.

En esta misma línea, Garbage Collectors explora la conservación ambiental a la vez que genera propuestas creativas para cumplir con el objetivo con el que nacieron a finales del año pasado: El principal objetivo de la organización es facilitar el cambio social a través del arte y la cultura mediante el desarrollo de una red creativa y socialmente comprometida que fomente las creaciones artísticas a través de la experimentación, la co-creación, el aprendizaje y el desarrollo del conocimiento”.

La respuesta social ha sido muy positiva en su entorno, en parte porque la población ugandesa tiene una gran conciencia sobre el reciclaje. Ello ha facilitado la transmisión del discurso que hay detrás de las creaciones, que en palabras del propio colectivo es “contextualizar el interés contemporáneo en la basura dentro de un marco cultural, histórico y político, así como refinar el pensamiento crítico, el pensamiento creativo y una variedad de habilidades de investigación en torno al arte”.

El trabajo de estos artistas y colectivos y su presencia internacional es vital para aproximarnos desde una perspectiva artística y crítica a una de las más acusadas realidades del continente: la mala gestión de los residuos y la acumulación de basura que inunda las calles de muchas ciudades. Esta crítica, que debe ser planteada a nivel global, también cuestiona el consumismo de las sociedades contemporáneas o la obsolescencia programada de los bienes de consumo, que muchas veces van a parar a África.

A la vez es una lección sobre el importante papel que desempeñan las iniciativas sociales y ciudadanas y sobre la potencialidad que tiene el arte para sensibilizar en torno a cuestiones tan presentes en la agenda internacional como es la conservación del medio ambiente.

Artículo publicado originalmente en Planeta Futuro (El País) el 23 de abril de 2014

Dak´art 2014. Bienal de Arte Africano Contemporáneo de Dakar.

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Hoy, 9 de mayo, da comienzo la onceava edición de la Bienal de Arte Africano Contemporáneo de Dakar, Dak´art 2014.

Consagrada al arte contemporáneo desde 1992 (tras un preludio en 1990 en el que también tuvieron cabida las letras) y dedicada en exclusiva al arte contemporáneo africano y de la diáspora desde 1996, la Bienal de Arte Africano Contemporáneo de Dakar constituye una de las grandes citas internacionales más importantes para las artes visuales del continente.

Del 9 de mayo al 8 de junio, diferentes espacios públicos y privados de Dakar y de St. Louis , acogerán una extensa programación IN (sección oficial de la Bienal)  y OFF (programación paralela) en la que además de numerosas exposiciones y encuentros profesionales (que este año serán dedicados a “los oficios del arte”), tendrán lugar proyecciones de cine sobre arte contemporáneo, conciertos, happenings, performances, intervenciones urbanas, etc. formando parte de una apretada agenda de inauguraciones y actividades.

Con el doctor en estética  Babacar Mbaye Diop (Senegal) a la cabeza, como secretario general, y con Elise Atangana (Camerún/Francia), Abdelkader Damani (Argelia), Smooth Ugochukwu Nzewi (Nigeria) y Massamba Mbaye (Senegal) como comisarios, Dak´art 2014  regresa con fuerza, aires renovados y un deseo expreso de reflexionar y llamar la atención sobre el carácter estético, político y social del arte.

El IN de la Bienal

'Umasifanisane' de Makhubu Nomusa.  © Biennale d'Art Africain Contemporain de Dakar, Dak'Art

‘Umasifanisane’ de Makhubu Nomusa. Foto: © Biennale d’Art Africain Contemporain de Dakar, Dak’Art

Makhubu_Umasifanisane-II-Comparison-II_2013La Exposición Internacional (exposición principal a concurso), para la que los comisarios Ugochukwu Nzewi, Atanganga y Damani han seleccionado la obra de 62 artistas africanos y de la diáspora, entre más de 700 candidaturas presentadas (teniendo como premisa fundamental que nunca hubieran participado con anterioridad en la Bienal), se ha estructurado en torno al tema “Producir lo Común”. Plato fuerte de esta edición que entronca directamente con otra de las exposiciones presentes e integrantes de la programación oficial, la de los Artistas Invitados, dedicada a la “Diversidad Cultural”. Para ésta, el curador Mbaye ha seleccionado la obra de diferentes artistas provenientes de otros continentes y culturas, retornando en cierto modo a la edición inaugural de 1992 en la que también participaron artistas no africanos.

Tomando como punto de partida de reflexión el pensamiento de E. Glissant (el todo-mundo) y de L. S. Senghor (la civilización universal), los comisarios quieren invitar con su propuesta  a reflexionar sobre el contexto actual del mundo en que vivimos tendente a la mundialización, un mundo más interconectado que nunca, poblado por múltiples pueblos de culturas diversas que migran, intercambian, comparten e interactúan entre sí favoreciendo la constitución de identidades múltiples. Un mundo en constante transformación y cambio en el que frente a una globalización y a una homogeneidad pretendidamente impuesta en la que prima el individualismo propio de las sociedades capitalistas, los pueblos se revelan reaprendiendo a pensar y actuar en colectividad, compartiendo inquietudes, deseos y ganas de construir y de cambiar el mundo en que vivimos.

La programación IN se completa con las exposiciones homenaje a tres referentes de las artes plásticas senegalesas: Mbaye Diop, Mamadou Diakhité y Moustapha Dime; una exposición sobre escultura africana (como continuación al simposio dedicado al mismo tema que tuvo lugar en Dakar entre el 23 de octubre y el 6 de noviembre de 2013); y la gran novedad de esta edición: “Dakar en el campus: Exposición Arte Verde”.

Saliéndose de los circuitos de exhibición y públicos tradicionales de la Bienal y en consonancia con ese espíritu de arte con vocación pública, comprometido socialmente, la Bienal propone un proyecto cuyo objetivo principal es sensibilizar por la protección del medio ambiente. Los artistas invitados  crearán sus obras a partir de materiales de desecho y restos vegetales encontrados en el jardín botánico de la Universidad Cheikh Anta Diop de Dakar, ayudados por los propios estudiantes. Conciertos, desfiles de moda y otras acciones acompañarán esta propuesta verde.

 bandeau-dakart2014-hdEl OFF de la Bienal.

Parte integrante de Dak´Art desde 2002, iniciativa y coordinada desde sus orígenes por el artista ceramista italiano Mauro Petroni, la sección OFF constituye uno de los grandes atractivos de la Bienal. Nacida con el objetivo de dar una mayor vitalidad a la Bienal y de dinamizar e implicar a los artistas y espacios culturales dedicados al arte contemporáneo del país, la programación OFF complementa la programación oficial ofreciendo a todos aquellos artistas y espacios culturales que lo deseen, independientemente de su calidad artística, propuesta (siempre y cuando sea arte contemporáneo) o lugar de procedencia, la oportunidad de participar en esta gran cita internacional con absoluta libertad e independencia pero beneficiándose del “label” Bienal Dak´art. Aproximadamente 250 exposiciones y otras manifestaciones artísticas inundarán las calles y espacios culturales de Dakar y St. Louis durante estos días.

