Nobukho Nqaba: migraciones de plástico en el LagosPhoto Festival

Las fotografías que nos llegan desde África a menudo plasman un escenario bipolar: el horror humano y la belleza natural. Pero lo cierto es que la fotografía es una manera de mirar y cada vez son más quienes observan que en medio del blanco o negro, al que se ha relegado tradicionalmente al continente, existe una extensa escala de grises. Entre aquellos que apuestan por esta visión está la Fundación de Artistas Africanos (AAF, por sus siglas en inglés), una organización que desde 2010 muestra en Nigeria proyectos fotográficos que plasman esas ‘otras Áfricas’ a través del LagosPhoto Festival. Un evento que hasta el próximo 27 de noviembre celebra su VI edición, en esta ocasión bajo el título Designing futures. Una temática que se sirve del diseño para promover el fin del destierro hacia lo negativo al que se ha enviado la imagen de África. Ejemplo de ello es el trabajo de la sudafricana Nobukho Nqaba, quien hace de una bolsa de plástico un símbolo de la migración.

Autorretrato perteneciente a la serie 'Unomgcana', de N.Nqaba / Between 10 and 5.-

Autorretrato perteneciente a la serie ‘Unomgcana’, de N.Nqaba / Between 10 and 5.-

Cuando Nobukho Nqaba (Sudáfrica, 1992) era una niña vivía en Butterworth, en la provincia sudafricana de Cabo del Este. Su madre trabajaba al otro extremo del país, en Grabouw, ciudad del Cabo Occidental. Un verano se desplazó hasta allí para pasar las vacaciones y su padre le metió sus cosas en una unomgcana, también llamada umaskhenthe, una bolsa de plástico muy grande que en el idioma xhosa significa respectivamente ‘que tiene líneas’ o ‘viajero’. Un significado acorde a su descripción y a su uso, ya que estas bolsas de líneas que forman cuadros son las más usadas en Sudáfrica para desplazarse de un punto a otro del extenso país. Son baratas, son enormes y son resistentes, por lo que se puede llevar muchos objetos en ellas sin temor a que se desgarren. Nobukho las usó tantas veces como ocasiones tuvo de mudarse de un punto a otro de Sudáfrica. Una experiencia que le supuso relacionar la migración con la supervivencia, el reto de adaptarse a un lugar distinto y hacerlo de nuevo suyo a través de los objetos que portaba en su unomgcana. De ahí que para ella, esta bolsa signifique hogar y lucha. Un concepto que ha querido desarrollar a través de una serie de fotografías que lleva precisamente el título de ‘Unomgcana’ y que forman parte del LagosPhoto Festival de este año.

La joven fotógrafa explica para la revista Ours: “Crecí rodeada de unomgcana”. Y parece que éste es el sentido que busca en sus composiciones, en las que todo lo que la envuelve a ella está envuelto a su vez del plástico a cuadros que caracteriza a estas bolsas. Como si quisiera traspasar el significado de hogar que le da a la unomgcana a partir de los objetos personales que contiene, para hacer directamente de la instalación algo personal, forrándolo de su estampado. De este modo, la serie de fotografías están compuestas de autorretratos que plasman escenas de la vida cotidiana en las que la auténtica protagonista es la unomgcana. Ella lo invade todo, haciendo de estancias distintas lugares familiares que impregnados de esta bolsa eliminan las diferencias de los espacios realzando el elemento común, identificable, de la unomgcana. Y así es como Nobukho Nqaba relaciona los significados de hogar y supervivencia a través de una bolsa.

N. Nqaba mirándose al espejo de su instalación 'Unomgcana' / The Tierney Fellowship.-

N. Nqaba mirándose al espejo de su instalación ‘Unomgcana’ / The Tierney Fellowship.-

“Estoy interesada en los objetos y en las cosas que me pesan en la memoria y  siempre estoy queriendo encontrarles los significantes y los significados a las cosas que son familiares para mí y también a las que no me son familiares. Cuando estoy haciendo un proyecto siempre me miro a mí misma primero y a cómo me identifico con los objetos que quiero explorar. Después miro hacia un ángulo más amplio y desgrano cómo las cosas que me interesan afectan a otras personas”, explica la artista al blog de fotografía Orms. Es entonces, a partir de esta amplitud de miras, que su concepto de unomgcana trasciende su propia experiencia para llegar a observar las mismas bolsas sujetas por otras personas que se dirigen a otros destinos, lo que le lleva a plantear este objeto como símbolo de la migración. Al fin y al cabo, si bien es cierto que en xhosa se llaman unomgcana o umaskhenthe, en realidad lo más común en Sudáfrica es llamarlas ‘bolsas chinas’ de donde es su procedencia; o ‘bolsas de Zimbabwe, país vecino de donde llegan muchos de los portadores de esta clase de equipaje.

Y más allá de las fronteras sudafricanas, en otros puntos del continente reciben apelativos distintos. Como en los países de África Occidental donde se denominan ‘Ghana must go bags’, en referencia a la expulsión de miles de ghaneses de Nigeria a principios de los ochenta. Incluso más allá de las fronteras del continente cada vez es más visible que entre los bultos del equipaje estén estas enormes bolsas de plástico con cuadros estampados. En Reino Unido responden al término ‘bolsas de Bangladesh’; en Alemania son conocidas como ‘bolsas turcas’; y en Estados Unidos se las reconoce como ‘bolsas mexicanas’. Así, tal y como señala la joven fotógrafa Nobukho Nqaba cuando relaciona este objeto de plástico con la migración, si siguiéramos la pista de este tipo de equipaje bien podría trazarse un mapa mundial de los desplazamientos a través del calificativo que reciben estas bolsas en el lugar a donde llegan y en función de los rostros que las portan.

Fotografía perteneciente a la serie 'Unomgcana', de N.Nqaba / LagosPhoto Festival 2015.-

Fotografía perteneciente a la serie ‘Unomgcana’, de N.Nqaba / LagosPhoto Festival 2015.-

Making Africa: el arte contemporáneo africano llega al Guggenheim de Bilbao

Nada más entrar, las gafas del artista kenyano Cyrus Kabiru dan la bienvenida al visitante. Son gafas hechas de materiales reciclados, que se mueven entre las fronteras de la escultura, la performance, la moda y el diseño. Sabemos que nuestra visión de África está formada por clichés y un imaginario colectivo reduccionista, por ello, la obra de Kabiru nos invita a adoptar nuevas perspectivas de la realidad. Las gafas pueden reducir tu campo de visión, focalizar o imponer una cierta perspectiva, pero también pueden ofrecerte una nueva forma de ver las cosas. Este es el objetivo de “Making Africa: un continente de diseño contemporáneo”.

Vitra Design Museum

Vitra Design Museum

La exposición es obra de una colaboración entre el Vitra Design Museum (Weil-am-Rhein, Alemania) y el Guggenheim de Bilbao, en el que podrá visitarse del 30 de octubre 2015 al 21 de febrero 2016. Su objetivo es cuestionarse de qué manera el diseño influye en los cambios políticos, sociales, culturales o tecnológicos en el mundo, y para ello vuelve su mirada hacia África y una nueva generación de creadores, pensadores y artistas, presentando una serie de obras interdisciplinarias. Su intención no es abarcar el continente entero, un continente plural con miles de realidades distintas, sino mostrar una nueva visión de éste, lejos de los prejuicios a los que los medios nos tienen acostumbrados: un continente que cambia a pasos agigantados, que crea, que emprende. 

