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12 meses, 12 exposiciones africanas alrededor del mundo

Puede que aún nos sorprenda encontrar exposiciones africanas en lugares como Israel (un claro síntoma de hasta dónde llega el interés por las obras artísticas procedentes de África), pero lo cierto es que no debería llamarnos la atención en absoluto. Tanto es así que el museo de arte de Tel Aviv expuso obras de la suazi Nandipha Mntambo, el congolés Chèri Samba o el sudafricano Ariel Reichman durante más de cinco meses a través de ‘Mirando a África: Arte contemporáneo y afrofuturismo’. Y no es un caso aislado, las artes visuales africanas están saliendo del exilio y 2017 ha sido un año de avances en su desarrollo.

Así, si bien los museos occidentales soportan aún una deuda tanto con el arte africano expropiado durante la colonización como con las máscaras y esculturas africanas a las que el arte contemporáneo occidental de las vanguardias debe su inspiración, las creaciones artísticas africanas están experimentando actualmente un proceso de empoderamiento que les permite mostrar otras representaciones de África fuera y dentro del continente. Son muchos los países africanos que cada vez dedican más espacios a mostrar la producción artística a través de galerías, festivales, desfiles e incluso espacios más solemnes, como los museos. Es el caso del Zeitz Mocaa, situado en Ciudad del Cabo, desde donde ostenta el título de museo de arte africano contemporáneo más grande del mundo. Para muestra de este fructífero año de manifestaciones artísticas africanas alrededor del mundo las siguientes líneas, en las que hacemos un repaso de doce exposiciones presentes en cada uno de los meses de 2017.

ENERO

Abrimos el año de exposiciones africanas en nuestro país con ‘El iris de Lucy’, una muestra de artes visuales que toma como referencia a Lucy (el homínido femenino durante mucho tiempo considerado como el más antiguo de la Humanidad) para retomar la mirada de las mujeres en la evolución de múltiples temas como la identidad, el cuerpo, las fronteras, las migraciones o cuestiones coloniales y postcoloniales mediante la obra de veinticinco artistas africanas entre las que se incluyen la etíope Aida Muluneh, con la que tuvimos ocasión de hablar en Wiriko, así como la congoleña Michèle Magema, la gabonesa Myriam Mihindou, la marroquí Safaa Erruas o la sudafricana Tracey Rose. Producida por el Centro Atlántico de Arte Moderno (CAAM) y Casa África, esta exhibición se pudo disfrutar en Las Palmas de Gran Canaria de enero a junio de 2017.

Fotografía exhibida en ‘Iris de Lucy’, de Tracey Rose.

FEBRERO

El papel del urbanismo para la creación de una nueva identidad nacional durante la era de las independencias africanas se refleja en la exhibición ‘Arquitectura de la Independencia – Modernismo Africano’, del Centro de Arquitectura de Nueva York. Más de 700 fotografías de Costa de Marfil, Kenia, Senegal o Zambia documentadas por el alemán Iwan Baan y la sudafricana Alexia Webster. Fruto del trabajo de Manuel Herz en su libro ‘Modernismo africano: Arquitectura de la Independencia’, esta muestra mantuvo sus puertas abiertas de febrero a mayo de 2017.

Escuela de Ingeniería de la Universidad de Ciencia y Tecnología Kwame Nkrumah (KNUST) de Ghana, diseñada por James Cubitt, en 1956. Fotografía de Alexia Webster.

MARZO

Dos meses dedicó París a ‘Capitales africanas’, una serie de manifestaciones visuales de artistas del continente que buscaba representar una visión cosmopolita de las sociedades de África. Casas colgantes del camerunés Pascale Marthine Tayou, provocativos grabados en telas del sudanés Hassan Musa o las nubes de ‘Un sueño’ del egipcio Nabil Boutros fueron presentadas en el parque cultural parisino de La Villette.

Pascale Marthine-Tayou, Casas colgantes © Benjamin Lefebvre

‘No hay tigres en África’, de H.Musa (2010)

ABRIL

Enséñame tu archivo y te contaré quién está en el poder’ es una recopilación de los archivos públicos que constatan la historia de la lucha de la mujer en Bélgica desde una perspectiva afrodescendiente. Esta muestra, presentada de abril a junio de este año en la galería belga Kiosk, incluye también el trabajo realizado a partir de esta documentación por la keniana Ato Malinda y las artistas africanas en la diáspora Kapwani Kiwanga y Amandine Gay.

Instalación con espejo de Ato Malinda. Fotografía de Tom Callemin.

MAYO

Llegamos a África. El cuarto mes del año de este calendario de exposiciones africanas está dedicado a la obra expuesta en el Instituto Goethe de la República Democrática del Congo, que acogió las visiones de siete artistas emergentes del país en ‘Kinshasa 2050’, una representación mediante instalaciones vídeo, performance y pintura de lo que será esta ciudad y sus habitantes dentro de treinta y tres años.

Instalación perteneciente a ‘Kinshasa 2050’.

JUNIO

La Galería Cécile Fakhoury de Abiyán es un templo de maravillas pictóricas que acogió la obra del senegalés Kassou Seydou, quien se estrenó en Costa de Marfil con ‘Reyes de las nuevas ciudades’, su primera exposición individual en el país. Un total de trece pinturas que invitan a adentrarse en un mundo híbrido de alteraciones y críticas sociales que se mezcla con elementos tradicionales y una fuerte creencia en la humanidad, protagonista absoluta de esta colección. Una oda al color y a la expresión que estuvo presente en la capital marfileña hasta finales de septiembre de 2017.

Pieza de Kassou Seydou, en la Galería Cécile Fakhoury.