Una Bienal, vitrina internacional del mejor arte contemporáneo africano, que según palabras de los comisarios, se espera que constituya y ofrezca el lugar y el tiempo adecuados para reflexionar juntos sobre el arte, lo político y que permita afirmar que estar en común es el único horizonte para la humanidad.

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Bakinardo Bocoum. © Biennale d’Art Africain Contemporain de Dakar, Dak’Art

Cuando el arte toma la ciudad: Infecting The City

infecting-the-city Pocos días para que el arte “infecte” una de las joyas naturales de Sudáfrica, Ciudad del Cabo. El Festival Infecting The City organizado por Africa Centre y comisariado por Jay Pather, arranca este lunes 10 de marzo y convertirá un año más a la Mother City en un gran escenario donde, durante cinco días, el arte saldrá de los museos, galerías, teatros y salas de conciertos para instalarse en la calle y convertirse en “arte público”. Arte “creado y ejecutado con la intención específica de ser ubicado y escenificado en un lugar de dominio público, normalmente fuera y accesible para todo el mundo”. Este 2014 Ciudad del Cabo es además la capital mundial del diseño y el país celebra sus veinte años de democracia. Dos motivos por los que Sudáfrica está en el punto de mira a nivel internacional.

Rotting Treasures

Rotting Treasures

Que tanto los artistas como el público tomen espacios habitualmente olvidados, de paso o cooptados por los coches, es el objetivo primordial de este Festival que apuesta por un modelo de ciudad en el que la gente utilice el espacio público como lo que debería ser, público. Esta apuesta supone una clara crítica al control social, a la normativización y regulación del espacio público, a la desigualdad que existe en Ciudad del Cabo y a la gentrificación que conlleva el desarrollo capitalista de las ciudades. De ahí, que pasear por los rincones más olvidados de Ciudad del Cabo durante estos días, pueda acabar siendo toda una experiencia para ciudadanos, amantes del arte y para aquellos que creen y que luchan para que las calles retomen el sentido inicial: que sean de sus habitantes y que sean un lugar común de convivencia.

Partiendo de la premisa de que necesitamos permiso de alguien para hacer oír nuestra voz o para cantar, bailar, pintar o fotografiar, el festival Infecting The City agitará la idea y “el absurdo de que necesitamos permiso de alguien para mostrar nuestra humanidad”. Unos 300 artistas, muchos de ellos internacionales, serán los encargados de generar curiosidad, empatía, dolor, belleza y un espacio para cuestionar un nuevo modelo más dinámico de ciudad, así como una interlocución mayor entre artistas y espectadores, pasando a formar ambos partes de la escena. Todo ello se llevará cabo a través de programas que se organizan por rutas urbanas: A, B, C, D, E y F y que rellenan la nube de tags con algunos conceptos como teatro, poesía, danza, política, tradición-modernidad, sociedades contemporáneas, planificación urbana, acumulación primitiva, música experimental, escultura humana, fotografía, arquitectura, tecnología, redes sociales, instalación, vídeo-arte, etc.

 

Algunas de las propuestas de esta edición de Infecting The City

Dark Cell

Dark Cell

Dark Cell de Themba Mbuli escoge elementos sobre el imaginario acerca de los prisioneros de Robben Island —donde Mandela pasó 27 años preso— para cuestionar la propia mente como prisión, las restricciones auto-impuestas y donde se reflejan aspectos de la sociedad contemporánea. Por el camino nos podremos encontrar con los canadienses Glaciology que a través de interpretaciones, esculturas humanas y coreografías, representarán el movimiento de los glaciares en el paisaje, examinando nuestra relación con la naturaleza.

Tampoco puede faltar uno de los proyectos de Africa Centre, Talking Heads que bajo el lema “Piensa fuera de la caja”, invitará a los asistentes a debatir y pensar sobre varias ideas y conceptos, abriendo el diálogo y nuevos horizontes. O Badilisha Poetry X-Change, otros de los proyectos estrella de Africa Centre, que consiste en un archivo on line y un espectáculo en torno a la poesía, y que sale a la calle para mezclar interpretación y poesía.

Talking Heads

Talking Heads

Rotting Treasures es un “lamento visual” dedicado a las 44 personas que perdieron la vida en Marikana, en agosto de 2012. Lindokuhle Nkosi y Khanyisile Mbongwa usan vídeo, danza y música para hablar de esta tragedia.

Theatre4Change, creado por el artista y director Mandisi Shindo en 2010, es un teatro terapéutico situado en el township Khayelitsha, que trabaja a nivel comunitario creando una plataforma artística y educativa que ofrece oportunidades a los más jóvenes. Llega a Infecting The City con Pantsul’amagenge lo que indica que habrá hueco para ver un buen pantsula.

Estas son sólo algunas de las propuestas que nos ofrece el programa de Infecting The City. Merece la pena echar un vistazo al programa y empaparse (¡o infectarse!) de lleno en el arte, a través de una buena ruta por la ciudad.

Benín acoge el primer museo de arte contemporáneo de África Occidental

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Foto: Jean-Dominique Burton

Hace escasos tres meses que el arte contemporáneo ha tomado de lleno Ouidah, ciudad portuaria de la costa beninesa. Y lo ha hecho en forma de Museo de arte contemporáneo, algo que necesario, no solo en Benín, sino en toda la región de África Occidental. La iniciativa ha sido de la Fundación Zinsou, que pone nombre al Museo, y que para ello ha elegido una ciudad cargada de historia.

Ouidah, que tiene aproximadamente 60.000 habitantes y está situada a unos 40km de la capital de Benín —en el reino de Abomey—, era uno de los puertos de tráfico atlántico de esclavos más importantes de la costa occidental en los siglos XVI y XVII. Pero también ha sido una ciudad de retorno, ya que muchos afro-descendientes brasileños a finales del siglo XIX volvieron en una búsqueda de sus raíces, estableciéndose en esta ciudad y trayendo consigo sus tradiciones y su cultura. Ello se notó en la ciudad, que emergió con una gran construcción de edificios, residencias y comercios y con un estilo afro-brasileño que refleja las influencias del extranjero, gran parte de Salvador de Bahía.

dessin facade villa Ajavon avec voc archiPrecisamente Villa Ajavon, nombre del magnífico edificio renovado para acoger este museo, es una clara muestra de la influencia brasileña en la arquitectura de la zona. Construido en 1922 por un rico comerciante togolés, ha permanecido como una muestra de esta expansión urbana en la época colonial, pasando a ser ahora patrimonio de sus habitantes, que podrán disfrutar de las muestras más contemporáneas de forma gratuita.