En el prólogo de esta exposición, a parte de la obra de Cyrus Kabiru, también podemos encontrar vídeos con numerosas entrevistas a personas vinculadas al mundo del arte africano, así como las conferencias de TED de Komla Dumor o Chimamanda Ngozi Adichie. Sin embargo, esta primera parte se centra sobretodo en cómo las artes gráficas contemporáneas representan al continente de una forma distinta y contribuyen así a una nueva visión. Sorprende, por ejemplo, la obra del artista sueco Nikolaj Cyon basada en una idea clave: ¿cómo sería el mapa político africano actual si Europa nunca hubiese colonizado el continente? De este modo, a partir de búsquedas históricas, el artista realiza un mapa con distintas fronteras que, al fin y al cabo, siguen siendo artificiales. Su obra nos invita a preguntarnos sobre si los conceptos europeos de “estado”, “nación”, “pueblo” o “frontera”, podrían ser aplicados al contexto africano. En esta sección también podemos encontrar el conocido mapa de Kai Krause “El verdadero tamaño de África”, algunas de las webs que muestran al continente lejos de clichés, tales como Africa is a country o African Digital Art, así como proyectos del ZIVA o de Slum TV.

Continuando la exposición nos encontramos con “I and We”, una sala en la que se nos presenta al diseño como herramienta para mostrar la pertenencia a un grupo o distinguirse del resto, sin olvidar las dimensiones políticas y sociales. Se trata de presentarnos una nueva generación de africanos que se perciben como parte de una cultura globalizada, utilizando blogs, redes sociales o Youtube, sin embargo, no se dedican a copiar las tendencias occidentales, sino que toman algunos códigos y los transforman para crear nuevas formas de expresión cultural propias. Aquí encontramos, por ejemplo, “Coz Ov Moni” del dúo de raperos ghanés FOKN Bois, la primera comedia musical del mundo en pidgin, disponible además en Youtube, un mediometraje que muestra la vida cuotidiana de dos jóvenes en Accra. También se presentan al visitante algunas portadas de Ovation, la revista de prensa rosa africana por excelencia, y se trata el tema de la moda exponiendo, por ejemplo, el trabajo de la marca senegalesa Nafytoo, la primera en África subsahariana especializada en el mundo de la lencería, o el blog sudafricano sobre moda más influyente: “Skattie, what are you wearing?”, víctima de su éxito convertido ahora en la web Skattie.

En esta sala destacan sobretodo las fotografías del proyecto “The Studio of Vanities”, del fotógrafo senegalés Omar Victor Diop. En su obra, Diop ha querido retratar a las personalidades de la escena artística y cultural de Dakar de su generación, realizando una composición propia de fotografía de estudio que recuerda directamente a los pioneros Malick Sibidé y Seydou Keïta, artistas a los que pretende homenajear y que también podemos encontrar en esta exposición.

“Space and Object” es el penúltimo tema de Making Africa. En él encontramos obras que tratan del individuo y de su entorno, en especial relacionado con las grandes ciudades. África es el continente con la tasa de urbanización más elevada del mundo y sus grandes ciudades, que crecen a gran velocidad y normalmente de forma caótica, están lejos de cubrir las necesidades de sus habitantes, en especial de los más desfavorecidos. En Making Africa se nos presentan obras que tratan y analizan ese crecimiento incesante, mostrando que dicha densidad urbana presenta retos sociales, económicos, políticos, medioambientales y culturales que deben ser abordados.

En esta línea encontramos, por ejemplo, el proyecto Map Kibera, ideado por el cartógrafo Mikel Maron, o el Urban Africa Project del arquitecto David Adjaye. Impresionante es la instalación escultural “Jua Kali City” de los artistas Tahir Carl Karmali, Dennis Muraguri y Tonney Mugo. Jua Kali, término swahili que significa “sol feroz” (fierce sun), se refiere en Kenya al sector de la economía informal, un sector que nace de la necesidad y que representa la principal fuente de ingresos para la mitad de la población del país. La instalación se compone de dos grandes ruedas dentadas: las mayor, hecha de acero, madera, cristal y componentes informáticos, representa la economía “oficial”. La menor, compuesta de deshechos metálicos y de madera, representa la economía informal. La intención de sus autores es reflejar que sin la creatividad de ese sector informal, la economía formal no podría progresar.

“No miramos hacia el este ni hacia el oeste, miramos hacia el futuro”. Esta frase del primer presidente de Ghana, Kwame Nkrumah, representa perfectamente la última parte de Making Africa: “Origin and Future”. África y sus nuevos creadores miran hacia el futuro, pero la presente mundialización también les hace reflexionar sobre sus raíces. Algunos artistas se vuelven hacia las figuras más destacadas de su continente, como es el caso de la colección “Bour Sine – Hommage à Senghor,” de la creadora y estilista senegalesa Oumou Sy, o del proyecto “Mandela Poster Project Collective”, idea creada por un grupo de artistas sudafricanos con motivo del 95º aniversario de Nelson Mandela. Otros cuentan historias prácticamente desconocidas, como la realizadora ghanesa Frances Bodomo y su cortometraje Afronauts, en el que se inspira de una historia real: Zambia, después de su independencia, creó un programa espacial ambicioso cuya petición de financiación fue rechazada por la UNESCO, razón por la cual el proyecto cayó en el olvido. Bodomo muestra la motivación y el optimismo del proyecto, que a su vez enviaba un mensaje a otros países ignorados mediáticamente. Sin embargo, la ambición y competitividad americana y rusa en este tema durante la Guerra Fría dejó a los demás sin ninguna oportunidad.

En definitiva, Making Africa presenta al visitante un gran recorrido por el arte contemporáneo africano en múltiples disciplinas, mostrando cómo ayuda a cambiar la visión de África que tenemos fuera de ella, pero también cómo colabora de forma activa en la transformación del propio continente, siendo un importante motor de cambios sociales, económicos y políticos mediante proyectos que no sólo ayudan a dar visibilidad a ciertas problemáticas, sino que además influyen directamente en la vida de las personas.

 

Guggenheim de Bilbao

Making Africa

Vitra Design Museum

VVAA, Catálogo de la exposición “Making Africa: a continent of contemporary design”. Vitra Design Museum, Weil-am-Rhein, 2015.

 

Después del éxito en Nueva York, 1:54 vuelve a casa

La pasada semana tuvo lugar la tercera edición de la feria de arte contemporáneo africano 1:54 en Londres, coincidiendo con la feria de arte Frieze y Frieze Masters. Durante cinco días, los pasillos de Somerset House se han llenado de un sinfín de estilos, formatos, técnicas y medios que mapean la diversidad artística de un continente compuesto por 54 países.

1:54

1:54

Como ya había sucedido en las ediciones anteriores, ha sido necesario para los miembros de la organización de la feria 1:54 ampliar el espacio expositivo en el histórico edificio que, este año, ha albergado a 38 galerías, once más que en su edición anterior, y de las cuáles catorce provenían del continente. Además, un inmenso número de coleccionistas, amantes del arte y curiosos, han recorrido los pasillos de Somerset House.

Entre las galerías con más experiencia en el terreno, se encontraban la Galerie Cécile Fakhoury de Costa de Marfil; la October Gallery, una de las pioneras en exponer arte africano contemporáneo en Londres; la emblemática galería parisina del reconocido coleccionista de arte africano André Magnin, Magnin –A y la estadounidense AXIS Gallery con base en Nueva York. Entre las que han participado por primera vez en 1:54, se encontraban galerías con cierta trayectoria en el mercado del arte como Omenka Gallery de Nigeria o Ed Cross Fine Art de Londres, pero también galerías de reciente apertura como KooVha Gallery, con sede en Harare y Tamar Golan Gallery de Luanda, que dedican su esfuerzo a promocionar el trabajo de artistas emergentes.

Aboudia en Galerie Cécile Fakhoury

Aboudia en Galerie Cécile Fakhoury

A lo largo de las galerías, se pudieron admirar obras de grandes referentes ya consagrados como las archiconocidas máscaras recicladas del beninés Romuald Hazoumé, referente del así llamado arte tradicional africano, los colores vibrantes de las pinturas del ghanés Ablade Glover, los niños de las calles retratados por el marfileño Armand Boua, así como, las metafísicas esculturas de su compatriota Jems Robert Koko Bi, la fuerza de los trazos en los lienzos del senegalés Soly Cissé, el arte de compromiso social del sudanés Ibrahim El-Salahi, la artistización de las culturas árabes populares en manos del marroquí Hassan Hajjaj, quien además fue el encargado de decorar este año la sala VIP, los textiles entretejidos a modo artesanal por el maliense Abdoulaye Konaté, pero usados como herramienta de comunicación y compromiso político, las referencias a la guerra civil de Mozambique en el trabajo de Gonçalo Mabunda o los ataúdes de estilo único diseñados por el ghanés Paa Joe.