JULIO

Sólo duró dos días, pero a ‘Urbanismo africano, cultura africana, futuro africano’ tampoco le hizo falta más tiempo para desplegar todo el potencial de la cultura urbana congoleña y senegalesa a través de dos ejemplos del mundo de la moda: Los sapeurs y el estilismo del hip hop. Comisariada por Alex Moussa Sawadogo, director artístico del festival de cine contemporáneo africano Afrikamera, la séptima de las exposiciones africanas seleccionadas de este 2017 se exhibió en la Galería Ifa de Berlín.

‘Los sapeurs de Bacongo’, Baudouin Mouanda (2008).

‘La pose’ de Siaka Soppo Traoré (2014).

AGOSTO

En el mes estival por excelencia nos vamos a Japón para ver a los cameruneses Romuald Dikoume, Blaise Djilo, Max Mbakop, Steve Mvondo y Yvon Ngassam quienes, comisariados por Yaounde Photo Network, han mostrado sus trabajos fotográficos en la sala OGU MAG de Tokio. Esta exposición titulada ‘YaPhoto@Arakawa Africa’ retrata a Camerún desde ópticas tan dispares como el precolonialismo, las tradiciones, el patinaje, la representación de la mujer o lo rural y, aunque sólo abrió sus puertas durante tres días, sirvió como preludio al festival organizado por dicha galería que acoge desde el 2010 en el barrio de Arakawa un festival anual dedicado al arte africano.

‘Corona de belleza’, Steve Mvondo (2016).

Fotografía de Romuald Dikoume.

SEPTIEMBRE

En paralelo a la Feria de Arte de Johannesburgo, cuyo décimo aniversario cubrimos este año en Wiriko, se celebra la Semana Anual de Arte de la ciudad que acogen los barrios de Alexandra, Soweto y el centro de Joburg. Una muestra itinerante de escultura, pintura, fotografía, instalaciones multimedia y arte urbano de la mano de artistas como Robin Rhode. Organizada conjuntamente por galerías, colectivos locales y la FNB Joburg Art Fair., la Semana Anual de Arte de Joburg saca a la calle las artes visuales y permite una conexión más cercana entre artista y espectador.

Instalación de Robin-Rhode (2016) exhibida en la Semana Anual de Arte de Joburg.

OCTUBRE

1:54, la Feria de Arte Africano Contemporáneo de Londres se supera cada año y esta quinta edición no fue una excepción. Dieciocho salas de exposiciones africanas para promocionar la diversidad del continente a través una selección de artistas de treinta y dos países, como Ayan Farah, Buhlebezwe Siwani, Samuel Fosso, Hassan Hajjaj o Fabrice Monteiro, a quien pudimos entrevistar en Wiriko en el marco de esta macro cita londinense con el arte africano contemporáneo.

Hassan Hajjaj. © Joe Casely-Hayford 2017.

NOVIEMBRE

Hace menos de una semana que la capital nigeriana se despidió (con un hasta pronto) del LagosPhoto Festival, que ya ha cumplido su octavo año como primer y único evento internacional de fotografía en Nigeria. Bajo el título ‘Regímenes de la verdad’, esta edición ha explorado la búsqueda y la presentación de la verdad en la sociedad contemporánea mediante la técnica fotográfica de artistas como la marfileña Joana Choumali, los kenianos Sara Waiswa y Osborne Macharia o el senegalés Alun Be que complementan un cartel de fotografías, que si bien abordan el tratamiento de la veracidad, resultan absolutamente hechizantes.

Fotografía de Osborne Macharia expuesta en LagosPhoto 2017.

DICIEMBRE

Cerramos el año de exposiciones africanas con la vuelta de la Bienal Africana de Fotografía ‘Rencontres de Bamako’ es un claro síntoma de la buena salud del desarrollo de la producción artística africana este 2017. Tras dos años de ausencia, la esperada edición número once arranca con el título ‘Afrotopía’, tomado del ensayo del economista senegalés Felwine Sarr en el que defiende la idea de que no se puede imponer a las sociedades africanas el concepto de desarrollo y contemporaneidad occidental porque de hecho la modernidad, la suya propia, ya está presente en el continente. La materialización de esta idea bajo las miradas de fotógrafos como Rahima Gambo, Fototala King Massassy o Athi-Pathra Ruga estará abierta al público hasta el 31 de enero de 2018, aunque no habrá que esperar tanto para tener noticias desde Afrotopía a través de Wiriko.

‘Miss Azania. El exilio está esperando’ (2015) Athi-Patra Ruga.

Incertidumbre viva: las respuestas del arte africano a los desafíos de la humanidad

Es necesario desvincular la incertidumbre del miedo. Bajo ese lema, la comisaria de la 32ª Bienal de São Paulo, en Brasil, reúne hasta el día 11 de diciembre en la capital paulista a 81 artistas de 33 países que hablan a través de esculturas, pinturas, dibujos, instalaciones y performances sobre la necesidad de enfrentar con menos angustia y más convergencias a las inconstancias y crisis múltiples propias de nuestro tiempo.

captura-de-pantalla-2016-11-09-a-las-12-26-59El esfuerzo político de la exposición, considerada la segunda más importante del mundo, es desmontar la dicotomía estabilidad/incertidumbre que siempre ha sido exitosa en asociar la primera a la continuidad y la segunda, al riesgo, tal como prueban la xenofobia y la securitización de la vida en Occidente.

Esa es una edición especialmente diversa de la Bienal, con una mayoría de artistas oriundos de fuera de Europa Central y Estados Unidos. La selección de nombres africanos, en particular, es una de las más importantes de la historia del evento. “Yo pasé mucho tiempo en el continente [africano] y en Brasil pensando en las voces que podrían contribuir para la conversación, pero que también pensaran en un lenguaje transnacional que pudiese ser desarrollado colectivamente”, afirma la artista sudafricana Gabi Ngcobo, una de las cinco comisarias de la exhibición.