El principal objetivo de la presidenta de la Fundación, Marie-Cécile Zinsou, ha sido el de acercar el arte contemporáneo a los habitantes de la zona, ya que había constatado la falta de espacios donde poder encontrar las creaciones artísticas más punteras y destacadas del continente fuera de países como Sudáfrica, que cuenta con un importante circuito cultural.

Ville Ajavon. Foto: Jean-Dominique Burton

Ville Ajavon. Foto: Jean-Dominique Burton

La Fundación, creada por ella misma y por su padre el economista franco-beninés Lionel Zinsou, ha trabajado durante ocho años en Cotonou en esta misma dirección. El foco ha estado puesto en la difusión de las creaciones artísticas más contemporáneas a través de la educación, de exposiciones y de diversas actividades, en las que han participado, en gran medida, colegios y organizaciones, a quienes ofrecen servicio gratuito de transporte hasta la sala, lo cual favorece la formación artística en artes visuales. Vista la necesidad de que exista un punto de encuentro y el interés que han generado las artes visuales contemporáneas —como muestran los cuatro millones de visitantes en estos ocho años de existencia—, la Fundación decidió dar un paso más y crear este museo, que a partir de ahora será clave en el panorama del arte contemporáneo en el continente. Ello ha sido posible con fondos propios y con la ayuda de algunos mecenas.

El estreno del Museo ha sido por todo lo alto si hablamos en términos artísticos. En la exposición “Focus sur la collection” podemos encontrar artistas locales e internacionales como Romuald Hazoumé (Benín), Cyprien Tokoudagba (Benín), Frédéric Bruly-Bouabré (Costa de Marfil), George Lilanga (Tanzania), Samuel Fosso (Camerún), Seni Awa Camara (Senegal), Jean-Dominique Burton (Bélgica), Bruce Clarke (Londres), Chéri Samba (RDC), Mickäel Béthé Sélassié, Aston (Beín), Kifouli Dossou (Benín) et Solly Cissé (Senegal).

Esta exposición va acompañada de actividades paralelas que pretende transformar el Museo de Ouidah en “una plataforma de diálogo, utilizando la colección y otras contribuciones como útiles para participar en el desarrollo del paisaje cultural y social

Los 13.000 visitantes benineses, togoleses, nigerianos, franceses, ingleses o norteamericanos, durante los tres primeros meses de vida, son una muestra de la necesidad de estos espacios sigan floreciendo  y los artistas locales y africanos encuentren un escaparate dentro de sus fronteras.

Para saber más:

 

2013: Un paseo por la sección de Artes Visuales del Magacín

Este 2013 ha dejado un sinfín de manifestaciones interesantes en cuanto a las artes y culturas africanas. En Wiriko, hemos intentado acercar al mundo hispanohablante una mínima parte de las millones de propuestas que se cuecen en el continente, cubriendo algunas de las cosas que nos han parecido más punteras. Estas suelen ser fechas para hacer una recapitulación y el “Top Ten” de lo más destacado y leído del año, por lo que en la sección de Artes Visuales vamos a dar un paseo por los artículos más leídos. Acabamos el artículo —y el año— mencionando algunas de los muchos eventos realizados este año, y que desde Wiriko recomendamos.

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¿Qué hemos leído en la sección de Artes Visuales del Magacín?

Empezamos hablando de moda, que pisa fuerte en las pasarelas —y en Wiriko— y no deja indiferente a nadie. En el artículo “Ecos de África Ecos de África: Identidades y tendencias cosmopolitas” nuestra colaboradora Cristina Morales, nos hablaba de los conceptos “etnochic” y “afropean” en moda, dejando claro que el continente negro resuena en Occidente y que el “black es más beautiful que nunca”. A la misma conclusión llegó Estrella Sendra desde African Fashion Week London (AFWL), que nos contaba cómo la moda está cada vez más presente  en los países africanos y la creciente presencia de los diseñadores en las pasarelas internacionales.

De moda saben mucho los Swenkas zulús de Johannesburgo, con su impoluto estilo gentelman y que irremediablemente nos recuerdan a los Sapeurs congoleños, más conocidos en nuestro país y sobre los que también hemos hablado.

En artes visuales, el artista Kudzanai Chiurai tampoco pasa precisamente desapercibido. En su obra, realiza una dura crítica contra el sistema político y económico de su país natal, Zimbabue, que le ha costado el exilio a la vecina Sudáfrica. Corrupción, poder, guerra y la idea del estado rondan constantemente su obra de una manera contundente. Si viajamos hacia el oeste del continente nos encontramos a Camara Guèye que nos remite al cubismo a través de sus formas geométricas y vanguardistas. Un collage que muestra retazos de la vida cotidiana senegalesa y que pudimos ver en Kalao Panafrican Creation de Bilbao el pasado mayo.

Bajo el epígrafe de pintura, cabe destacar el recién celebrado FNB Joburg Art Fair celebrado en Sudáfrica el pasado septiembre y que ha dado mucho que hablar en los círculos artísticos y generando debates —no por primera vez en el país— en torno a la libertad de expresión en el arte. Ello es debido al intento de censura del artista capetoniano Ayanda Mabulu, con su obra “Yakhal’inkomo” (“Hombre negro llorando”) que rememora la matanza de los mineros de Marikana (2012).

En fotografía destacamos el colectivo “Invisible Borders”, que a través de su proyecto “The Road Trip Project” compuesto por 10 fotógrafos, recorren el continente y plasman “otra” África a la que en occidente estamos acostumbrados. “Derribar fronteras y estereotipos” es su objetivo, sin duda. También en este campo pudimos entrevistar a la fotógrafa cántabra Marina Cano, especializada en fauna, que nos habló de su conexión con África, un continente que le inspira y que nos regala esos increíbles paisajes.

En arquitectura nos apasiona el proyecto de casas flotantes del urbanista Kunlé Adeyemi en Makoko (Lagos), que funcionan con energía solar y que son una solución sostenible, ecológica y alternativa. Al otro lado del continente, nuestra colaboradora Aideen Kennedy nos ha contado de primera mano qué sucede en el barrio de Kariakoo de la masificada Dar es Salam en Tanzania.

Esto es sólo una pincelada de nuestra sección. ¡Aquí puedes leer mas!