Entre los artistas emergentes destacados, se encontraba la fotografía documental del mozambiqueño Mário Macilau, quién además forma parte de la exposición del Holy See Pavilion del Vaticano como parte de la 56 edición de la Bienal de Venecia, el senegalés Eric Pina, para quien ésta era la primera vez que su trabajo se mostraba en Reino Unido y que retrata espacios imaginarios donde provoca encuentros de personajes solitarios, valiéndose simplemente de tinta china y guache sobre papel con una técnica y delicadez exquisitas y el nigeriano Karo Akpokiere, que se inspira en las culturas populares de Lagos en sus lienzos.

Cabe destacar el recorrido histórico por la fotografía de estudio africana, del cuál participaron diferentes galerías, representando a nombres como al beninés Joseph Moise Agbodjelou y a su hijo Leonce Raphael Agbodjelou, John Liebenberg y Bobson Sukhdeo Mohanlall de Sudáfrica, el burkinabé Hamidou Maiga y, no podía faltar, el senegalés Omar Victor Diop.

Entre la, escasa, participación femenina, se encontraba las Mujeres de Walworth de la aclamada escultora calabar Sokari Douglas-Camp, los trabajos de crítica medioambientalista de Otobong Nkanga, Miriam Syowia Kyambi, quien ya estuvo en la edición anterior y que, a través de su trabajo examina cómo la experiencia humana hoy en día es influenciada por impuestos históricos, colonialismo, violencia, familia y sexualidad, la norteamericana Ayana V. Jackson, quien analiza la condición africana y de la diáspora africana, y una jovencísima Ndidi Emefiele que hace una crítica a la influencia de los cánones de belleza occidentales en las sociedades africanas.

Las mujeres africanas artistas recibieron un merecido espacio de atención en la presentación del catálogo de la exposición Body Talk, dentro de las actividades paralelas organizadas dentro del FORUM 1:54, programa educativo curado por Koyo Kouoh, directora artística de RAW Material Company, en Senegal. Body Talk, que tuvo lugar a principios de año en el centro WIELS de Bruselas y curado por la senegalesa, mostraba el trabajo de 6 artistas mujeres africanas que utilizan como recursos para su trabajo, las ideas de feminismo, sexualidad y el uso del cuerpo.

El FORUM, además, ha centrado su tema de reflexión este año en reflexionar y desdibujar la frontera conceptual del Sáhara y que separa el continente en dos: el Magreb y el África Subsahariana. Los artistas y teóricos invitados partieron del desierto como referencia para hablar de movimientos globales, transnacionalidad, historiografía artística, migración y políticas identitarias.

1:54 se ha establecido como máximo exponente de Arte africano contemporáneo no sólo en Europa, sino también en el mercado internacional, tras el rotundo éxito obtenido en su primera edición en Nueva York, que tuvo lugar el pasado mayo.

Como anécdota queda decir que, mientras en la librería seguían estando disponibles los catálogos de las ediciones anteriores, a primeras horas de la mañana del domingo, se agotaron los catálogos de esta edición. Esto confirma el interés creciente, e incluso la aceptación y reconocimiento en el mundo occidental, del arte contemporáneo africano.

  • Fotografías hechas por Raquel Villar

Africa Utopia: arte e ideas de África que están cambiando el mundo

El pasado fin de semana el festival Africa Utopia volvió al Southbank Centre de Londres por tercer año consecutivo para celebrar el arte y la cultura de uno de los continentes más dinámicos del mundo. Este festival contempla cómo África puede liderar el camino, reflexionando sobre la cultura, la comunidad, los negocios y la tecnología e incluye temas que van desde la moda, el género y la política de poder, la sostenibilidad y el activismo.maxresdefault

Este año el festival ha presentado a los artistas africanos más prominentes en los ámbitos de la música, la danza, la literatura y el arte. Musicalmente, cabe destacar la actuación del batería legendario Tony Allen, uno de los cofundadores del Afrobeat que actuó con invitados especiales de la talla de Damon Albarn, el gran intérprete de kora Toumani Diabaté, su hijo Sidiki Diabaté y la estrella del rap franco-maliense Oxmo. Asimismo, deleitaron la súper banda senegalesa, Orchestra Baobab y la potente y conmovedora voz del maliense Kassé Mady Diabaté. El despliegue musical culminó con el histórico lanzamiento de la primera orquesta sinfónica negra y de minoría étnica del Reino Unido, Chineke! (el concierto completo se puede ver aquí) y con la actuación del icono sudafricano Spoek Mathambo, al que ya entrevistamos en Wiriko, y en la que se pudo ver su documental The Future Sound of Mzanzi. De igual manera, una nueva generación de artistas y DJs del Reino Unido con una fuerte influencia africana, como Afriquoi y African Head Charge, tuvieron la oportunidad de dar a conocer su música.

El teatro tuvo como representante  la original obra titulada Star Boy Productions que plasma las historias de supervivencia de emigrantes y refugiados africanos en Europa. Una selección de cortos galardonados con el Premio Baobab, sirvió de preludio al festival de cine africano de Londres, Film Africa, que comenzará el 30 de octubre y durará hasta el 8 de Noviembre.

Un rico programa de charlas y debates fue inaugurado por el embajador del festival, el gran cantante y defensor de los derechos humanos senegalés, Baaba Maal. El liderazgo, el papel de las artes en la creación de cambio social, así como desde el activismo digital o el feminismo africano fueron algunos de los temas tratados durante el festival.

Y la lista no acaba aquí. En el campo de las artes visuales podemos destacar la obra de Phoebe Boswell Transit Terminal (Terminal de Tránsito) expuesta en la entrada del Royal Festival Hall y que daba la bienvenida al visitante. La artista nació en Kenya y se crió como expatriada en Oriente Medio, hasta que llegó a Londres, donde ahora reside. Boswell utiliza el medio visual para tratar temas como las migraciones, la identidad o la exploración personal del hogar. Su obra, Transit Terminal presenta doce figuras en blanco y negro de personas de espaldas a tamaño real, dispuestas en columnas blancas. Situadas contra la vitrina de la entrada principal, parece como si estas figuras en su ‘tránsito’ mostraran al visitante el camino hacia África Utopía.

Las ventanas del Royal Albert Hall presenta el trabajo de Phoebe Boswell, Transit Terminal. Foto: Pete Woodhead

Las ventanas del Royal Albert Hall presenta el trabajo de Phoebe Boswell, Transit Terminal. Foto: Pete Woodhead

La galería Hayward que forma parte del complejo del Centro Southbank albergó la primera exposición en solitario en Londres del artista sudafricano Dineo Seshee Bopape, titulada Slow-Co- Ruption (Lenta Co-Rrupción) y que seguirá abierta al público hasta el domingo 27 de septiembre. Esta exposición presenta una selección de los vídeos de Dineo que mezclan remixes de sonidos con imágenes en montajes caleidoscópicos y una escultura creada exclusivamente para la galería con motivo del festival.

La artista Lakwena Maciver quien toma su inspiración de los diseños y la comunicación usados en la cultura popular, el arte callejero y la publicidad que coexisten en el entorno urbano, creó este fantástico mural hecho con cartulinas de colores.

Puestos con la más fantástica artesanía hecha e inspirada en África inundaron el Southbank Centre, convirtiéndolo en un frenético mercado africano. Entre los puestos más originales destacamos:  Dolls By Verona. C, muñecas hechas a mano con fieltro y vestidas con coloridas telas y estampados africanos; House of Loulee, línea de moda africana con ropa 100% de algodón con los diseños más geniales para los más pequeños; o Lela, que en swahili significa “belleza negra”, una muñeca negra icono de una línea de productos para niñas pequeñas. Ya fuera del Southbank Centre, al aire libre, un mercado con puestos de comida ofrecía las delicias de las cocinas del continente.