Sobre el escenario del arte contemporáneo africano, la comisaria retoma la importancia de superar las fronteras artísticas impuestas por Occidente y, al tiempo, construir espacios de resistencia dentro de esas mismas fronteras.

Nosotros africanos nos hemos preguntado sobre qué es África. Entonces la emergencia de lo ‘africano’ se vuelve problemática. Es nuestra responsabilidad crear espacios de respiro, pero también aceptar que existimos en un lugar en que las exhibiciones se volvieron una tendencia”, dice. “Es nuestra responsabilidad trabajar con esas tendencias. Resistir, pero también encontrar dentro de esas tendencias lugares en que podamos ser libres.”

El equipo e Wiriko estuvo en el pabellón de la Bienal –un edificio que compone el conjunto de estructuras dibujadas por el mítico arquitecto brasileño Oscar Niemeyer en el Parque del Ibirapuera– para descubrir la participación de cinco artistas africanos en ese debate.

Anawana Haloba – Close-Up

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Anawana Haloba – Close-Up

A artista nacida en Zambia, pero radicada en Noruega, es contundente al asociar el momento cultural actual con una piedra de sal que se liquidifican gota a gota, minuto a minuto, delante de los ojos de los espectadores. “Es una metáfora de la desaparición de las culturas e identidades”, explica Haloba. Son diez piedras colgadas en una sala por hilos y telas de nylon casi invisibles. Algunas son rosa y otras, de un blanco extremo, y flotan en el espacio que estaría completamente vacío si no fuera por las ollas y cacharros que, en el suelo, justo debajo de esas piedras, hacen reverberar el sonido de cada gota que se desprende.

La sensación, para quien camina entre la instalación, es de una lenta pero cadente sinfonía. “La sal es como una lagrima. La gota produce un silencio que te hace reflejar y ganar conciencia de uno mismo. Mientras caminas, consigues sentirla en el aire”, dice la artista. Según Haloba, la opción por las piedras de sal como materia central en esa instalación se justifica por la voluntad de retratar los fluidos corporales y, al tiempo, hacer referencia a la sal como materia-prima, fuente de conflictos, intereses económicos pero también de resistencia – como en el caso de Gandhi en India.

El efecto visual va aun más allá: al final de cada día, con el calor del ambiente, el agua evapora y lo que se ve son los rastros de la sal blanca en el suelo, “apenas un trazo de lo que sucedió allí”, afirma.  Los componentes visuales de “Close-Up” son potenciados por una grabación sonora que mezcla la lectura de un poema guaraní –un importante idioma indígena en Sudamérica– con la voz de Haloba hablando en el dialecto lozi, de su madre. Con ese elemento, la artista quiere provocar la reflexión sobre como las diferentes identidades pueden ser preservadas en un contexto de destrucción ambiental y cultural del planeta.

“Estoy interesada en sociedades diferentes. No quise apenas referirme a lo que se pasa en Zambia, pero a como las diferentes cosas son interpretadas en diferentes sociedades.” Para ella, la cuestión central en el tema de la incertidumbre es entender como las diferentes lenguas y culturas del mundo pueden ser preservadas, qué significa su desaparición.

Dineo Seshee Bopape – : indeed it may very well be the ___________ itself

Mientras la obra de Haloba se centra en el paso del tiempo, la instalación del artista sudafricano Dineo Bopape enfoca la presencias y ausencias humanas, siempre relacionadas a la posesión de la tierra.

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Dineo Seshee Bopape – : indeed it may very well be the ___________ itself

Como en el caso de “Close-Up”, en “:indeed it may very well be the ___________ itself” es posible caminar entre los elementos –rectángulos y cuadrados de tierra comprimida sobre las que se ven agujeros formando juegos tradicionales, objetos diversos y hasta reproducciones de órganos femeninos–. Al tiempo, el espectador escucha el latir de un corazón y el sonido de los árboles y de la tierra siendo trabajada. Los bloques de tierra están marcados por ranuras, que profundizan la sensación de abandono. La unión de esos elementos parece hacer referencia a la perpetuidad de las memorias y a la huella dejada atrás por el movimiento humano.

“Yo estaba pensando sobre presencia(s) y ausencia(s) de algo, materia, nada. El desplazamiento de eso desde (dentro y fuera) ‘aquí’ hacia ‘allá’. Vacuos, fisuras y agujeros y cavidades. Plenitud, depresiones, vacíos, confinamientos”, explica Bopape. “Ese trabajo en particular, para mi, considera la negociación entre algo y la nada”, completa. La instalación también subraya de modo inequívoco a la cuestión de la propiedad de la tierra en tiempos de escasez. “En Sudáfrica, por ejemplo, las políticas de posesión de la tierra puestas en marcha durante los años coloniales y en el apartheid en larga medida tienen efecto todavía hoy. El dato aproximado es que el 79% de la tierra (y de la riqueza) permanecen en las manos de una minoría blanca y la mayoría de los africanos no tienen tierras –en su propia tierra–”, afirma Bopape.

“Eso no es exclusivo de Sudáfrica. En numerosos lugares con una historia de colonialismo la población nativa fue desposeída de tierra –sea para uso y acceso como para propiedad–. ¿Y qué es tierra, suelo, polvo… de que cada uno esta hecho? ¿Cómo es no tener posesión de tu ‘base’, de uno mismo? ¿Y cómo es tenerla?”, cuestiona el artista.