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¿Qué más ha pasado en la sección de Artes Visuales de Wiriko?

cartel-expo-arte-en-resistenciaEste 2013 hemos inaugurado la exposición Arte en resistencia: del apartheid al ‘Mandela Poster Project’ en el marco del Ciclo de Música Negra de Barcelona y que tuvo lugar en la Farinera del Clot de Barcelona. La exposición mostró la importancia que tuvo el arte como arma de lucha y resistencia durante el apartheid, concretamente la música y las artes visuales. También realizó un recorrido por la cartelería de resistencia creada por los trabajadores culturales durante los momentos clave de agitación política y social que se dieron durante el apartheid. El recorrido terminó  con la presentación del proyecto sudafricano ‘Mandela Poster Project‘, que fue exhibido por primera vez en España en formato digital, y que ha aunó a 95 diseñadores y artistas gráficos de todo el mundo para celebrar este aniversario y recordar que Madiba fue un icono a nivel mundial.

Si queréis saber más sobre el tema, os recomendamos nuestro artículo “Arte de protesta: The South African Poster Movement, en el que explicamos de dónde surge el movimiento cultural de la cartelería.

 

¿Qué os recomendamos para estas fiestas?

Aquellas personas que os quedéis a pasar las fiestas por aquí, también tendréis la posibilidad de tener África un poco más cerca. A continuación os recomendamos algunas exposiciones que tienen lugar por estas fechas:

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Pamplona (28 de noviembre al 26 de enero): Senegal creación contemporánea. Organizada por África Imprescindible y comisariada por Jesús Ahedo (Kalao Panafrican Creations), podemos encontrar obras de Seyni Awa Camara, Douts Ndoye, Ndary Lo, Camara Gueye; Cheikhou Ba, Ibrahima Kebe. Más información: África es Imprescindible.

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Bilbao (4 de octubre al 31 de diciembre): Cultura para la libertad.El legado del Amilcar Cabral. Exposición de las obras de Nu Barreto (Guinea Bissau). Organizada por Kalao Panafrican Creations. Más información en Kalao.

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Las Palmas de Gran Canaria (13 diciembre al 21 de febrero): Tbabu. Organizada por Casa África con el trabajo de Alfonso Elvira y Jesús Hermana en el marco de la iniciativa PhotoBrick. Más información en Casa África.

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Sevilla (11 de diciembre al 10 de enero): Más Morena. Exposición de fotografías de Javier Hirschfeld. Se podrá visitar en el Centro Cívico Las Sirenas de la ciudad. Más información en su publicación en Isuu.

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La segunda edición de ‘Partcours’ llena Dakar de arte

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El pasado martes 26 de noviembre se inauguró la segunda edición del Partcours, en el Centro Cultural Douta Seck de Dakar, con la anhelada reapertura de la magnífica exposición interactiva Las músicas negras en el mundo (realizada por Mondomix  Média y presentada  por primera vez en Senegal con ocasión de la tercera edición del Festival Mundial de la Artes Negras de 2010).

Desde entonces y hasta el 6 de diciembre, 18 espacios artísticos de todo Dakar, federados para la ocasión, han abierto sus puertas y sacado el arte a la calle, en un recorrido organizado por diferentes barrios de la ciudad, con la intención de mostrar al público dakarense la actualidad del arte contemporáneo a través de la obra de diferentes artistas senegaleses, de otros países africanos y de artistas europeos residentes en el país.

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Durante dos frenéticas semanas, con una media de 2-3 inauguraciones por día, la Galería Bookoo, le Village des Arts, Petites Pierres, Atelier Céramiques Almadies, el Musée Boribana, Kër Thiossane, la Galerie le Manège del Instituto Francés, el Espace Tintimol, la Galerie Agora o la Loman Art House entre otros, exhiben la obra de diferentes artistas visuales, más o menos consagrados, entre los que figuran: Cheikhou Ba, Barkinado Bokoum, Mame Diarra Niang, NKX, Dolo, Omar Victor Diop, Antoine Tempé, Djibril Sy, Omar Ba, Cheikh Keita, Ismaïla Manga, Cristina de Middel, Alpha Baldé, Nathaniel Mokgosi, Sébastien Bouchard, Ngoor e Ibrahima Thiam entre otros.

En esta edición, como novedad respecto a la anterior, el arte ha salido a la calle dirigiéndose a otro tipo de público, con las proyecciones al aire libre de las fotografías amateur (pero no por ello con menor calidad artística) resultantes del proyecto Visages de Femmes que Trias Culture puso en marcha en 2012 con diferentes grupos de mujeres de Dakar y Toubab Dialaw.

Destacamos además la presentación en la Raw Material Company del libro État de Lieux  sur la création d´institutions d´art en Afrique, compendio de artículos resultantes del simposio del mismo nombre, celebrado en Dakar en enero de 2012, en el que artistas, galeristas, historiadores, críticos, gestores culturales e instituciones públicas provenientes de diferentes partes del mundo, pudieron discutir sobre la actualidad y el futuro del arte contemporáneo en el continente africano, sometiendo a debate diferentes cuestiones como el papel que juegan o deberían jugar las instituciones públicas y los espacios independientes o el tipo de estrategias o intercambios culturales que debe haber entre las antiguas metrópolis y sus excolonias sin crear situaciones de dependencia financiera que además puedan condicionar la creatividad o dinámicas locales.

Si están por Dakar y aún les quedan fuerzas, no se pierdan hoy día 6 de diciembre, en el Hotel Onomo, la inauguración de la exposición Onomollywood de los fotógrafos Antoine Tempé y Omar Viktor Diop que recreará a través del video y de la fotografía, secuencias de culto de la historia del cine, poniendo fin a esta segunda edición del Partcours.

Acabamos así el año, calentando motores con la vista puesta en la próxima Bienal de Arte Contemporáneo de Dakar (11ª edición) que tendrá lugar del 9 de mayo al 8 de junio de 2014.

En el PDF adjunto: (Partcours_catalogue) , se puede consultar la programación completa. Algunas de las exposiciones podrán visitarse hasta el próximo domingo y otras durante los próximos meses.

 

Kenia, anfitriona de la primera subasta de arte contemporáneo de África del Este

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Michael Soi (Kenyan, born 1972)
Subasta, 2013

El martes, 5 de noviembre de 2013 fue un día importante para los 43 artistas de los seis países que expusieron en la primera subasta de arte contemporáneo africano que tuvo como objetivo la revalorización del arte contemporáneo de la parte Este del continente. Según The Circle Art Agency (organizadora del evento), el éxito fue indiscutible si se tiene en cuenta que un 90% de las obras fueron vendidas a más del doble del precio establecido por los artistas. En el evento se presentaron trabajos de artistas de Sudán, Kenia, Etiopía, Tanzania, Sudáfrica y Uganda. Los organizadores de la subasta —que no se esperaban un éxito de ventas tan rotundo— están convencidos de que es una buena señal de la creciente presencia del arte africano en el punto de mira de inversores y élites interesadas en el arte. “Queremos que la gente se nos una a este nuevo viaje para descubrir el arte” afirma Danda Jaroljmek, (director de The Circle Art Agency), ya que según Jaroljmekla gente no está informada sobre galerías y no está acostumbrada a acudir a exposiciones…Necesitamos mostrar el arte de diferentes formas y proveer plataformas al público para entender lo que está intentando comunicar el artista, juntar al artista y al público en un entorno cómodo donde se puedan conocer”. Uno de los fenómenos que podemos destacar de este encuentro, es la fuerte presencia de coleccionistas locales (kenianos concretamente) que han adquirido casi la mitad de las obras, en un panorama en el que normalmente los coleccionistas extranjeros son mayoría. Sin duda una señal del aumento del interés hacia el arte local y regional y también una muestra del aumento de la clase media en Kenia que puede adquirir obras de arte por un precio elevado.