Collage de fotos del desfile, Diaspora Calling. Fotos: Rosa Pérez

Collage de fotos del desfile, Diaspora Calling. Fotos: Rosa Pérez

Como colofón, acabamos este artículo compartiendo lo que fue mucho más que un desfile de moda. Comisariado por Samson Soboye, Diaspora Calling, fue una celebración de la diáspora africana y la cultura de la moda. Todo un despliegue de estilo, belleza, juventud, color, talento, ritmo y desparpajo: un auténtico espectáculo. En palabras de Soboye: “la fuente de inspiración para esta colección combina tanto la ropa de calle, como la alta costura. No hace falta ser africano para llevarla.  Es una colección con una sensibilidad occidental, más moderna, más contemporánea y más ponible.  Agnes Cazin, la directora artística, añadió: “La moda africana se volvió a poner de moda hace cinco años. Celebremos que somos una nación de gente estilosa. El estilo nos une”.

 

Wiriko participa en el taller de impresión textil de Afro Retro

Lilly y Anna luciendo pañuelos impresos creados por ellas mismas. Foto de Afroretro

Lilly y Anna luciendo pañuelos impresos creados por ellas mismas. Foto de Afroretro

Dentro del sinfín de propuestas de este gran encuentro, no faltaron las actividades para los más pequeños, como el taller de impresión textil con las hermanas de Afro-Retro, Anna y Lilly, que Wiriko no se perdió. Afro Retro es una marca de artesanía y de moda, inspirada en Uganda y hecha a mano en Londres. Anna y Lilly diseñan kits de costura, joyería y accesorios, reciclando todo tipo de materiales. Las hermanas ugandesas guiaron a los participantes por un creativo viaje que acabaría en la creación de un estampado propio en tela. Lilly anunciaba los pasos a seguir y los participantes, listos con sus delantales, coloreaban y decoraban con ritmo sus láminas. Sin pausa para que no se secara la pintura, había que cubrir el dibujo con el trozo de tela, este a su vez con papel de periódico y prensarlo rápidamente con el rodillo. Una vez acabado el prensado ¡voilà!  Ahora solo había que esperar a que se secase la tela y decidir qué hacer con nuestra obra de arte textil.

 

‘África, Africans’: el Museo Afro Brasileño se acerca al continente

Yinka Shonibare

El Museo Afro Brasileño, es uno de los edificios más emblemáticos del Parque Ibirapuera en Sao Paulo. Proyectado por el arquitecto Oscar Niemeyer ,  y por el paisajista Burle-Marx ( en 1954, el parque alberga, entre otros, el edificio del Museo de Arte Moderna de Sao Paulo (MAM) y el edificio de la Bienal de Sao Paulo. Es por tanto un lugar lleno de historia y arte y donde los paulistas vienen a pasear, hacer deporte, escuchar conciertos y visitar exposiciones.

Yinka Shonibare MBE, The British Library

Yinka Shonibare MBE, The British Library

El Museo Afro-Brasileño se creó en 2004 por su actual director, el también artista y gestor Emanoel Araujo, una de las principales personalidades de la cultura brasileña. El propio museo, que pasa por ciertas dificultades financieras, tiene un importante acervo de arte africano así como de artistas brasileños descendientes de africanos. Es el mayor ejemplo de mestizaje de culturas y proporciona una lectura clara de la historia brasileña. Su complicado espacio arquitectónico es un desafío para todo comisario, debido sobre a la falta de luz natural y a los espacios pequeños que imposibilitan una visibilidad en conjunto del espacio.

Fue el mismo Emanoel Araujo quien seleccionó y organizó una de las más completas y complejas muestras de arte contemporáneo africano en Brasil. La exposición se inauguró con motivo del Día Internacional de África, el 25 de mayo y comprende una selección de más de 20 artistas africanos y de la diáspora. La exposición, títulada “Africa, Africans finalizó el pasado domingo 30 de agosto tras lanzarse el catálogo.

La exposición tiene como gran novedad la presentación de diferentes secciones dedicadas a diferentes géneros artísticos y está compuesta de 22 artistas heterogéneos, con diferentes lenguajes, técnicas, pero con la idea común de romper clichés y estereotipos acerca de la estética africana. Llama la atención en primer lugar esa mezcla de estilos, especialmente los artistas de origen africano que residen fuera del continente, como es el caso del artista Yinka Shonibare MBE, uno de los más reconocidos internacionalmente. Su obra The British Library muestra a través de 6225 libros una crítica transcendental del fenómeno de hibridación cultural y étnica en Inglaterra. Usando como novedad los tejidos africanos, el artista alega al colonialismo y al pos-colonialismo como ejemplo de esa diversidad del inmigrante africano, tal y como fueron sus orígenes. Para Yinka lo importante de la obra es mostrar el arte como ejemplo de contribución de los africanos al Imperio Británico.

Otro de los grandes artistas de la muestra, es El Anatsui, con una singular obra. De origen ghanés y residente en Nigeria, es sin duda el artista africano contemporáneo más reconocido en la actualidad. El curador Emmanoel Araujo seleccionó de él una obra realizada con materiales reutilizados, una escultura, Skylines, que destaca por su exuberancia y aparente lujo. Sus tradicionales esculturas metálicas son muestra de lo ambiguo del arte africano.

El Anatsui, Skylines, y de Kifouli Dossou, totens y máscaras

El Anatsui, Skylines, y de Kifouli Dossou, totems y máscaras

Al lado de la obra de El Anatsui, y dialogando con él, nos encontramos otras obras de gran calidad. Una de ellas es la gigante instalación del artista beninés Aston. Utilizando también materiales de desecho, el artista presenta en Stupides et inútiles, un mapa gigante simbolizando a África como ente global y plural. Por último, destacar en la misma sala la impactante y polémica obra del artista Gérard Quenum (Benin), que muestra en Los veteranos una de las obras más importantes de la colección del propio museo Afro-Brasileño. Su sentido político, social y cultural forman una telaraña de sensaciones donde se presenta la relación del horror de la guerra y los niños.

Bruce Clarke, Dissenting voices, y de Kifouli Dossou, totens y máscaras

Bruce Clarke, Dissenting voices, y de Kifouli Dossou, totens y máscaras

La exposición se cierra con artistas de diferentes disciplinas artísticas como las obras del caricaturista Hector Sonon (Benin)  y las obras en tela de malgache Joël Andrianomarisoa  y de Nenna Okore, nacida en Australia pero residente en Nigeria. Algunos de ellos son casi desconocidos para el público brasileño, como es el caso del gran Bruce Clarke (Sudáfrica/Inglaterra).

Como complemento al mundo contemporáneo africano, destaca en mitad de la exposición la pequeña muestra de cinco diseñadores de moda, que presentaron en un desfile sus colecciones aprovechando el evento de la Sao Paulo Fashion Week: Palesa Mokubung (Sudáfrica); Amaka “Maki” Osakwe (Nigeria); Jamil Walji’ (Kenia); Xuly Bët (Mali) e Imane Ayissi (Camerún) . Todo ello, junto con el ciclo de encuentros con artistas, trajo al público paulista la paradoja de qué es África, en un país como Brasil, donde lo afro-brasileño es todavía un tabú.

 

Bibliografía:

VVAA, Catálogo de la exposición Africa, Africans. Comisario Emanoel Araujo. Museu Afro Brasileiro. São Paulo, Agosto 2015.

De paseo por Chale Wote a través de 5 artistas

James Town, Accra. 22-23 de agosto. Las calles de la ciudad se engalanan. Tejidos, moda, afros, performances, grafitis, wax, sombreros, boxeo, instalaciones, fotografía, patinaje urbano, body paint. James Town suena a música dejándose invadir por el arte y por un gran público con los cinco sentidos puestos en todo lo que ocurre a su alrededor. Es la celebración de uno de los mayores encuentros de arte urbano de África Occidental, el Chale Wote.