Para la curadora Gabi Ngcobo, la obra de Bopape es una experiencia corporal porque reúne las energías de los cuerpos que la crearon. Por otra parte, le llama especial atención las ranuras en la tierra. “Me gusta esa metáfora porque en la narrativa histórica siempre existen esas ranuras y me gusta pensar que nuestro trabajo habita esos espacios porque es de ellos que viene la luz”, dice.

Em’kal Eyongakpa – Rustle 2.0

El camerunés Em’kal Eyongakpa tradujo en su instalación la dualidad entre naturaleza y civilización, organicidad y tecnología. Al entrar en una sala completamente escura, el espectador es rodeado de sonidos que oscilan entre el agua corriente y el efecto del viento sobre los árboles, por un lado, y las motosierras y su ruido metálico, por otro. Aunque no se pueda ver con claridad, uno puede sentir el olor húmedo del musgo y de la paja que cubren el las paredes y el suelo del cubículo.

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Em’kal Eyongakpa – Rustle 2.0

A los pocos, por efecto de luces de colores que corren dentro de tubos que se asemejan a fibra óptica, se dibujan dos grandes pulmones, con sus bronquios y bronquiolos iluminados. Pero lo que se ve, en realidad, son las siluetas aproximadas, hermanadas, de África y América.  La idea de la obra es compaginar naturaleza y cultura en un mismo todo, y no como ámbitos separados y autónomos. Según la comisaria, “Eyongakpa sugiere la idea de algo orgánico en la sobrevivencia y en la manutención de diversos sistemas –digitales, ecológicos, políticos– revelando una rara familiaridad entre ellos”.

“Esa es una experiencia corporal muy, muy fuerte porque entras en ese espacio, el olor cambia y el sonido, a todo el tiempo, no importa cuantas veces lo escuches, te golpea desde dentro”, dice Gabi Ngcobo. “La habilidad de Em’Kal de conectar todos esos materiales con el cuerpo, y con referencias al cuerpo, provoca una experiencia realmente muy íntima”, completa.

Misheck Masamvu – Midnight y Spiritual Host

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Jump Spread Your Legs [Passo largo], 2013 – Misheck Masamvu

Las dos pinturas presentadas por el zimbabuense Misheck Masamvu son ventanas para la realidad política y social en Harare. En su primera exposición en Brasil, Masamvu trae una trilogía intencionalmente desfalcada: “las dos obras son parte de un dialogo en tres partes, en que la tercera pintura es conscientemente excluida de la muestra”. Ese dialogo, dice, “se hizo para dar forma a las sombras que se encuentran en la estera del desaparecimiento de la humanidad”.

Con una precisión observadora y simple, el pintor que califica el arte contemporáneo en su país como un “sobre decorado” detalla de modo íntimo el proceso creativo e intelectual que rodea la creación de las dos piezas. Sobre el aparente caos traducido por los colores intensos, el Masamvu afirma que “se refiere a eventos experimentados, o a una vida vivida en miedo, o mantenida bajo examen por el incómodo producido por las conocidas consecuencias que pueden suceder a aquellos que se levantan por sus derechos”.

Y sigue: “Midnight es un tiempo que cuelga de la idea de lo próximo, de los probables desenlaces. Entretanto, habla de quietud, de un pasaje cuando lo desconocido reside en la emergencia de las sombras. Es un tiempo en que tu imaginación puede crecer más fuerte que la esperanza, o cuando tu fe es cuestionada por las sombras y los espíritus se elevan para agitar a tus huesos de horror. Tu prefieres que tus ojos sean cerrados a ver el fantasma del tiempo escribir a tu obsoleto futuro. Spiritual Host se refiere a la noción de los ‘headliners’, aquellos que expresan conciencia y percepción. Midnight son cuernos encerrados, un pueblo indeciso, en conflicto. Midnigh es pegar a tu oponente. Midnight es una colección de huesos. Spiritual Host es paciencia, es el sacrificio de uno mismo, es la vida que vale la pena preservar y un mensaje de esperanza.”

Sobre la relación entre las dos obras y el tema central de la Bienal –las incertezas vivas–, defiende sin dudar que la humanidad esta en riesgo por los ingredientes ‘deseducadores’ en oferta, que promueven el individualismo en lugar de lo colectivo en el desarrollo de soluciones para nuestros desafíos.

Mmakgabo Helen Sebidi – Tears of Africa

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Mmakgabo Helen Sebidi – Detalle Tears of Africa 1987-1988

La conversación transnacional de la que hablaba Gabi Ngcobo alcanza su máxima expresión en el trabajo de Helen Sebidi. La artista sudafricana, veterana en un grupo de jóvenes artistas emergentes, pasó cuatro meses en una residencia en el Goethe Institut de Salvador, en Bahia, trabajando en la segunda de las dos piezas que exhibe en la Bienal.

La primera es la mítica Tears of Africa, una pintura en carbón, tinta y collage que, en blanco y negro, resuena con un impacto asustadoramente actual los conflictos por los que pasaba el continente africano en los años ochenta, así como el régimen del apartheid en su país. Desde su creación, por determinación de la artista, la obra nunca salió de allá. “Ella decidió mantenerlo para aprender de él, como una herramienta de educación y trabajo para ella y otros artistas. Creo que eso muy profundo”, dice Ngcobo, que frecuentó la casa y el estudio de Sebidi y articuló el traslado de la obra.

La segunda pintura es justamente la continuación de esa historia no superada, que todavía resuena en un mundo de relaciones post-coloniales o neo-coloniales. Con una referencia directa a la esclavitud en Brasil y su conexión con la persistente violación y discriminación de la población negra, la segunda parte de Tears of Africa es, según Ngcobo, un retrato de esa historia compartida entre Brasil y el continente africano.