 

¿Significa esto que el arte sea más accesible para el conjunto de la población? Seguramente no. A pesar de la potencia artística, cultural y tecnológica de Kenia —de las más potentes del continente— y de la gran producción de arte al margen de los circuitos más comerciales, como es el arte de los slums, a Kenia aún le quedan algunos retos que superar para que su gente pueda realizar ese “viaje de descubrimiento del arte” que mencionaba Jarolhmek. Estos retos tienen que ver con la falta de actualización de los programas formativos en el campo artístico, un bajo número de galerías de arte e instalaciones públicas y el escaso punto de mira hacia las artes visuales dentro de la vida cultural keniana. Tanta es la desconexión por parte del gobierno con los artistas locales, que la mayoría de los representantes del pabellón keniano de la Bienal de Venecia de este año, fueron artistas chinos en su mayoría. Increíble pero cierto.

Seguramente, para superar estos retos, la solución no pase únicamente por eventos como esta subasta, pero es un paso más hacia una mayor visibilidad a nivel mundial de los artistas de la región oriental de África. Los medios internacionales se han hecho eco, lo que sirve también para fomentar el interés de los coleccionistas tanto internacionales como locales por el arte africano. Una burbuja de oxígeno para artistas que luchan por situarse dentro de este creciente mercado. Sin embargo, es importante seguir en la línea ya trazada por algunas organizaciones y colectivos de artistas, de contagiar el interés a la población y comprender el arte como medio de expresión y de escuchar a esos colectivos y artistas, muchos de los cuales no tienen un fácil acceso a este mercado. Un buen empujón para lograr estos objetivos sería la consecución de un mayor apoyo por parte de las instituciones a la promoción y el desarrollo de educación, espacios y actividades culturales y la organización social en torno a la creación y dinamización de redes culturales, siempre enfatizando en la democratización de la cultura.

 

Más información y obras expuestas aquí.

Ayanda Mabulu hace tambalear la FNB Joburg Art Fair

Hace poco más de un mes tuvo lugar la sexta edición del FNB Joburg Art Fair, una de las ferias de arte contemporáneo más importantes de la escena sudafricana en artes visuales. Unos 10.000 visitantes, 27 galerías de seis países y doce proyectos destacados formaron este punto de encuentro producido por Art Logic y esponsorizado principalmente por el First National Bank (FNB) que además da nombre  a la Feria. Los objetivos de la Feria son el de hacer crecer la audiencia de arte africano y, teniendo en cuenta la emergencia del arte contemporáneo africano en la escena artística mundial, dar visibilidad y un espacio también de cara a las galerías europeas para que acudan y participen en este encuentro. La feria, que tuvo lugar del 27 al 29 de septiembre en Johannesburgo, ha tenido como foco central la fotografía en cuyo ámbito se presentaron varios proyectos que destacamos.

BlackWhitePor una parte, el blanco y negro tomaron la Feria. Junto al fotógrafo Santu Mofokeng, se presentaron una serie de fotografías que datan de la época de 1890 a 1950 y que reflejan y cuentan la historia de familias  de clase media sudafricanas. Por otra parte, el fotógrafo de Die Antwoord, Roger Ballen presentó su reciente libro publicado “Roger Baller – Die Antwoord”. También se presentó Phantams at the Non-City, una selección de esta edición del Lagos Photo Festival de Nigeria celebrado hace unos días en Lagos.Este proyecto examina como el desarrollo de los centros urbanos en África y el avance técnico de la fotografía han transformado nuestro sentido del lugar en un mundo conectado y globalizado. Los artistas seleccionados fueron Cyrus Kabiru, Karl Ohiri, Uche Okpa-Iroha, Adeola Olagunju y Mouhamadou Sow.

Con motivo de este foco en la fotografía también se realizó una muestra comisariada por Michket Krifa y Laura Serani en la que se mostraba el trabajo de fotógrafos emergentes como Arturo Bibang (Guinea Ecuatorial), Zanele Muholi (Sudáfrica) y Uche Okpa-Iroha (Nigeria), entre otros muchos.

Artista Destacado 2013: David Goldblatt

Artista Destacado 2013: David Goldblatt

El artista destacado este año, fue el fotógrafo David Goldblatt que presentó su colección The Structure of Things Then – and After, que se centra en el “contexto estructural, la complejidad de la interacción cultural social, política y económica entre el realizador de la estructura y la estructura misma durante los años de aparthed. Las imágenes tratan de estructuras en Sudáfrica que son la confirmación física de algunas fuerzas que han formado Sudáfrica y su sociedad antes del final del apartheid”. 

Pero sin duda alguna el capetoniano Ayanda Mabulu ha sido uno de los protagonistas de esta edición. Antes de la inauguración de la Feria, los organizadores le comunicaron a la galería Commune1 que representa a Mabulu, que iban a retirar su obra Yakhal’inkomo (Hombre negro llorando). Esta impresionante obra rememora la matanza de Marikana justo un año después y en ella se puede ver a un minero con cuernos representando metafóricamente la muerte de un toro toreado por un matador blanco que utiliza la bandera de Sudáfrica como capote. Este minero a su vez está siendo atacado por un perro que representa a la policía y que es llevado por Zuma mientras pisa la cabeza de otro minero. La reina de Inglaterra y el Príncipe de Gales se ríen al ver la escena y otros políticos y empresarios aparecen en una escena que tiene el logo del ANC manchado de sangre como elemento central.

Ayanda Mabulu posa con su obra

Ayanda Mabulu posa con su obra

Para justificar esta decisión, Ross Douglas director de Art Logic (productora del evento) argumentó que no estaban recibiendo presiones por parte de FNB o del gobierno, pero que habían decidido retirar la obra motu proprio porque “podría comprometer su compromiso con la economía creativa”. Ante esta decisión, considerada de autocensura por el mundo del arte y la cultura, la Feria y sus organizadores recibieron un aluvión de críticas. Tanto sorprendió al público y al mundo del arte, que el artista destacado de esta edición, el fotógrafo David Goldblatt (representado por la galería Glodblatts), amenazó con retirar su obra si no se volvía a incluir la de Mabulu ya que, según el artista, ese tipo de decisiones desarrollan la cultura de la autocensura en Sudáfrica, un problema heredado del apartheid y contra el que aún no se ha podido acabar.