Chale Wote saca de las galerías a la calle la música, el arte, la danza y la performance, entre otras disciplinas. Esta edición ha puesto el foco en la África más electrónica que el arte puede mostrar, bajo el lema “African Electronics”. Este festival, celebrado desde 2011, nació a raíz de una serie de discusiones en el marco de The Talk Party Series, unos encuentros organizados por el colectivo ACCRA [dot] ALT fundado por la directora de cine Mantse Aryeequaye y el investigador y escritor Sionne Neely. Las discusiones giraban en torno la necesidad de la creación de proyectos comunitarios dentro de la filosofía autogestiva “hazlo tú mismo” (DIY- Do it yourself, en inglés). Así, su objetivo según el propio colectivo es “romper las barreras creativas y usar el arte como una forma viable de rejuvenecer el espacio público”, siendo una forma de conexión entre las comunidades y los artistas.

Durante la edición del 2014 acudieron más de 10.000 personas, así que hemos aprovechado para hacer un recorrido por lo más destacado de este 2015 a través de cinco artistas seleccionados.

#ChaleWote2015 a través de 5 artistas

Realidad virtual a través de Pandora

Dos jóvenes estudiantes de la escuela Asheshi, Jonathan Dotse y Kabiru Seidu, llevaron al Chale Wote un proyecto de realidad virtual que permite al espectador viajar por varias calles de Accra. Con este proyecto, que lleva al llamado “Afro Ciberpunk” al Festival, han abierto —literalmente— la caja de PANDORA al demostrar la capacidad de la tecnología de realidad virtual actual y las implicaciones que esto tiene en las sociedades africanas. El nombre del proyecto, alude a la caja de Pandora, ya que su apertura “transforma irrevocablemente nuestras vidas, a mejor o peor, de la misma manera que lo han hecho ordenadores y móviles que nos han traído olas de cambio social no anticipadas”, como afirman sus creadores.

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“The Living History Hub”, museo efímero en James Town

Close-up2-Nana-Fosua-Mantse-Aryeequaye-2013-julyNana Oforiatta Ayim es una historiadora cultural, directora audiovisual, escritora y etnógrafa. Considerada por The Africa Report una de las “50 pioneras de África”, ha exhibido en varios museos alrededor del mundo siempre con la motivación de comisariar y escribir sobre el continente historias escritas por los propios africanos. En Chale Wole, en colaboración con el arquitecto D.K. Osseo-Asare, decidió revolucionar la idea de lo que un museo es y puede ser, a través de la creación de una estructura con forma de kiosko que lo simulaba. Esta estructura está presente en muchas calles de Ghana. En este museo efímero se exhibieron objetos, fotografías, documentos de los habitantes y audios. También fue un espacio de talleres y actividades.
Zohra from Nana Oforiatta-Ayim on Vimeo.

 
La desnudez bajo un manto de combustible

CrazinisT es un artista de performance que trabaja la deshumanización y la objetivación del cuerpo como mercadería socio-política. Este artista, que repite en el Chale Wote, logró impactar a través de su performance, que consistió en un cuerpo desnudo embadurnado de combustible e inmovilizado por una mujer blanca europea semidesnuda sentada sobre él. Seis horas duró la performance, en la que los artistas no comieron ni bebieron provocando que “ambos cuerpos drenasen su energía”, según el artista.

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“Konko Cars”: Latas de leche como reflejo de la rutina ghanesa

El trabajo de Kwame Asante indaga sobre el concepto de “repetición” y de “series”, lo que él considera como arte y parte esencial de la vida. Su instalación a base de latas de leche hace referencia a las revoluciones tanto en la producción industrial como artística. Como el Asante afirma: “la instalación está planeada a través de modelos de simulación digital. Mi proceso es abordado a través de estrategias de ingeniería mecánica. Me apropio de la idea de cortinas de bambú que se puede encontrar en los bares locales de todo el país y la idea de los coches de hojalata que evocan los juguetes de los niños , muy populares en Ghana. He trabajado con latas de leche, porque la leche forma parte del ritual del desayuno diario, un proceso repetitivo y en serie en nuestra sociedad”.

 

 

Fashion DJ: Música electrónica “909S + 808S LAB” a cargo de Steloo

tumblr_nu1t53NSzG1tk0se8o2_1280No nos vamos del Chale Wote sin escuchar música. House ghanés. Beats que marcan tendencia. Con este set “909S + 808S LAB” lleno de mezclas y puesta en escena, Steloo muestra como “el house de Accra marca la evolución de su cultura y como se ha acelarado especialmente a través de las nuevas tecnologías y la moda”. Y de moda, el propio artista sabe mucho.

 

 

 

¡No te vayas sin visitar nuestra selección de lo mejor del Chale Wote 2015 en nuestro Pinterest!


‘Staying Power’ : Autorepresentación de la comunidad Afrobritánica.

El Victoria & Albert Museum en colaboración  con Black Cultural Archives en Londres  presentan en este momento la exposición  ‘Staying Power. Photographs of Black British Experience 1950-1990’. Fotografías de la diáspora africana en el Reino Unido desde 1950 hasta 1990 tomadas por fotógrafos de la misma comunidad afrobritánica y comisariada por Kimberly F.Keith. La muestra trata temas que van desde la  estética africana personal hasta la decoración de casas afrobritánicas, de la migración tras la segunda guerra mundial a la moda hip-hop del sudeste de Londres. Las técnicas fotográficas presentadas también son variadas: desde el autorretrato al reportaje explorando temas como identidad, representación, comunidad y estilo. La selección de fotografías se llevó a cabo por un equipo formado con personal de ambas instituciones y con la colaboración de periodistas, historiadores de arte y sociólogos.

Norman 'Normski' Anderson fué parte de la escena musical hip hop de 1980. Fotografió la cultura juvenil británica para revistas como I-D o Vogue. EL Hip-Hop era visto como una expresión moderna de conciencia negra. Combinaba elementos deportivos con  detalles que representaban la herencia africana como las telas del oeste africano o el kente.

Norman ‘Normski’ Anderson fué parte de la escena musical hip hop de 1980. Fotografió la cultura juvenil británica para revistas como I-D o Vogue. EL Hip-Hop era visto como una expresión moderna de conciencia negra. Combinaba elementos deportivos con detalles que representaban la herencia africana como las telas del oeste africano o el kente.

El proyecto fundado en 2008 por ambas instituciones con el apoyo de Heritage Lottery Fund, ambiciona incrementar la posesión de obras de fotógrafos afrobritánicos en el museo, la representación de la comunidad afrobritánica y el legado de esta en el Reino Unido. El título está inspirado en el libro del escritor marxista Peter FryerStaying Power: The History of Black People in Britain‘, 1984. Testimonios orales de los fotógrafos presentando sus trabajos están también a la disposición de los visitantes gracias a Black Cultural Archives.

Aunque el proyecto no puede ni pretende retratar la magnitud de un tema como este, si que presenta ejemplos de temas sociales, culturales y políticos que trataron fotógrafos afrobritánicos para retratar a su comunidad en este periodo de tiempo. Educación, activismo, y campañas como ‘From protest to progress’ – de la protesta al progreso- son trabajos que en la muestra nos ayudan a comprender mejor algunas de las experiencias que conforman el viaje que bajo ese lema aún continua. Experiencias contemporáneas de la segunda mitad del siglo XX en una cuestionable sociedad post-racial.

tumblr_lhfu7ondf21qcnjfeo1_500Se puede visitar en el museo Victoria & Albert  hasta el 24 de mayo, y en Black Cultural  Archives hasta el 30 de junio. Mientras que  Victoria & Albert Museum es un museo de arte  y diseño y la muestra está más enfocada  a  temas de estilo, diseño y moda, en Black Cultural  Archives, se encuentra la parte más socio-política en tanto que institución enfocada a temas  sociales , culturales y políticos. Recursos clave  incluyen documentos como el que marcan el desarrollo de la Organización de mujeres de descendencia asiática y africana de 1970 (OWAAD).