“Es una conversación que llega tarde en Brasil, en comparación con Estados Unidos, por ejemplo, y muchas veces es evitada, a pesar de ser absolutamente crítica”, dice la curadora.

‘Here Africa’ o el arte africano contemporáneo a través de sus artistas (Brasil)

Si de algo estamos orgullos en Sao Paulo es de los SESC. Los SESC (Servicio Social del Comercio), son instituciones sin ánimo de lucro sustentadas por los empresarios del comercio, servicios y turismo. El Estado de Sao Paulo es el más industrializado de Brasil y ello ha permitido un desarrollo de importantes centros dedicados a fomentar el deporte y la cultura a cualquier tipo de público, independientemente de la edad o condición social.

Here AfricaEn el SESC del barrio de Belem, zona Este de la capital paulista, con motivo del día de la consciencia negra, el pasado 19 de noviembre fue inaugurada una exposición dedicada al África más contemporánea. Proyectada por la institución Art for the World y comisariada por la conocida curadora Adelina von Fürstenberg, la exposición recoge a través de 13 artistas del África subsahariana una visión contemporánea del continente africano. Gran parte de las obras provienen de la colección del CAAC (Contemporary African Art Collection), perteneciente al italiano Jean Pigozzi y de la Galeria Lelong.

Como novedad, von Fürstenberg selecciona obras de diferentes tipos de formato tales como pinturas, fotografía, instalaciones, vídeos y esculturas. Como eje común, la exposición tiene como objetivo mostrar los problemas derivados de la inmigración africana, hechos que siguen en la actualidad siendo de mayor actualidad.

La muestra está organizada en dos espacios separados, y una gran instalación está en una de las zonas de encuentro del centro. Esa la obra del artista camerunés Toguo , cuya obra Carretera para el exilio, muestra el drama de la inmigración por mar. La figura de un gran barco de 8 metros con cerca de mil garrafas, bolsas de plásticos y paños de diferentes tejidos es el símbolo más fuerte del refugiado, ubicándose sobre el suelo de cristal que cubre la piscina del SESC, y creando así una visión más estética y real.

Una de las grandes obras pictóricas de la exposición, son las obras del senegalés Omar Ba . Para dicho artista, los muros entre Occidente y Oriente todavía existen, y con su obra El Muro, quiere eso mismo, denunciar las relaciones de colonialismo que aún existen entre Occidente y África. Realizada con 600 cajas de cartón, el muro está levantado en frente de un autorretrato, Conquistador, que pintó en las paredes de la exposición como símbolo del antisistema político africano.

ROMUALD HAZOUMÉ - androgino, 2000, tecnica mixta, 210x70x60 cm

ROMUALD HAZOUMÉ – androgino, 2000, tecnica mixta, 210x70x60 cm

Como escultor, destaca en la exposición las obras del artista Romuald Hazuamé (Benin). Representado por sus famosas máscaras, Hazuamé muestra una selección de 26 esculturas realizadas con materiales de desecho e inspiradas en la iconografía local de Benin. Sus trabajos forman parte de importantes colecciones de arte y está presente también en ferias de arte internacional.

Al igual que el anterior, los artistas Fréderic Bruly Bouabré y J.D.`Okhais Ojeikre´, procedentes de Costa de Marfil y Nigeria respectivamente, son artistas diríamos clásicos del arte africano contemporáneo. Ambos fallecidos en 2014, Bouabré fue uno de los grandes dibujantes africanos, referente de toda una generación de dibujantes locales. Tras su exposición en el Pompidou de Paris en 1989, Bouabré se consagró como un artista internacional y viene esta vez a Sao Paulo con un conjunto de 30 dibujos de una serie que dedicó a las relaciones entre África y Brasil. Por el contrario, las fotografías en blanco y negro de Okhai Ojeikere, acentúan la fuerza de la cultura nigeriana a través de los peinados de sus mujeres, casi esculturas del cotidiano local. Sus formas, curvas son un reflejo del pasado y del presente de la mujer africana.

Para finalizar este recorrido, es imprescindible destacar la excelente selección de videoarte y cortos de artistas de Benin. Patrocinados y seleccionados por el Kuturforum Sur-Norte, los vídeos confirman la calidad del videoarte en los últimos 10 años en Benin. Temas sociales, políticos, religiosos o raciales forman una telaraña de historias que pueden relacionarse directamente con la historia más reciente en Brasil. Están patrocinados por un comité internacional especialistas en videocreación.

Además de los artistas citados, el resto de exponentes (Chéri Samba, Edson Chagas, Idrissa Ouedraogo, Kudzanai Chiurai, Agbodjelou, Rigobert Nimi e Samuel Kané Kwei) demuestran una vez más una visión revolucionaria, a veces contradictoria de lo que es la cultura africana y su conexión con Brasil. Para el público brasileño, esta es una oportunidad más de adentrarse en el pasado de la esclavitud brasileña, de un no tan lejano año 1888, año de la abolición de la esclavitud en Brasil.

J.D. 'OKHAI OJEIKERE - Mmon Mmon edet ubok, 1974, fotografia por processo de prata coloidal, 60x50 cm

J.D. ‘OKHAI OJEIKERE – Mmon Mmon edet ubok, 1974, fotografia por processo de prata coloidal, 60×50 cm

Además, el SESC a través de los educadores de la exposición, están realizando una serie de actividades complementarias con todo tipo de público, aprovechando además las vacaciones escolares. Para el populoso barrio Belem, la muestra se presenta como lugar para conocer instrumentos africanos, realizar máscaras con materiales reutilizables, realizar muñecas de trapo para niños como las realizadas en la época de la esclavitud y narración de cuentos tradicionales africanos, realizando así pequeñas acciones sobre la propia exposición. El África que vemos es a veces poético y contrasta de algún modo con la exclusión social, la denuncia racial y la inmigración. Ello pone de relieve que lo pasado sigue siendo actual porque quizás ese pasado esclavo no fue todavía superado ni en Brasil ni en el continente africano.