Finalmente los organizadores decidieron exponer de nuevo el trabajo de Mabulu de nuevo en la Feria, para evitar que el resultado de esta edición fuese un desastre (según la organización).

No es la primera vez que el trabajo de Mabulu ha creado controversias y se ha intentado censurar su trabajo. Hace un año, en el marco de la exposición Our Fathers, organizada por el AVA gallery de Cape Town, el artista expuso su obra Umshini Wam (Armas de Destrucción Masiva) que mostraba al Presidente Zuma con el traje tradicional zulú mostrando sus genitales. Esto fue condenado radicalmente por el gobierno del ANC, que lo vio como una falta de respeto hacia el Presidente e intentó que se retirase de la exposición.

La obra de este artista es una crítica feroz al gobierno y al poder a pesar de que él mismo afirma que no es una falta de respeto, sino un toque de atención a “una clase política que no escucha a la población más pobre”. Ello se puede ver también en la obra Ngcono ihlwempu kunesibhanxo sesityebi (Zulu: “Mejor ser pobre que una marioneta rica“) en la que además integra políticos del panorama internacional como Obama y a personajes importantes como Desmond Tutu Nelson Mandela, Robert Mugabe y el propio Zuma.

"The Spier" de Brett Murray

“The Spier” de Brett Murray

 

La inspiración de este artista, así como la preocupación del gobierno del ANC con la recurrente aparición de Zuma no bien parado en el mundo del arte, tiene su origen hace un año y medio (mayo de 2012) con la creación de la obra The Spier, del artista sudafricano Brett Murray (que también participó en la exposición de AVA Gallery). Esta obra, que representa a Zuma con la pose de Lenin mostrando los genitales, fue expuesta en la Galería Goodman de Johannesburgo y causó una gran controversia en el país por los constantes intentos por parte del gobierno de censurarla y calificarla como obra pornográfica. El dibujante de cómic sudafricano más destacado del país, Zapiro, también se ha hecho eco de esta obra de Brett Murray, añadiendo su propia crítica al Presidente del ANC.

 

 

 

 

 

 

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Estos hechos han activado un sentimiento de preocupación en torno a la censura y la autocensura en Sudáfrica en cuanto a las creaciones artísticas, ya que el pasado está aún muy presente en el mundo del arte y rememora las dificultades históricas para la difusión de las creaciones de artísticas críticas con el sistema, como el arte de resistencia.

 

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El Peine Afro : 6000 años de cultura, política e identidad

Ilustración de Pamela Clarkson

Ilustración de Pamela Clarkson

El peine afro ha estado a menudo asociado a los 70. Accesorio del peinado que representaba los derechos civiles en una época importante como bien nos contaba Vanessa Anaya en su artículo El Afro, reivindicación de la identidad negra a principios de este año. Aproximadamente medio siglo atrás, no sólo el peinado, sino el peine afro, era un objeto de no sólo adorno sino un emblema político y firma de una identidad colectiva que manifestaba su rechazo a la opresión también. No fueron muy visibles en occidente antes de esta época, lo que ha llevado a pensar que su invención ronda este tiempo.

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En este artículo os presentamos la mayor exposición dedicada al peine afro de todos los tiempos : Orígenes del peine afro. 6.000 años de cultura,politica e identidad’, comisariada por Sally-Ann Ashton y vigente hasta el próximo 3 de noviembre en el Fitzwilliam Museum de Cambridge, que se ha propuesto desmantelar este mito. El peine afro data de la época del antiguo Egipto y el más viejo de su colección tiene 5.500 años. De hecho los peines, en general forman parte de las herramientas más antiguas encontradas por arqueólogos, siempre presentes entre las más importantes herramientas de la civilización humana. Y siempre han tenido varios usos. Desde el aseo de la cabeza, al adorno (símbolo de jerarquía para los mayas), para poner el cabello en su lugar (o mantilla como lo haría la peineta en España) o incluso para fines musicales.

‘La exposición expresa la unidad de la arqueología y la antropología, donde el arte se encuentra con historias humanas personales , observando patrones de cambio y continuidad de esta tradición cultural vital’. (Sally-Ann Ashton, comisaria exposición).

Esta exposición multidisciplinar que conjuga arqueología, antropología, arte y sociología  lleva a cabo una investigación con una involucración popular comunitaria muy interesante alrededor de uno de los temas que más me fascinan de la antropología que es la carga simbólica de todas las cosas, haciendo que estas cobren un valor que trasciende el del propio objeto y su representación física. Si tomamos el cabello y el peine en este contexto como símbolo de cultura, identidad y política, ‘poner en su lugar’, ‘peinar’, ‘desenredar’ son metáforas extremadamente bellas.

‘El objeto es pensamiento solidificado’ – Claude Lévi – Strauss, antropólogo.

Digable Planets / Indra Ethnik

Digable Planets / Indra Ethnik

 

En muchas sociedades africanas, antiguas y modernas, el peine afro simboliza status, afiliación a un grupo, a creencias religiosas y está codificado en propiedades rituales. Las propias decoraciones de los peines tienen motivos que hacen referencia a la naturaleza y al mundo espiritual. En el siglo XX, los Afro Combs o Peines Afros han asumido un mensaje más amplio a nivel  político, tal vez sobre todo en forma de “peinepuño” patentado en America en 1976, que hace referencia al saludo del movimiento Black Power. Estos ideales se siguen haciendo eco en proyectos contemporáneos.

 

Fotografía de Andrew Esiebo

Fotografía de Andrew Esiebo

La exposición cuenta con más de 300 peines en préstamo de prestigiosos museos y  donaciones particulares. Todos ellos verdaderas obras de arte tallados en madera, marfil u otros materiales con diseños geométricos diminutos que llegan a incluir hasta pequeños cristales de colores. La exhibición cuenta también con fotografías, ilustraciones y esculturas que muestran una amplia variedad de peinados encontrados en África y alrededor del mundo y muestra cómo los peines se han utilizado desde la antigüedad. Una galería de interacción digital muestra proyecciones de historias personales acerca de los peines y tipo de cabello africano, así como la contribución que el estilo personal ha tenido que jugar en mantener y expresar identidad cultural.

Peines Akan , Ghana.

Peines Akan , Ghana.