Otro de los temas clave que aborda la exposición es la música. Parte importante de la vida de las personas de cualquier contexto sociocultural.

El soundsystem que es un grupo de disk jockeys (Djs), técnicos de sonido y masters de ceremonia (MCs) que cargaban con un camión/remolque de grandes altavoces, tocadiscos, generador y colección de vinilos (inicialmente R&B americano y más tarde reggae, rocksteady, ska y música local) se desarrolló en Jamaica en 1950 y se exportó a Inglaterra en 1960 con la  llamada generación Windrush , migración post segunda guerra mundial de jamaicanos que llegaron en la embarcación Empire Windrush tras un llamado en prensa en la isla solicitando personas que ayudaran a reconstruir el Reino Unido en 1948.

Charlie Phillips - Pareja en Notting Hill, Londres, 1967.

Charlie Phillips – Pareja en Notting Hill, Londres, 1967.

Soundsystems empezaron a aparecer en fiestas privadas y eventualmente en clubs y eventos públicos como el Carnaval de Notting Hill fundado por la activista, comunista y feminista trinadiense Claudia Jones en 1966 en respuesta a la discriminación. Uno de los estilos musicales que sonaban en los soundsystems era el ska, originado a finales de 1950 en Jamaica como una mezcla de mento caribeño, jazz, R&B y calypso, que revivió en Reino Unido en 1970 como mezcla del ska jamaicano y el punk rock. 2-tone records fue uno de los mayores exponentes de este revival con The Specials, banda cuya popularidad ayudó a crear un movimiento que fusionaba aspectos del baile y la moda retro británica y caribeña con una agenda política que promovía la igualdad social.

Este proyecto ha incrementado notablemente el número de fotógrafos afrobritánicos en el Victoria & Albert Museum, lo que es significativo porque es sumamente importante en la cuestión de ‘quién’ representa al representado. La comunidad afrobritánica ha sido numerosamente representada como objeto de estudio pero raramente como sujeto de prácticas de representación para narrar sus propias historias. Esta vez lo han hecho en el museo de diseño más significativo del mundo y en el primer centro inglés de herencia negra nacional.

 

Una vez más, el arte se pone al servicio de la sociedad para mirar hacia nuestra propia experiencia humana. Con propuestas como la de Staying power invocamos sentimientos de comunidad, exploramos retos sociales contemporáneos y aspiramos a crear un espacio habitable más equilibrado libre de prejuicios.

 

 

Feria de Arte de Kenia, lanzadera para el talento nacional

Bicicleta a partir de materiales reciclados, de Cyrus Kabiru. Foto cedida por la Kenia Art Fair.

Bicicleta a partir de materiales reciclados, de Cyrus Kabiru. Foto cedida por la Kenia Art Fair.

Artistas como Michael Soi o Cyrus Kabiru han puesto el nombre de Kenia en el panorama mundial de las artes visuales. Sin embargo, el país está experimentando un deslumbrante auge de la creatividad junto a los esfuerzos de múltiples emprendedores locales. La primera Feria de Arte de Kenia es una prueba de que esta nación del África del Este tiene que estar en el ojo de mira de cualquier amante del arte africano.

Mientras que el rico y variado paisaje del arte africano goza de eventos gloriosos dentro del continente como el Dak’art en África Occidental o la Feria de Arte de Johannesburgo en el África austral, el Este de África emerge dentro de la escena continental como un  gigante artístico en sí mismo. Después del nacimiento de la Bienal de Arte de Kampala, en Uganda, y la segunda y exitosa Subasta de arte del Círculo de Arte de Nairobi, 2014 podía haber cerrado la agenda artística casi convencido de que había logrado un enorme éxito impulsando las artes visuales de la región. Sin embargo, 2014 todavía tenía una traca final guardada para los amantes de las artes visuales de África.

Durante cuatro días, la Sala de Exposiciones del Centro Sarit, en el barrio nairobense de Westlands, ha sido el epicentro de la primera y vibrante Feria de Arte de Kenia. Apodada, Kenia Art Fair, el emocionante encuentro se celebró del 6 al 9 de noviembre reuniendo artistas, galeristas, coleccionistas, amantes del arte y curiosos, que han plantado las semillas para promover el arte made in Kenia.

Organizado por Kuona Trust y patrocinado por el centro Go Down Arts, Pawa 254 o el conglomerado de medios kenianos Nation Media Group, la primera Feria de Arte de Kenia ha reunido personalidades de gran relevancia en la escena artística nacional para debatir sobre el estado de las artes en el país y construir mayor cohesión entre las distintas iniciativas y propuestas a través de diferentes charlas de gran interés para el panorama de las artes visuales locales.

Algunos de los participantes fueron: Abdi Rashid Jibril de Arterial Network, Danda Jaroljmek de la Agencia Circle Art, Elisabeth Nasubo del Ministerio de Cultura keniano, creadores como la artista y diva de la performance Ato Malinda o el dibujante y caricaturista Gado, quienes pusieron la carne en el asador en diferentes paneles de gran actualidad, como “el arte digital”, “el papel del gobierno de Kenia en el apoyo al sector de las artes visuales contemporáneas”, “dibujos animados y cómic”, “arte y emprendeduría” o “los retos de los artistas visuales”.

Kenya Art Fair / Sebastián Ruiz - Wiriko.

Kenya Art Fair / Sebastián Ruiz – Wiriko.

Con entrada libre y gratuita para todo el mundo, los organizadores estiman que más de 5.000 personas pasaron por la Feria durante los cuatro días en los que se celebró. Según lo expresado por la directora de Kuona Trust, Sylvia Gichia, incluso la Primera Dama keniana Margaret Kenyatta estuvo caminando por la feria de arte, cosa que muestra su apoyo a los creadores y a las iniciativas empresariales entorno al mundo del arte nacional.

Kenya Art Fair / Sebastián Ruiz - Wiriko.

Kenya Art Fair / Sebastián Ruiz – Wiriko.

Más allá de las salas de exposiciones, las conversaciones y debates han sido un espacio de intercambio y retroalimentación dialéctica gracias a la amplia participación de una audiencia muy interesada en el tema. A pocos momentos para el cierre, la “necesidad de unidad” como conclusión se solidificó como ideal colectivo. Pero los retos del sector siguen sin resolverse a pesar de la intensidad de los debates celebrados durante la Feria.

¿Cómo transferir el interés por el arte fuera del elitismo? ¿Qué nuevos modelos de distribución pueden beneficiar a aquellos artistas que no están representados en las agencias o galerías? Cómo utilizar las plataformas digitales para promover y vender arte a un precio justo para los artistas? ¿Están las iniciativas de arte kenianas suficientemente cohesionadas? Si se consigue crear una feria anual, ¿se deberían fomentar reuniones periódicas que permitiesen un más amplio desarrollo de la escena artística de Kenia?

Y a pesar de que las preguntas resten en el aire, las semillas para hacer crecer el universo de las artes visuales de Kenia están ya plantadas, y hasta el momento, el logro es que se han logrado situar en el mapa mundial del arte con mucho vigor.

‘LagosPhoto Festival 2014’, nuestra selección

logo-invertNos encontramos ya en el ecuador del que es ya uno de los festivales de fotografía más importantes del continente, el LagosPhoto Festival celebrado en Lagos (Nigeria) del 25 de octubre al 26 de noviembre. Por quinto año consecutivo una amplia selección de fotógrafos, tanto africanos como de otros continentes, llenan de historias este encuentro a través de sus obras. Nombres como Ade Adeloka, Kudzanai Chiurai, Cristina de Middle, Hassan Hajjaj, Namsa Leuba o Edson Chagas, suenan en el Festival, abierta a todo el mundo y con muchas actividades dentro de su programación como charlas, talleres, pases de documental, etc.