 

 

 

Exposición “Arte en resistencia: The South African Poster Movement” en Traficantes de Sueños

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Después de la colaboración de Wiriko en el Ciclo de Música Negra de Barcelona “Say it Loud en la organización y comisariado de la exposición “Arte en resistencia: del apartheid al Mandela Poster Project“, hemos querido traer la exposición a Madrid. En esta ocasión la exposición se centrará en el movimiento cultural llamado South African Poster Movement en el que los trabajadores culturales utilizaron la cartelería para transmitir mensajes políticos de protesta dejando a la vez testimonio gráfico de la lucha.

Este año se cumplen los 20 años desde las primeras elecciones democráticas del país (1994) en las que el recientemente desaparecido Nelson Mandela fue proclamado Presidente de Sudáfrica, siendo la primera vez que la población negra pudo votar y el primer presidente negro del país. Por ello desde Wiriko queremos recordar de nuevo, estos duros años de la historia reciente sudafricana a través del arte. Ello lo haremos organizando —conjuntamente con Traficantes de Sueños y con la colaboración de la Farinera del Clot y Black Salad de Barcelona—, la exposición “Arte en resistencia: The South African Poster Movement” y la charla “La Sudáfrica del apartheid y el papel del arte en la resistencia” que nos ayudará a comprender mejor el contexto social y político y el papel del arte en la lucha.

 

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Jueves 6 de febrero de 2014 – 19,30

Inauguración “Arte en resistencia: The South African Poster Movement” (se podrá visitar desde el 6 de febrero hasta el 1 de marzo)

Conferencia “La Sudáfrica del apartheid y el papel del arte en la resistencia

Escucha aquí el audio:

 

Participan:

Antonio Santamaría: Doctor en Ciencias Económicas y Licenciado en Ciencias Políticas. Profesor del Máster “Ciencias Sociales del desarrollo: Culturas y desarrollo en África” de la Universidad Rovira y Virgili. Presidente del Centre d’Estudis Africans i Interculturals de Barcelona.

Vanessa Anaya:  Licenciada en Sociología y Máster “Ciencias Sociales del desarrollo: Culturas y desarrollo en África”. Socia fundadora y coordinadora de la sección de artes visuales de la Asociación Cultural Wiriko.

¡No os lo perdáis! ¡Brindaremos con un vinito!

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Lugar: Traficantes de Sueños

C/Embajadores 35, Local 6

28012 Madrid (Metro: Lavapies y Embajadores)

Exposición: Arte en resistencia: del apartheid al ‘Mandela Poster Project’

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Por segundo año consecutivo Wiriko colabora con el Ciclo de Música Negra “Say it Loud en la organización de una parte de su programa. Este año, en la sexta edición del Ciclo, hemos querido centrarnos en Sudáfrica en conmemoración al centenario de la Natives Land Act de 1903, que fue la formalización de una desposesión llevada a cabo ya desde la llegada de los europeos a la zona en el siglo XVII, así como el preludio del régimen racista que se instauró después: el apartheid.

Este año se cumple también el 95 aniversario de Nelson Mandela, activista anti-apartheid preso durante 27 años en Robben Island y posteriormente Premio Nobel de la Paz y primer presidente de la democracia, símbolo a nivel mundial por su papel durante la lucha y en la transición a la democracia.

Desde Wiriko queremos homenajear estos dos hechos mediante la organización de la exposición Arte en resistencia: del apartheid al ‘Mandela Poster Project’ en la Farinera del Clot de Barcelona, que muestra la importancia que tuvo el arte como arma de lucha y resistencia durante el apartheid, concretamente la música y las artes visuales. La exposición realizará un recorrido por la cartelería de resistencia creada por los trabajadores culturales durante los momentos clave de agitación política y social que se dieron durante el apartheid. Hoy en día el papel de las artes gráficas en Sudáfrica, queda manifiesta con la presentación del proyecto sudafricano ‘Mandela Poster Project‘, que será exhibido por primera vez en España en formato digital, y que ha aunado a 95 diseñadores y artistas gráficos de todo el mundo para celebrar este aniversario y recordar que Madiba es un icono a nivel mundial.

Previamente a la inauguración, realizaremos un pase del documental que nos ayudará a entender mejor el contexto y cómo se vivió esta época en la que la música fue la protagonista y arma de lucha:

Amandla!: A Revolution in Four-Part Harmony:

En este documental músicos, dramaturgos, poetas y activistas sudafricanos recuerdan la lucha contra el apartheid desde 1940 hasta la década de 1990 cuando despojaron a los ciudadanos negros de Sudáfrica de los derechos humanos básicos, destacando el importante papel que jugó la música en esa lucha. El documental mezcla entrevistas, actuaciones musicales y material fílmico histórico.

 

El viernes cambiamos de tercio, de escenario y de país y proyectaremos el documental:

‘Soul to Soul’

Este documental recoge el concierto que tuvo lugar en Accra (Ghana) el 6 de marzo de 1971 para celebrar el 14 aniversario de la independencia del país y en el que participaron varios músicos estadounidenses de R&B, jazz, rock  y soul.