La muestra que tuvo lugar paralelamente en el Museo de Arqueología y Antropología de la misma ciudad (en esta ubicación ya finalizada) optó por acercar la historia al presente mediante tres instalaciones de arte contemporáneo conectadas sobre cultura del pelo afro, estilo y política del artista y escritor Michael McMillan. Las instalaciones mostraban el desarrollo de la industria globalizada del pelo afro, la politización y la popularización de los afros y rastas y el nacimiento del ” Salon Cottage ‘ en el hogar, tienda/salón de peluquería. Las instalaciones se completaban con una proyección que mostraban diferentes manos peinando y una serie de fragmentos de audio, que se podían escuchar sentado bajo un secador de salón de belleza.

'South African Township Barbershops & Salons ' Libro de fotografía de Simon Weller.

‘South African Township Barbershops & Salons ‘ Libro de fotografía de Simon Weller.

Afro Hairstyle IX Competition en Cali, Colombia 2013.

Afro Hairstyle IX Competition en Cali, Colombia 2013.

Una de las muestras más importantes de la exposición fue la de los peines con historias perdidas. No tienen historia porque nunca se registraron en el momento. Con suficientes contribuciones del público podemos crear un archivo importante que refleje una parte única de nuestra cultura global en la actualidad y seguir la historia para futuras generaciones.’ —manifiesta Ashton—. Así que la exposición no acaba aquí. Viene con un proyecto en curso que se propone trazar una cartografía de la historia y significado de este objeto icónico en sus 6000 años de historia en África y a través de su resurgimiento en la diaspora de América, Gran Bretaña y el Caribe, creando un sitio interactivo junto a todos los testimonios posibles. Testimonios animados a contribuir con historias personales tanto a la exposición como a este relevante archivo histórico único : ORIGINS OF THE AFRO COMB.

Origins of the AfroComb Project

Origins of the AfroComb Project

Fuera de la muestra del museo, el proyecto se retroalimenta poniendo a nuestro alcance un espacio virtual con un paseo por la historia del peine afro, desde un timeline y mapa de sus orígenes, hasta una videoteca, audioteca, foro, blog, galería de imágenes… y toda una comunidad unida en la investigación. Las contribuciones del público en la ampliación de historias son y serán bienvenidas a través de esta página web

Fotografía Okhai Ojeikere

Fotografía Okhai Ojeikere

El lenguaje del pelo en el antiguo Egipto

El lenguaje del pelo en el antiguo Egipto

 

Cuatro de las principales líneas de investigación propia de Ashton se reflejan en esta exposición y proyecto: conservación de museos, egiptología, trabajo de campo antropológico en Jamaica y el liderazgo de un proyecto innovador de las prisiones a largo plazo a través de Inglaterra, la enseñanza de la historia negra y al mismo tiempo estudiar el impacto del encarcelamiento en el pelo.

 

Si te interesan los próximos capítulos de esta liberación, estás invitado y a un solo click de formar parte de la historia.

Origins of the Afro Comb Project Cambridge 2013

Origins of the Afro Comb Project Cambridge 2013

 


Otras fuentes:

Jung, C. El hombre y sus símbolos. Barcelona: Paidos, 1964.

Douglas,M. Símbolos naturales: exploraciones en cosmología. Madrid: Alianza, 1978.

Lévi-Strauss,C. El pensamiento salvaje. México,D.F; Buenos Aires: Fondo de Cultura Económica, 1964.

Sahlins,M.D.Cultura y razón práctica.Barcelona:Gedisa,1988.

Sperber,D. El simbolismo en general. Barcelona: Promoción cultural, 1978.

Naval y Ayerbe, F. Arqueología y bellas artes, Madrid 1922.

http://www.cam.ac.uk/

Ecos de África: Identidades y tendencias cosmopolitas

Identidades y tendencias de moda étnica emergentes en la sociedad cosmopolita occidental actual

 

Fuente Imagen : estilista y blogger colombiana Angelica Castillo Balanta

Fuente Imagen : estilista y blogger colombiana Angelica Castillo Balanta

La moda etnochic crece como la espuma. Ya son varias ciudades dentro y fuera del continente europeo  las que se suman al oleaje de organizar ‘African’ o ‘Ethno Fashion Weeks /Weekends’ al ver ahí un mercado en auge. Si bien en París, Labo Ethnik cuenta ya con 6 ediciones organizadas por Yvette Tai siendo una de las ciudades con mayor trayectoria, le han seguido en 2012 Ethno Tendance Fashion Weekend Brussels organizado por la también diseñadora Cerina de Rosen, en 2011 Africa Fashion Week London organizado por Ronke Ademiluyi y Black Fashion Week Paris organizado por la también diseñadora senegalesa Adama Paris (Adama Ndiaye), y lo harán este año 2013 Africa Fashion Week Amsterdam y Black Fashion Week Montreal (con la misma organización de las dos últimas mencionadas respectivamente) entre muchas otras. Poco a poco y paralelamente, también aparecen todo tipo de subsectores especializados como por ejemplo editoriales o portales de shopping online. Cosa que no ha pasado desapercibida a grandes cadenas como H&M (Suecia), e Inditex (ES), operando con Zara, Pull&Bear, Stradivarius y Bershka entre otras, a la hora de incluir estampados étnicos en sus colecciones a pesar de que el término ético en sus producciones quede en segundo plano . Si bien otras, se especializaron en esta tendencia desde hace mucho más tiempo como Urban Outfitters (US) operando con Anthropologie y Free People, o Rapsodia (Argentina).

Me sumergí en este mundo en abril de 2012 como diseñadora, y he tenido el placer de ser la primera española en salones internacionales de arte y diseño étnico que parecen ser por ahora  los pocos escenarios donde se dan cita creadores e interesados, en este campo tan específico y todavía desconocido para muchos, de la moda etnochic (un campo todavía desértico en España). Un término, en mi opinión de doble filo, ya que por un lado une por primera vez y positivamente el concepto etno a elegancia como objetivo y definición per se, pero que por otro hace confundir negativamente en la organización de muchos de estos salones lo ‘chic’ versus lo ‘elitista’. Siendo fácil caer en la contradicción y la doble moral entre la concepción y definición de algunos de ellos con la propuesta final.

Respecto al término afropean, nace para describir la influencia transcultural bien de personas de origen mixto o de personas pertenecientes a la diáspora africana residentes en Europa. La primera vez que se utilizó fue por David Byrne para describir a la artista belga de origen zaireño Zap Mama  y después popularizado por el dúo de hermanas afro-francés Les Nubians.

Sin duda, la música negra ha sido referente también en cuanto a la estética y aunque a priori es un género musical también escuchado en su mayoría por la diáspora en España, lo es cada vez menos. Una estética que enamora a negros y a los blancos más bohemios que sucumben al encanto de los colores, la originalidad de maquillajes y peinados, y expresividad de la esencia africana siempre presente en su vertiente más o menos tradicional. Quizás simplemente, una disciplina artística donde el término se ha manifestado previamente al de la moda creando progresivamente tendencia como ha hecho siempre.