Antes de hacer un repaso por nuestra pequeña selección de artistas, mencionamos algunas iniciativas que nos parecen interesantes en el marco del Festival. La primera es el LagosPhoto Summer School, una escuela de fotografía donde jóvenes aficionados e interesados se pueden formar y profesionalizar en el ámbito de la fotografía. En segundo lugar, el Capacity Development Integration (CDI) que, ante la falta de oportunidades profesionales para los jóvenes, pone en marcha un proyecto que une cultura y educación. En este programa en el que creativos y estudiantes han partido del slogan “Arte reclamando el espacio público” , los alumnos han podido diseñar los espacios interiores y exteriores para esta edición del Festival.

¿Qué destacamos de esta edición? A continuación mencionamos algunas exposiciones y artistas interesantes:

Archive of Modern Conflict (Project)

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Esta editorial independiente de Reino Unido, presenta en colaboración con LagosPhoto Festival una parte de la historia de la fotografía de Camerún en los años setenta y ochenta, centrándose en el Éstudio Jeunesse de Camerún a través de una instalación y del pase del documental sobre el estudio.

I am Walé Respect Me, 2013 de Patrick Willocq

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Es esta serie el fotógrafo refleja la historia de iniciación de los pigmeos Ekonda en RDC. Para los Ekondas el momento más importante en la vida de una mujer, es el nacimiento de su primer hijo. Esta serie es pues un reflejo de las mujeres en general y de los Walé en particular.

Turn it up! De Jide Odukoya

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Este artista pretende mover el foco de pobreza que reflejan los medios sobre África hacia las escenas más lujosas que se dan en diversos contextos. Así, consigue entrar en los eventos de las élites de Nigeria, como bodas, cumpleaños, celebraciones, etc. mostrando otra África diferentes a la que estamos acostumbrados. ¿Es un reflejo más positivo de las sociedades africanas? No nos lo parece, aunque sí la intención del fotógrafo de romper los esquemas de Occidente.

The Masked Woman, de Jenevieve Aken

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Esta serie de auto-retratos explora la representación del género en la sociedad nigeriana. Las imágenes reflejan la vida solitaria de la “súper mujer fatal” que elige conseguir el placer y la alegría fuera de su rol como ama de casa o dependiente del afecto masculino. Pero la máscara a la vez habla del aislamiento de una mujer que no responde al rol socialmente aceptado para ella y el resto de las mujeres, representando la realidad de un cada vez mayor número de mujeres nigerianas.

 

Cocktail, de Namsa Leuba

 

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La fotógrafa utiliza la moda para reflejar la representación del cuerpo de la mujer en África hoy en día. Con colores electrizantes y leopardos de porcelana, las fotografías también cuestionan el imaginario cultural de África.

Por último os recomendamos uno de los pases de documental y exposición del Festival. En “I am 14” la artista parisina Bénédicte Vanderreydt refleja la vida de tres adolescentes: Valentina que vive en Bruselas, Ru’a que vive en el campo de refugiados palestinos Dheisheh y Loraine que vive en Lubumbashi, Katanga (RDC). A la artista le llamó la atención el aumento de exposición pública de los adolescentes en general en Facebook y en concreto de adolescentes que se toman fotos de ellas mismas mostrando sus esperanzas e inquietudes en la red. Es interesante observar la vida de las tres en contextos tan diferentes. Os dejamos el vídeo:

Nos os perdáis nuestro Pinterest del Lagosphoto Festival:
Sigue el tablero LAGOSPHOTO FESTIVAL 2014 de Wiriko en Pinterest.

Más allá de las máscaras: Londres celebra la segunda edición de 1:54

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Mask -Romuald Hazoumè - October Gallery

Mask -Romuald Hazoumè – October Gallery

Más de 100 artistas, 27 galerías y un fórum dedicado a charlas con artistas y proyecciones de cortometrajes, constituyendo una “plataforma dinámica y flexible para el futuro” de las artes en África, según la senegalesa Koyo Kouoh, programadora del Forum educativo de 1:54, la feria de arte contemporáneo celebrada entre el 16 y el 19 de octubre en Somerset House, Londres.

Desde las icónicas fotografías de la serie ‘Hairsyles’ en blanco y negro de peinados de mujeres africanas, de la nigeriana J.D. ‘Okhai Ojeikere, las coloridas imágenes de la mujer de medias fucsia y tronco de globos multicolores sobre una zebra, del sudafricano Athi-Patra Ruga, las poéticas pinturas sobre lienzo del senegalés Soly Cissé, hasta las esculturas geométricas de madera del marfileño Jems Robert Koko Bi; 1:54 consigue hacer justicia a la gran diversidad artística contemporánea de los distintos países africanos.

Harto conocidas son las máscaras africanas, en las que tanto se inspiró Picasso y las cuales han sido asociadas a rituales que, por no ser compartidos formalmente, también han sido calificados como primitivos. Pero ¿son estas máscaras realmente representativas de la escena cultural que se cuece en el continente? 1:54 va más allá de esas máscaras, para desmitificarlas y mostrar trabajos de lo más variopintos. Si de establecer denominadores comunes se trata, 1:54 exhibió trabajos muy comprometidos con las distintas realidades de los diferentes países, como las dos paredes con siluetas de distintas trenzas de colores de niñas, de la artista nigeriana Peju Alatise, en su campaña por las niñas secuestradas “Niñas, no novias”. También destacó el arte sostenible, con esculturas de materiales reutilizados, como el “vagabundo hambrieto” del nigeriano-americano Adejoke Tugbiyele, o las máscara hechas con bidones y cepillos, del beninés Romual Hazoumé. Aunque tal vez la más espectacular fuera la sencilla composición del “refugiado mapamundi” del Zimbabwense Dan Halter, hecho a base de las típicas bolsas de almacenamiento y transporte. Gran protagonismo tuvieron también las imágenes de estudio que reflexionaban sobre el lugar del cuerpo en los distintos espacios, entre los cuales no pudieron faltar las imágenes del fotógrafo senegalés Omar Victor Diop o el burkinabé Hamidou Maiga.

La feria era en realidad un conjunto de galerías agrupadas en las alas este y oeste de Somerset House, como Cécile Fakhoury, en la cual destacó el trabajo del reputado Vincent Michéa, o M.I.A Galeery, Carpe Diem, Magnin-A, entre otras. Si bien estas ya constituían una muestra representativa de las artes en África, tal como decía la artista keniana Miriam Syowia Kyambi, durante su intervención en el fórum, “lo más interesante era precisamente ese fórum, donde los artistas tienen la oportunidad de hablar de su trabajo e intercambiar”.

Miriam Syowia Kyambi nació en 1979 en Nairobi (Kenia) y es una artista multimedia que integra tanto a la audiencia, como a sí misma, en tanto que artista, en una obra artística en la que hay mucho lugar para la improvisación. Como partícipe de la esfera cultural keniana, la artista conoció a James Muriuki en una galería con el que acabaría haciendo un trabajo en conjunto. “Empezamos hablando de qué significaba para nosotros el ser artista y acabamos decidiendo hacer algo juntos, aunque nuestras visiones eran muy distintas”. El trabajo del keniano James Muriuki (1977) es más documental sobre el proceso de intento de urbanización que está habiendo en Kenia. “Cuando se habla de desarrollo, – se pregunta James- ¿a qué nos referimos? No puede ser que el desarrollo no sea inclusivo, y eso es lo que pasa con la estética “mal”, de centro comercial, que se está intentando implementar en las tierras alejadas de la capital, por eso yo me centro en el tema de la tierra, y así en la reclamación del arte, como modo de riqueza”. Ambos han unido sus inquietudes para hacer instalaciones en las que los actores tienen que tratar de encontrarse en espacios desconocidos.