Os dejamos el programa completo que también podréis ver (con más info) en la web de Say it Loud:

[hr]Jueves 17/10 2013 (gratuíto)

19:00 Pase del documental
Amandla! A revolution in four part harmony
(Director: Lee Hirsch)

21:00 Inauguración de la exposición (visitable todos los días del ciclo)
Arte en resistencia: del apartheid al ‘Mandela Poster Project’

21:30 Brindis inaugural + Sessió de dj’s
Jules Winnfield + The Neighbours
Viernes 18/10 2013

20:00 Pase del documental (gratuíto)
Soul to Soul (de Denis Sanders)

22:00 Concierto
Say it Loud Jam Trio
Andreya Triana (Ninja Tune – UK)

VENDA D’ENTRADES ANT.: 8€ TAQ.: 10€

00:30 Sessión de dj’s (gratuíto)
The Rigordians
Sábado 19/10 2013 (gratuíto)

18:00 Pase del documental
Sounds of Sai
(Marcia Juzga y Producciones Poliedro)

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8 Hours Reggae Run Vol.2
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¡Os esperamos!

Cama Guéye

Camara Guèye mira a África en ‘Regard sur l’Afrique’

Cama Guéye

your ak man (you end me)

Hoy en Wiriko dedicamos nuestra sección de artes visuales para hacer nuestro particular “pre-opening” de la exposición “Regard sur l’Afrique” del artista senegalés Camara Guèye. La exposición que se inaugura mañana, 3 de mayo en Bilbao y está organizada por Kalao Panafrican Creation, donde tendrá lugar.

El artista ya había expuesto en otra exposición “Soleil et vie à Dakar” organizada por Kalao y por la Galería Arteko de San Sebastián.

“Poeta de la calle” es una de las formas en las que se refieren a este artista. Y es que Camara Guèye es hoy en día uno de los más destacados artistas contemporáneos de Senegal. Nacido en Bignona  (Senegal) en 1968 en la actualidad vive a las afueras de Dakar pero su obra claramente traspasa fronteras y océanos. Guèye se formó en la Escuela Nacional de Bellas Artes de Dakar, pero Senegal, China, Estados Unidos, Costa de Marfil, Líbano, Francia y España, son solo algunos de los países donde ha llegado su trabajo. Se dejó ver en España en el 2004 en la gran feria de arte contemporáneo ARCO a través de la galería de arte Attisa.

Camara Guèye

bop sa bop i

La influencia del cubismo se asoma para plasmarse sobre el lienzo, el papel y la tela y lo hace manteniendo sus particularidades culturales. La inspiración en la vida cotidiana teje su obra y esta inspiración varia dependiendo de la época y de las circunstancias que vive, según el propio artista. Su obra nos remite a los principios del cubismo donde desaparece la perspectiva tradicional y las formas de la naturaleza son tratadas como figuras geométricas donde se fragmentan las lineas y superficies para dar lugar a una perspectiva múltiple representando todas las partes de un objeto en un mismo plano.

Tangana (the Little bistro coffee), No!Stop, Le chat et le chaise, Portrait of Senegalese Woman, Your ak man o WahambanÉ son algunas de sus creaciones y reflejan claramente la convivencia de varios mundos, desde un caleidoscópico punto de vista.

Con un estilo bastante vanguardista, Guèye no pierde de vista sus raíces, aquellas que nos muestra a través de un contraste entre lo moderno y lo tradicional. Lo hace jugando con varias escenas a la vez y poniendo orden al desorden, es cuando nos acerca a esa particular realidad. Los tonos terrosos y ocres nos remiten a la tierra, a África en particular, a una tierra que se puede mirar desde otra perspectiva, de una reliadad lejana a la que tradicionalmente conocemos. Sus lienzos reflejan una poesía de sueños entremezclados con el caos urbano de la periferia de Dakar, su ciudad natal.

Su obra de trazos fuertes e inspiradores, así como los elementos que representan, hace que cada una de sus obras se convirta en un collage donde el cuadro cobra autonomía como objeto con independencia a lo que representa. Como mencionan en una entrevista realizada por Cultura Dakar “su mundo imaginario, en el que predominan las figuras humanas y los animales, consigue combinar magníficamente las características de un ‘pintor primitivo’ inspirado por la antigua estatuaria africana e influenciado al mismo tiempo por creadores occidentales; es fácil vislumbrar la huella del Picasso más clásico. El artista consigue dejarse influir por algunas de las características de nuestro arte occidental, pero sin perder los rasgos más interesantes del propio arte africano.”

Esta misma evocación es la que esperamos en la muestra que está por estrenarse. Y que te recomendamos que visites.

 

 

Camara Guèye Exposición

Camara Guèye Exposición

El beso. Consideraciones transculturales sobre el amor

 

Imagen de la exposición "Eaten By The Heart" dentro de "The Progress of Love"

Imagen de la exposición “Eaten By The Heart” dentro de “The Progress of Love”

La idea y concepción sobre el amor, el beso y las emociones son el hilo conductor de la exposición ‘The Progress of Love’, que nos lleva a reflexionar sobre su universalidad —o no— a través de la fotografía y el video-arte de artistas como la nigeriana Zina Saro-Wiwa en su vídeo instalación ‘Eaten by the Heart’. Ésta forma parte del proyecto ‘The Progress of Love’, un proyecto colaborativo entre el Menil Collection de Houston (EEUU), el Centre for Contemporary Art, en Lagos (Nigeria) y la Pulitzer Foundation for the Arts de San Luís (EEUU). Las tres exposiciones simultáneas que componen ‘The Progress of Love’, constituyen un arco narrativo, abordando el amor como un amor ideal, como una experiencia de vida y como algo perdido.