Esta moda ha nacido en las ciudades europeas donde hay mayor diáspora africana en Europa ,París y Londres, donde personas nacidas en Europa de familia africana sienten la necesidad de casar en este caso su doble identidad. Apareciendo así, la idea de utilizar tejidos africanos tradicionales con patronaje occidental. Como sabemos, la mayoría del continente africano está dividido en países de habla francófona y anglófona tras la colonización por lo que no es de extrañar que el flujo migratorio se haya dirigido en mayor medida hacia las capitales europeas de ambas lenguas en este continente.

Diseñadora de moda francesa cuyo origen se encuentra en las Islas Comores (África), Sakina M’sa. Fotografiada por Arthur Deloye. Una cara afroasiática heredada de la historia de su archipiélago de origen , con Indonesia.

Sakina M’sa fotografiada por Arthur Deloye. Una cara afroasiática heredada de la historia de su archipiélago de origen (Islas Comores en Africa) con Indonesia.

Antropológicamente, es un fenómeno absolutamente relacionado con esta migración y estas nuevas identidades que surgen de ella tanto como “hijos y nietos de” o, como habitantes de la ciudad que estando o sin estar relacionados en sus generaciones más directas con las migraciones, reciben este ambiente cosmopolita e influencia de otras culturas. En este caso, el resultado del proceso de globalización no sería una homogeneización de la cultura sino que debemos hablar de procesos de hibridación que han ido siempre naturalmente intrínsecos a la condicion migratoria del ser humano a  lo largo de la historia y del que son fruto todas las culturas y personas. Proyectos como Afropean están en curso donde el británico de descendencia africana Johny Pitts se propone investigar, explorar y celebrar la interacción social, cultural y estética de la cultura afroeuropea en el arte y la vida a través de la mirada del postcolonialismo.

Los elementos clave de esta tendencia serian la expresión de esta nueva identidad y también de orgullo de la misma frente al rechazo social que respira la historia frente a todo lo que no sea caucásico sin olvidar el valor simbólico y social que pueden aportar a la sociedad iniciativas y proyectos creativos que trabajan en este caso con tejidos como herramientas de empoderamiento, visibilidad positiva y cambio. Trabajando no sólo el concepto étnico sino también el ético, el punto que encuentro más interesante dentro de este mundo y que personalmente me empuja a trabajar en mi propia marca Totem Taboo. Lejos de la frivolidad ,superficialidad y elitismo del mundo de la moda en sí mismo desde el que se pueden ver comprometidas y seducidas otras personas.

TOTEM TABOO

TOTEM TABOO

Si tuviera que hacer un top 10 dentro de la escena del arte y diseño en la moda afropean señalaría a Kezia Frederick (Inglaterra), a Namsa Leuba (Suiza) o a Stella Jean (Italia-Haití) entre muchos otras. Todas, artistas desde diferentes disciplinas, pertenecientes a la diáspora africana.

‘”I am half Italian and half Haitian – Haiti is the First Free Black Republic. That’s why I have decided to melt the European striped shirt (colonialist side) with the wax fabrics – but in a 60s style. This collection reflects me completely.” Stella Jean

 

Pero también destacaría a la francesa Toubab Paris, a las americanas Mara Hoffman y Boxing Kitten como parte de las más consolidadas, y dentro de las más emergentes a la alemana Nyah und Ich, a la inglesa Bombe Surprise, o a la australiana Kazz the Spazz.

Toubab Paris / Boxing Kitten / Bombe Surprise / Mara Hoffman

Toubab Paris / Boxing Kitten / Bombe Surprise / Mara Hoffman

Todas ellas artistas/diseñadoras blancas, grandes enamoradas de África, pertenecientes diría yo, a otra clase de diáspora, la que por lugar de residencia, condición  humana y convicciones politicas está en contacto directo con ella.

Y que teniendo o sin tener una historia personal familiar directa relacionada a nuestras espaldas, no olvidamos que todos tenemos los mismos ancestros, nos sentimos igual de apasionadas, comprometidas y orgullosas con y para el continente madre de la humanidad y entendemos el concepto de identidad como algo relacionado a la experiencia, no a la raza. De hecho, en su mayoría, no trabajamos exclusivamente el afropean sino el etnopean ampliando el concepto y nuestro amor por la diversidad cultural global reflejada en nuestras colecciones multiculturales,  mujeres que proliferan no sólo en el campo del diseño sino en el editorial escribiendo libros como ‘Afro, a celebration’ de Katell Pouliquen, ‘New African Fashion’ de Helen Jennings  o sin ir más lejos, los mismos emprendedores de Wiriko, portal de arte contemporáneo africano donde se publica este artículo.

Helen Jennings / Katell Pouliquen /Jacqueline Shaw

Helen Jennings / Katell Pouliquen /Jacqueline Shaw

Dentro del universo de influencia étnica en general,  hay grandes diseñadores que lo trabajan desde hace tiempo como Bodymap (1982), Sass & Bide (1999) o Ingrid Fey (2009) cuyo estilismo ha protagonizado muchas imágenes de la conocida cantante Ebony Bones, entre muchas otras.

precursores

Bodymap / Sass&Bide / Ingrid Fey

Además de las grandes marcas que han incluido esta idea en sus colecciones como Kenzo, Issey Miyake, Givenchy , Jenny Kee, Jean Paul Gaultier o Burberrys aunque éstas últimas lo hayan hecho por motivos muys distintos como mencionábamos en el primer párrafo. Por no mencionar a Benetton, tan veterana en el ‘espíritu’ de su marketing, y tan hipócrita después de expropiar a multitud de comunidades de sus tierras en Sudamérica para expander sus fábricas.

Por lo que el aspecto más importante a destacar es que la influencia del continente negro, entre otros, no deja de hacerse eco, creciendo y construyendo en Occidente un nuevo imaginario sobre la belleza asociada también a culturas ajenas. En este caso, lo ‘black’ se reivindica dentro y fuera de la comunidad negra, más ‘beautiful’ que nunca.

Una chica negra, en el primer salón internacional en el que estuve en 2012, me preguntó cómo era posible que una chica blanca trabajara con telas africanas wax. Mi respuesta fué que en parte para evitar preguntas como esa. Creo que las diseñadoras blancas trabajando con el concepto afro o más ampliamente como en mi caso, el etno, somos el vivo reflejo de lo que los partidarios de la interculturalidad quieren ver, y de lo que los mismos diseñadores sea cual sea su procedencia en este sector, defienden en sus lookbooks a la hora de escoger a sus modelos , crear su imagen y mensaje de mestizaje.