Tanto Miriam como James tenían muy claro que hay que intentar mostrar que existen modos de trabajo diferentes en los que es el espacio y la gente son los que marcan la dirección del trabajo artístico. “Los programadores de exposiciones suelen tener una programación muy comercial, por eso también hemos empezado a intentar organizar exposiciones un poco más centradas en el contenido”, contaba Miriam. James denunciaba la falta de consciencia de la creatividad que la gente tiene: “Una vez me enfadó muchísimo cuando fui a un sitio remoto a grabar, a hacer fotos, porque estaban haciendo un arte extraordinaria. Y de repente, me dijeron, ‘ah, está muy bien que vengas a grabar. Así la gente podrá venir y ayudarnos, porque somos pobres’. Y, ¡no! Eso no es así. La gente muchas veces no se da cuenta de su capacidad artísitica, porque los modos del supuesto conocimiento son escritos y eso no cuadra con muchos modos de vida de distintas regiones en Kenia, por ejemplo”. Según James, el reto está en hacer una biblioteca audiovisual basada en imágenes, porque es así como percibimos el mundo.

Tal vez espacios como 1:54 sean el comienzo de estas bibliotecas visuales. Imágenes que dan lugar a diálogos donde los que dialogan no son sólo los que hace cincuenta años decidieron el modo de mirar y leer eso que hoy se conoce como África.

 

* Fotos de Estrella Sendra (2014)

KLA ART 014 – Festival de Arte Contemporáneo de Kampala

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La capital ugandesa no para. Después de la recién celebrada Bienal de Kampala el pasado agosto, el arte vuelve a inundar las calles de Kampala durante un mes. Esta vez lo hará, desde el 4 hasta el 31 de octubre, con el encuentro bianual Kla Art 014 (Festival de Arte Contemporáneo de Kampala), dirigido por Rocca Gutteridge y comisariado por: Gabi Ncobo, Violet Nantume, Philip Balimunsi, Robinah Nansubuga, Moses Serubiri, Hasyfa Mukyala. En esta edición el motivo será el concepto de “Unmapped”, bajo la idea de que los protagonistas sean las voces que habitualmente no se oyen en la ciudad:

Unmapped explora los escenarios sociales de Kampala, Addis Abeba, Dar es Salaam, Kigali, Kinshasa y Nairobi, y cómo los cambios en la política económica y la influencia del paisaje, inspiran la creatividad en la supervivencia en los habitantes de las zonas urbanas no planeadas de estas ciudades. La creatividad de la supervivencia se ve, por ejemplo, en las bicicletas de los afiladores de cuchillos; en los diseñadores de moda express; en los salones de uñas móviles que utilizan un taburete portátil y se ponen en cualquier lugar de la ciudad, y en la creación de ciudades más pequeñas y de mercados alternativos fuera de la capital.”

¿Qué podremos ver durante el Festival de Arte Contemporáneo de Kampala?

Exposición:

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Un escenario muy apropiado para una edición que tiene la ciudad y sus habitantes como personajes principales, la estación de tren, que acogerá el trabajo de diez artistas de las diferentes ciudades de África del Este. A través de sus creaciones expresarán el concepto de “Unmapped” de sus propias ciudades. Los artistas que participan en la muestra son: Paul Bukenya Katamiira(UG), Francis X. Nnaggenda (UG), Helen Nabukenya (UG), Vithois Mwilambwe (DRC), Tony Cyizanye (RW), Dennis Muraguri (KE), Paul Ndunguru (TZ), Mulugeta Gebrekidan (ETH), Vivian Mugume (UG), Helen Zeru (ETH).

 

El proyecto Boda Boda:

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Este proyecto móvil, tiene a los taxis de Kampala como protagonistas. Estas populares motocicletas serán transformadas en obras de arte, siguendo el concepto asignado en esta edición “Unmapped”. Los veinte artistas ugandeses que participarán son: Anest Gabriel Shaloom (UG), Babirye Leilah (UG), DAPU (UG), Derrick Komakech (UG), Kino Musoke (UG), Grace Sarah (UG), Joshua Godwin Kagimu (UG), Reagan Kandole (UG), Simon Katumba (UG), Kizito Mbuga (UG), Immy Mali and Ian Mwesiga (UG), Sandra Suubi Nakitto and Enock Kagga Kalule (UG), Adonias Ocom Ekuwe (UG), Ogwang Jimmy John (UG), Papa Shabani (UG), Petro (UG), Richard Wasike (UG), Ronex Ahimbisibwe (UG), Stacey GillianAbe (UG), Xenson (UG).

Aparte de estas exposiciones, el Festival cuenta con encuentros con artistas donde éstos podrán explicar al público su técnica y su obra. Los workshops realizados por todo el país los pasados meses de abril y julio han dado como resultado la capacitación de jóvenes artistas y la creación de proyectos “mini Boda Boda” que también serán expuestos en la Galería Nommo durante este mes.

Sin duda Kampala se mueve y este mes estaremos con los ojos bien abiertos a todo lo que pase allá. No dejéis de seguir nuestras redes sociales y las del KLA ART 014 para estar al día de lo que ocurre.

 

Boris Nzebo explora la cultura urbana a través de los peinados

 

Habitats à loyer modérés 2013

Habitats à loyer modérés 2013

En Wiriko ya hemos hablado de la importancia del cabello y peinados en las sociedades africanas y diaspóricas —y no sólo en éstas—, así como de sus complementos o lugares de culto al cabello. Boris Nzebo nos vuelve a mostrar a través de su obra la importancia que tiene el peinado en la definición de la identidad e incluso del estatus social, dependiendo del peinado, de sus cuidados, de sus cambios, etc.

¿Cuidamos más nuestro cabello o nuestro alrededor? Boris Nzebo se cuestiona constantemente esto en su obra:

Mi objetivo es reproducir mi cuestionamiento frente una sociedad en búsqueda de referencias. Suscito preguntas. Como ¿por qué nuestro alrededor no está tan bien conservado como nuestras cabezas? Cuando nuestro cabello está mal, lo cuidamos, pero no hacemos nada para combatir la corrupción, la malversación de fondos públicos, etc.

Sin título (2013)Las mujeres y su cabello, mostradas siempre en primer plano, son las claras protagonistas de una obra que llama la atención por unos trazos limpios, que evocan al grafitti y a las vallas publicitarias que podemos encontrar en los barrios de la Douala que le acoge. En segundo plano nos muestra escenas de la vida cotidiana de la ciudad, a través de unas líneas firmes que trazan edificios, marcos, ventanas y líneas arquitectónicas. Colores vibrantes y contrastados que dan como resultado un característico arte “Neo Pop” —tal y como el propio artista lo define— y que logra que su obra sea reconocible a primera vista. Como él mismo afirma, su obra explora el peinado en el espacio urbano: “Los peinados se convierten en objetos de reflexión, portadores de la cultura urbana.”

Nacido en Port-Gentil (Gabón) pero basado en Duala (Camerún), Nzebo sabe trasmitir su experiencia como ilustrador de carteles de comercios y peluquerías, tan habituales en todo el continente y con la que arrancó su carrera como artista. Esta trayectoria se palpa en su obra impecablemente continuada, con unos trazos que nos evocan esos carteles que vemos continuamente cuando damos un paseo por algunas ciudades africanas.

A lo largo de su carrera artística, Nziebo ha trabajado en lugares como Rio de Janeiro o Puerto Príncipe y ha realizado varias exposiciones tanto en Camerún como en algunas ciudades europeas:

Exposiciones:

2013
Painting the Hot Town, Jack Bell Gallery, London
Etat des Lieux, l’Espace Doual’art, Douala, Cameroon

2011
Vil-Visages, l’Institut Français, Yaoundé, Cameroon

2010
In & Out of my head, SUD2010, Douala, Cameroon

Exposiciones colectivas:

2012
30 ET PRESQUE-SONGES, l’Espace Doual’art, Douala, Cameroon
City Songs – ebbs and flows of the urban imaginary, Ifa-Galerie, Berlin, Germany

2011
La Cabine d’Esthétique, Fondation Blachere, Apt, France

2010
Come Back Haiti, Maison Revue Noire, Paris, France
Group show, Savvy Contemporary, Berlin, Germany

2009
Jeunes regards urbains, l’Espace Doual’art, Douala, Cameroon

2008
Lady, She go say I be Lady, Carré des artistes, Douala, Cameroon