‘The Progress of Love’ en la Menil Collection presenta obras de más de 20 artistas de África, Europa y América que examinan las formas en que el lenguaje, los medios de comunicación, las tradiciones culturales y las estructuras socioeconómicas fomentan imágenes y expectativas sobre el amor. En la exposición se presta especial atención a los efectos de la era digital y se pregunta si nuestras ideas sobre el amor se están acercando a través del Atlántico.

La presentación de ‘The Progress of Love’ en el Centre for Contemporary Art de Lagos, explora la cuestión del amor —a través de una serie de eventos, por un lado, y a través de sus obras, por el otro— en una amplia gama de medios de comunicación dentro del campo de las visuales. Destaca la práctica artística escenificada, que todavía no ha recibido una adecuada atención o compromiso crítico en el campo del arte contemporáneo en Nigeria o incluso en el oeste de África.

El progreso de la exposición ‘The Progress of Love’ en la Pulitzer Foundation for the Arts de San Luís explora el final del amor y sus consecuencias. Con la inclusión del arte africano y occidental, la exposición invita a los visitantes a examinar sus propias ideas sobre el amor y su pérdida.

Zina Saro-Wiwa

Zina Saro-Wiwa

Dentro de esta amalgama de tramas que se dibujan a través de diferentes soportes visuales como la fotografía, la instalación o el vídeo-arte, se configura la exposición sobre el amor, donde se encuentra el trabajo de Saro-Wiwa, originaria de Nigeria e hija del escritor y activista nigeriano Ken Saro-Wiwa [1] al que ya habíamos dedicado un artículo hace unos meses. Nos hemos querido centrar en su obra por lo pertinente y reflexivo del tema que trabaja, y nos ha parecido interesante su exploración de estas experiencias personales. Su obra busca hacer tangible el espacio entre la experiencia interna y la externa trayendo a escena consideraciones interculturales.

Son muchos los cuestionamientos que ha habido durante los últimos siglos en torno a las concepciones occidentales del amor, que han ido tomando forma por factores políticos, económicos, religiosos, sociales y culturales. A la vez, nuevas formas subversivas emergen para hacer tambalear la concepción tradicional del amor en nuestra sociedad, dando lugar a otros planteamientos alternativos. Pero durante todo este proceso, que se ha dado desde un punto de vista etnocéntrico, se ha prestado poca atención a África, y se han considerado universales muchas de nuestras concepciones occidentales, tanto sobre este aspecto como sobre muchos otros.

Para resaltar la voz del continente y poder acercarnos desde otro paradigma cultural, la vídeo-artista analiza algunas de las nociones y concepciones sobre el amor —y todo lo que le rodea— desde una perspectiva africana y diaspórica, y desde una identidad comunitaria, aunque también desde el punto de vista individual. Mediante su cámara realiza este “mapeo de los paisajes emocionales” de las personas entrevistadas que le permite irse adentrando en su intimidad, logrando poner sobre la mesa este cuestionamiento cultural del amor y sus diferentes manifestaciones. Más allá de la discusión entre antropólogos de si el beso es un comportamiento aprendido o instintivo, si es africano o no o si es público o privado—tal y como cuestionan algunos de los entrevistados—, nos obliga a pensar algo que seguramente desde nuestra cultura se asume como universal.

Nuit de Nöel de Malick Sidibé en "The Progress of Love"

Nuit de Nöel de Malick Sidibé en “The Progress of Love”

Lo que queremos destacar del proyecto es la interesante manifestación de la fusión de las culturas, por la globalización y mediante los procesos diaspóricos que han tenido lugar en el tiempo y que nos abren la puerta a la cuestión de la identidad, en este caso africana y negra, y a la cuestión de la concepción cultural sobre la esfera pública/privada. Este es el hilo conductor del trabajo de la nigeriana en su obra ‘Eaten by the Heart’, y del que podemos disfrutar una parte.

A través de su cámara, nos invita a pasar a un espacio íntimo —muy íntimo— que genera complicidad y curiosidad a las que hemos sido espectadoras durante estos minutos. Para que sepáis de qué os estamos hablando, os invitamos a que durante once minutos activéis la pantalla completa y disfrutéis de esta incursión al corazón —metáfora muy apropiada en este caso— de sus protagonistas.

 

 

Estos vídeos son sólo un aperitivo de lo que les espera a aquellos afortunados que anden cerca de algunos de los centros culturales que acogen la muestra desde este mes de diciembre, hasta marzo de 2013.

¿es la idea y el sentimiento del amor universal? ¿es el beso monopolio occidental? ¿cuáles han sido los intercambios culturales con respecto a las ideas y demostraciones de amor?

 

[1] Ken Saro- Wiwa uno de los máximos defensores del medio ambiente y de los derechos humanos en Nigeria desde los inicios de los 90. Después de su condena a muerte en 1994, y de su ejecución el año siguiente, Saro-Wiwa se convertió en un mártir para una gran mayoría. Presidió la Ogoni Central Union (1989-1993), fue vicepresidente de la Unrepresented Nations and Peoples Organization(1993) y la presidió la Ethnic Minority Rights Organization of Africa (1992-1995). También de 1993 a 1995 fue presidente del Movement for the Survival of the Ogoni People (MOSOP), un movimiento que ayudó a crear y del que fue uno de los más activos portavoces, especialmente a nivel internacional, hasta su asesinato (2005, Lagarriga, D.)

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Fuentes:

The Progress of Love

Arise Africa

Delux Magazine

Okayafrica

This is Africa

The Lilith Gallery Network

The Menil Collection

CCA Lagos – Centre for Contemporary Art, Lagos

Pulitzer Foundation for the Arts de San Luís

Lagarriga, D. P. (2005): Afroresistències, afroressonàncies. Teixint les altres Àfriques. Barcelona: Oozebap.

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